Objectifs pédagogiques :
Enrichir et asseoir les connaissances artistiques liées à l’environnement anglo-saxon, les stratégies d'écriture et les pratiques de la langue orale. Les cours d'anglais ont pour objectif d'améliorer l'aisance orale des étudiants dans des situations et contextes essentiellement liés au monde de l'art.

Contenu :
Rédaction d’essais, de résumés, d'analyse critique, traduction à partir de textes spécifiques
Exposés (présentation d’un artiste et de l’une de ses oeuvres)
Etudes de vidéos, de photographie, de textes portant sur un artiste, un designer, un architecte...
Exercices sur la grammaire anglaise
Exercices sur le vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel, tests de grammaire et de vocabulaire

Bibliographie :
- « Global Intermediate Coursebook », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- « Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
- « The New Spotlight, Classe de Première », « Fourteen representative Works of English and American Art », Hachette
- M. Swan, « How English Works », Oxford University Press

Support de cours :
Cours collectif, interventions individuelles, conférences, visites d'expositions, tests de grammaire et de vocabulaire

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Quelques figures marquantes et attachantes de la modernité et des avant-gardes en arts plastiques, constituent le socle du cours, ainsi que les croisements possibles avec les arts poétiques, les arts musicaux, l'architecture et les designs.

Contenu :
Il s'agit de contribuer aux nouveaux récits d'une histoire européenne. Dans quelle mesure serions-nous prêts à y adhérer ?
L'histoire est l'entrelacs du temps de naissance des œuvres (le départ), du temps où elles entrent dans l'histoire et au musée (l'arrivée). Mais encore, d'un temps intermédiaire : la durée nécessaire pour que l'œuvre entre dans l'histoire. Cette durée peut être considérable, comme nous le montre la lente reconnaissance de L'origine du monde (Gustave Courbet). Pouvons-nous rattraper quelques laps de ce temps perdu ?
Un siècle après, l'on revisite les vieilles notions et l'on remet en cause celles qui conduisent aux impasses, malentendus, ou qui demeurent connotées négativement.

Mode d'évaluation :
Présence + rendu d'un travail écrit

Bibliographie :
distribuée en cours

Support de cours :
Cours en amphi avec projections images et son

Objectifs pédagogiques :
L'objectif de ce cours est d’introduire l'histoire de l'art comme une discipline critique.

Contenu :
Le démon de l'interprétation. Le cours vise à s'interroger tout d'abord sur l'idée d'un répertoire qui serait celui de l'histoire de l'art. De la même façon qu'il existe un répertoire pour les spécialistes du théâtre, duquel il est difficile de soustraire Shakespeare ou Goethe, il existe bien un répertoire d’œuvres essentielles dans l'art occidental - et hors de l'Occident - dans lequel figurent la Tempête de Giorgione, le Retable d'Issenheim, L'Enterrement du comte d'Orgaz du Greco, le Tres de Mayo de Goya, et bien d'autres œuvres. Ce répertoire a quelque chose de vivant, loin de ce que serait une tradition figée. L'histoire de l'art comme discipline y contribue, en cherchant à interpréter ces œuvres, c'est-à-dire les restituer à un temps et à une culture révolus. Le cours est une introduction à ces démarches. L'historien de l'art ressemble également à un dramaturge qui, devant une œuvre, propose après d'autres son interprétation de L'Enlèvement des Sabines ou d'Un bar aux folies bergères. Il ressemble également au lecteur qui, devant un texte, peut faire proliférer ses significations sans devoir se référer à son auteur et son intention supposée. Le cours visera également à montrer comment les œuvres se prêtent, non sans résistance, à toutes ces opérations.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Cours magistral en amphi

Objectifs pédagogiques :
Dans ce cours théorique et pratique, l'étudiant est invité à découvrir le champ des humanités numériques (de l'anglais « Digital Humanities »).

Contenu :
Plus généralement, il s'agira de s'interroger et de voir en quoi l'informatique impacte les manières de faire et d'expérimenter l'art aujourd'hui.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Sitographie :

- « Manifeste des Digital humanities », 2010 : http://tcp.hypotheses.org/318
- Aurélien Berra, « Faire des humanités numériques », 2011 : http://books.openedition.org/oep/238
- www.mesfavoris.eu

Support de cours :
Cours magistral augmenté d'exemples pratiques.

Contenu :
Théorie du Look
Théorie du Look est un cours de culture visuelle moderne et contemporaine qui interroge les conditions et les dispositifs de production du regard depuis une perspective critique contemporaine. L’idée est de revoir l’histoire de la construction du regard à l’aune des théories critiques liées aux questions du genre, de la race, du social et de l’histoire. Le but est de mettre en perspective les inventions de dispositifs de visualisation singuliers (cinéma, photographie, architecture, vêtement) ayant permis de redéfinir la relation entre l’acte de regarder, la chose observée - et ce qu’elle est. Contre l’idée de point de vue global et fixe, il est donc question d’engager une réflexion actuelle sur les dispositifs de production de l’image.

Bibliographie :
Bibliographie (sélection)
- Beatriz Colomina, Sexuality and Space, Princeton Architectural Press, 1994
- Jonathan Crary, L'Art de l'observateur : Vision et modernité au 19eme siècle, Editions Jacqueline Chambon, 1994
- Guy Debord, La société du spectacle, Buchet-Chastel, Paris, 1967
- Donna Haraway, Manifeste cyborg et autres essais. Sciences - Fictions - Féminismes, Anthologie établie par Laurence Allard, Delphine Gardey et Nathalie Magnan, Éditions Exils, 2007
- Erwin Panofsky, La Perspective comme forme symbolique et autres essais, traduction de l’anglais sous la direction de Guy Ballangé, Les éditions de minuit, 1976
- Griselda Pollock, Vision and Difference: Feminism, Femininity and the Histories of Art, Routledge Classics, 2003
- Jeffrey Sconce, Haunted Media: Electronic Presence from Telegraphy to Television, Duke University Press, 2000
- Laura Mulvey, Au-delà du plaisir visuel (éd.Teresa Castro et Clara Schulmann), Editions Mimésis 20117
- L'économie de l'attention, Nouvel horizon du capitalisme ? Sous le direction de Yves Citton, Edition La découverte, 2014

Objectifs pédagogiques :
Ecriture de la forme / forme de l'écriture
Cet atelier a une double finalité : initier les étudiants aux formes de l’écrit propres aux champs de l’art et du design et les accompagner dans l’exercice d’écriture. Il s’agira de découvrir des textes classiques plus ou moins anciens, de se familiariser avec les formes de l’écrit dans les champs de l'art et du design, et plus largement dans le champ culturel contemporain : écrits théoriques, communiqués de presses, articles de presses, paratextes divers, etc. Mais il s’agira également de nourrir une production textuelle, à partir de textes historiques, contemporains, de films, de visites collectives d'expositions, etc. Les ateliers articuleront découverte de textes, productions textuelles, échanges, débats et discussions sur des questions esthétiques contemporaines. Il s'agira également pour l'étudiant de découvrir et comprendre l'importance du texte et sa place dans l'art contemporain, entre explication et prolongation de l'oeuvre.
Cet atelier ne vise pas à débuter une pratique d’écriture réflexive sur une pratique personnelle, mais à décomplexer l’étudiant qui s’apprête à développer une recherche formelle (qu’elle soit plastique, graphique ou autre) et pour que son travail d'écriture puisse l'accompagner.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.
Notation : présence et production textuelle.

Support de cours :
Les cours seront articulés en ateliers, accompagnés de quelques cours généraux.

Objectifs pédagogiques :
Construire les traces de sa méthode, enregistrer et apprendre à organiser ce qui sert à réfléchir, à travailler.
Donner à voir ses approches, même si celles-ci sont incertaines ou en esquisses.
Savoir montrer les 'dessous' du travail.

Contenu :
Les questions les plus actuelles seront mises en échos, en dialogues avec les expériences passées.
Regards sur les processus de recherche des artistes, les notes, les écrits, les incertitudes, les projets non-réalisés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel collégial.

Bibliographie :
- « Les Carnets de Léonard de Vinci », préface de Paul Valéry, Gallimard
- « Passages : Victor Burgin », catalogue d'exposition Musée d'Art Moderne de Villeneuve d'Ascq

Support de cours :
Ateliers collectifs et cours magistral.

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et développer l'activité de recherche d'informations et la constitution d'une base de données nécessaires à l'élaboration d'une méthode de travail et à la mise en place d'une problématique individuelle.

Contenu :
Le travail de documentation fait partie intégrante des enseignements théoriques et plastiques. Ses orientations et contenus sont directement liés à l'enseignement en question et aux décisions quant à la constitution même du travail de l'étudiant.
Ainsi, si la collection d'informations s'avère un moment indispensable à toute démarche de création (l'archive comme matière), en design tout autant qu'en art, il est tout aussi important de se poser la question des modalités de production d'informations et d'archives de cette démarche même (la matière comme archive), quand celle-ci ne va pas jusqu'à se superposer à elle pour construire un travail d'auteur qui se veuille 'documentariste'.
À noter que le travail de documentation est pour partie constitué d'éléments exogènes aux champs de la création et, qu'il peut, de par la nature de leur traitement, permettre d'interroger les limites de ces derniers.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Au semestre 1, cet enseignement est pleinement intégré aux différents cours et ateliers.

Objectifs pédagogiques :
- Questionner les relations, les liens entre le réel et l’espace construit des images.
- Transformer ou s’approcher du réel par l’observation et la considération de ce qui nous entoure en « question » afin de construire un projet sensible.
- Le projet sera lié à l’esprit d’analyse, de synthèse et de développement.

Contenu :
1-L’atelier est un lieu de questionnement, de recherche individuelle et collective, un lieu où les formes, les pratiques et les enjeux de l’art sont interrogés.
La photographie, le dessin, le volume … seront les médiums non exclusifs de cette approche, mais tous interrogeront nôtre relation aux images.

2- À partir de travaux dirigés, le cours sera centré depuis la production d'images bi ou tridimensionnelles nous travaillerons à saisir les écarts entre les intentions et les faits.
Il s’agira ici de travailler à partir d’exemples concrets sur le visible du travail, sa résolution formelle et sa restitution. Nous insisterons sur ce qui le rend visible, par rapport au projet initial, ce qui permet, avec justesse de le partager, donc de le rendre lisible. Quelles décisions suis-je amené(e) à prendre au cours du processus ? Pourquoi ? Quels sont les outils que j’utilise ? Pourquoi ? Quelles décisions sont prises au cours de la présentation ? Pourquoi ? Il s’agira concrètement d’expérimenter et d’éprouver les différents arrangements formels susceptibles de rendre convenablement visible le travail.

3-L’objectif est d’acquérir les notions fondamentales qui vont permettre à l’étudiant de définir par lui-même des moyens de production autour d’une problématisation des images. Il s’agira d’apprendre aussi à présenter son travail sous la forme de rencontre individualisée et de présentation au sein d’un groupe.

4- Les différentes étapes permettront d’analyser et de différencier les statuts de l’image.

5- Archivage des travaux. Nous examinerons les projets des étudiants du semestre 1 à semestre 2 afin de dégager avec eux les éléments qui devront faire l’objet d’un archivage et la construction d’une édition. L’ensemble comprendra des images et du texte, il exprimera les temps forts d’un parcours, prémisses d’une position engagée.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel, contrôle continu

- Investissement de l’étudiant
- Qualités plastiques
- Qualités sémantiques
- Maîtrise technique
- Qualités de la présentation

Bibliographie :
- François Soulages et Marc Tamisier, « Photographie contemporaine et art contemporain; l'image et les images », Klincksieck
- « 72 (projets pour ne plus y penser) », les Presses du Réel
- Lionel Bovier et Mai-Thu Perret, « Hétérotopies/hétérotopias », JRP Éditions, Genève, 2000
- Régis Durand, « Habiter l’image », Marval, 1994
- Gilles Deleuze et Claire Parnet, « Dialogue », Flammarion, coll. Champs Essais, 1996
- « Mutations arc en rêve centre d’architecture », Actar, 2000
- Roland Barthes, « La chambre claire », Seuil, 1980
- Michel Foucault, « Les mots et les choses », NRF Gallimard, 1966
- Georges Didi-Huberman, « Fra Angelico », Flammarion, coll. Champs, 1995
- « Fresh Théorie, Tome 1, 2,3 », Léo Scheer, 2005/2008
- « Art conceptuel, une entologie », MIX, 2008
-« Design et crime » Hal Foster, Les prairies ordinaires ,2008
-« Conversations » Rémi Coignet, This eyes publishing, 2014
-« L'expérience des images », Marc Augé, Georges Didi-Huberman, Umberto Eco, INA Editions, 2011
-«Architecture radicale» Iac, Seuil, 2001
-«Magasin 1986/2006 », Les presses du réel, 2005

Objectifs pédagogiques :
Les initiations techniques et technologiques se déroulent lors de l'année 1 et ont pour premier objectif la découverte et la connaissance du fonctionnement des pôles technologiques de l'école. Celles-ci se déroulent sous forme de stages où l'étudiant est conduit à acquérir les compétences minimum nécessaires à l’expérimentation plastique et à l'apprentissage des processus de création.

Contenu :
Les initiations consistent en l'apprentissage des outils et leur mise en pratique autour de médias ou de techniques spécifiques. Les initiations se déroulent dans les différents pôles technologiques de l'école et sont conduites par des équipes de professeurs de l'année 1 en collaboration avec les professeurs responsables des pôles et les différents techniciens.
Elles sont en résonance avec les divers champs de la création contemporaine et concernent des domaines tels qu'informatique, photographie argentique, photographie numérique, estampes (édition et multiple), volume et sculpture, etc.

Une présentation des contenus est proposée afin de percevoir l’articulation entre pratique et théorie et les enjeux historiques. Le travail pratique en atelier est guidé par un ou plusieurs enseignants référents.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Contenu :
Cet atelier se propose de poursuivre avec énergie et mobilité le travail d'initiation engagé en début de première année dans les différents pôles techniques de l'école. Il s'agira de développer une pratique expérimentale de l'image – qu'elle soit photographique, imprimée ou dessinée – associée à des connaissances théoriques, et d'ouvrir ainsi un champ riche de travail pour chaque étudiant dans le domaine transdisciplinaire des arts graphiques. Nous prendrons en compte les « arts à la machine » (et notamment la caméra) comme des instruments de perception et de jeu, pour, je l'espère, en faire peu à peu des outils capables de produire des situations d'expériences. Ce projet ne se fera pas sans une grande attention à vos processus artistiques, à vos intérêts artistiques individuels et collectifs, à vos gestes et aux formes qui en découleront. Ils constitueront, en atelier, le socle de discussions communes.

Le travail de documentation fait déjà aujourd'hui partie de la transmission de votre pratique ; il participe aussi de toute recherche théorique sérieuse que l'on soit historien, scientifique ou artiste. Qu'est-ce qu'un document ? Comment une image, une reproduction d'oeuvre documente-elle un propos ? Nous nous intéresserons aussi aux enjeux du travail d’articulation d’une iconographie et à ses possibles mise-en-forme, en examinant notamment des tentatives diverses (livre d'artistes, éditions, films-essais, etc).
La photographie numérique et argentique, le montage vidéo, le montage photographique et le collage ou encore les techniques de la gravure et de l’impression seront des pratiques abordées en relation avec les trois pôles techniques de l’école : édition, images-mouvement, photographie. Des exercices collectifs et individuel pourront être proposés. L'atelier proposera ainsi une introduction à des problématiques propre au design graphique (le montage d'image) et au design textile (l'impression).

Mode d'évaluation :
Participation active à l'atelier et aux cours proposés, contrôle continu au regard de la qualité des travaux rendus et de l'évolution de la pratique et bilan semestriel

Bibliographie :
- Henri Focillon, Maîtres de l'estampes, Paris, Flammarion (coll.Images et Idées), 1969.
- Jean-François Chevrier, Entre les beaux-arts et les médias : photographie et art moderne, Paris, Éd. L'arachnéen, 2010, Les relations du corps, Éd. L'arachnéen, 2010, et Œuvre et activité, Éd. L'arachnéen, 2015
- Pierre Reverdy, Note éternelle du présent, écrits sur l'art (1923-1960), Paris, Flammarion, 1973
- Olivier Boulnois, Au delà de l'image, Une archéologie visuel au Moyen-Âge, Ve-XVIe siècle, Paris, Éd. du Seuil, 2018
- Charles Baudelaire, « Le public moderne et la photographie » et « le peintre de la vie moderne » dans le « Salon de 1859 », Critique d'art, Paris, Gallimard (coll.Folio essais n°183), 1992
- Jeff Wall, Essais et entretiens, 1984-2001, Paris, Ensba Éd., 2001
- « Le parti pris du document, littérature, photographie, cinéma et architecture au XXe siècle », revue Communication n°71, Éd. du Seuil, 2001
- Steen Eiler Rasmussen, Découvrir l'architecture, Paris, Le linteau, 2002
- Fanny Béguery et Adrien Malcor, Enfantillages outillés, un atelier sur la machine,Paris, Éd. L'arachnéen, 2016

Objectifs pédagogiques :
Ce cours apprend aux étudiants à reconnaître et à manipuler les éléments fondamentaux du dessin : la ligne, le volume, la forme, la composition et de l'espace. L'accent est mis sur le fait de voir activement et de travailler avec précision à partir de l'observation. Les élèves explorent une variété de matériaux et de méthodes, tout en travaillant directement à partir de l'observation, y compris la nature morte, le modèle, l'espace architectural intérieur/extérieur et le monde naturel. Les travaux portent sur des questions techniques et conceptuelles évoquées par l'histoire de l'art et la pratique de l'art contemporain. Par l'observation intense, le dessin et la critique, les élèves développeront une pratique du dessin qui combine la pensée technique, expérimentale et critique.

Contenu :
· La capacité de dessiner à partir de l'observation.
· Articulation des préoccupations picturales de base, comme la ligne, le contour, la forme, la masse, la composition, l'espace.
· Comprendre l’importance du dessin à travers l’histoire de l’art.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu. Bilan semestriel

Bibliographie :
Drawing on the Right Side of the Brain: The Definitive, 4th Edition (Betty Edwards)
Josef Albers: To Open Eyes (Frederick A. Horowitz)
Drawing Lessons from the Great Masters (Robert Beverly Hale)
Contemporary Drawing: From the 1960s to Now (Katherine Stout)

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s’agit d’encourager le maximum d’expérimentation et de mobilité possible ; le studio doit permettre au travail de chacun d’évoluer, voire de se transformer. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d’établir un projet, mais simplement de prendre le plus possible conscience — lors des discussions et dans votre pratique entre les séances — des conséquences et des possibilités de vos choix formelles et de pousser le travail plus loin.

Contenu :
Un travail artistique résulte d’une accumulation de décisions prises de façon consciente ou inconsciente, par intuition ou par habitude, suivant, ou pas, des conventions ou des plans. Chacune de ces décisions modifie la qualité de la totalité de la construction.
Cette densité caractéristique des œuvres est particulièrement sensible en peinture, ou les couches se superposent et se cachent. Ce cours sera structuré pour nous permettre de prendre le temps de regarder attentivement ensemble tous les gestes qui constituent votre travail et ainsi de construire un espace de parole intermédiaire entre « l’espace mental » de chacun et « l’espace public » de présentation, en adoptant une position qui reste proche de celui ou celle qui fabrique et non pas de la critique qui interprète à partir de ce qu’il voit. La parole est active, elle fait partie du processus de travail et influe sur la production ; le travail sera toujours considéré comme un point dans une évolution et non comme une finalité.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
En parallèle au travail pratique, nous lirons ensemble dans ce cours, des extraits d’écrits et entretiens d’artistes. Ces documents vous seront distribués.

Objectifs pédagogiques :
Suivre des traces sonores, en inventer lorsqu’elles sont introuvables, pour tisser des entrelacs sensibles par ce qui s’entend et ce qui se voit. Une considération des sons, du design sonore et de la musique selon des exemples choisis, historiques, typiques et actuels.

Contenu :
A partir de documents sonores révélant une pratique ou un usage singulier tenter une diversification de l’attention et du discours critique. L’étude de cas consiste à étendre et à distinguer la sensibilité appliquée au visuel dans le domaine du sonore.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
- Encyclopédies de la musique
- Livres numériques gratuits :
http://michelchion.com/books/free

Support de cours :
Adresses URL ou liens vers des pages proposant des documents sonores.
Exemples :
https://inagrm.com/fr
http://ressources.ircam.fr
http://www.ubu.com/sound/

Objectifs pédagogiques :
Ce cours propose une rencontre avec la danse à travers sa pratique. 

Contenu :
Un des éléments les plus marquants de la danse est la nécessité de s'impliquer physiquement dans une pensée de recherche. Ce fait ouvre un champ riche et mobile entre nos expériences subjectives et l'objectivité qui peut nourrir toutes nos pratiques artistiques. 
Nous commencerons d'abord par développer une approche avec nos corps sensibles, au quotidien. La confiance ainsi acquise nous permettra d'expérimenter quelques méthodes issues de la danse contemporaine, l'esprit léger. Ainsi, forts de cette méthode basée sur nos propres corps, nous pourrons investiguer l'Histoire de la danse et de la performance à travers certains axes suggérés par l'art contemporain.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, bilan semestriel.

Bibliographie :
- Simone Forti, « Manuel en Mouvement/collection Nouvelles de Danse 44/45 », Contredanse 2000
- Laurence Louppe, « Poétique de la danse contemporaine », Contredanse 2004

Web :
http://www.ubu.com/dance/
(tout le site mais en particulier : Charles Atlas, Pina Bausch, Jerome bel, Maya Deren,William Forsyth, Simone Forti, Xavier Leroy, La Ribot).
http://www.danse.univ-paris8.fr
(article de isabel ginot « Un lieu commun »).
http://www.everybodystoolbox.net

Support de cours :
En partenariat avec Les Subsistances, le cours aura lieu au semestre d'automne-hiver, en atelier et sur un plateau dédié au spectacle vivant.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Enrichir et asseoir les connaissances artistiques liées à l’environnement anglo-saxon, les stratégies d'écriture et les pratiques de la langue orale. Les cours d'anglais ont pour objectif d'améliorer l'aisance orale des étudiants dans des situations et contextes essentiellement liés au monde de l'art.

Contenu :
Rédaction d’essais, de résumés, d'analyse critique, traduction à partir de textes spécifiques
Exposés (présentation d’un artiste et de l’une de ses oeuvres)
Etudes de vidéos, de photographie, de textes portant sur un artiste, un designer, un architecte...
Exercices sur la grammaire anglaise
Exercices sur le vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel, tests de grammaire et de vocabulaire

Bibliographie :
- « Global Intermediate Coursebook », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- « Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
- « The New Spotlight, Classe de Première », « Fourteen representative Works of English and American Art », Hachette
- M. Swan, « How English Works », Oxford University Press

Support de cours :
Cours collectif, interventions individuelles, conférences, visites d'expositions, tests de grammaire et de vocabulaire

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Quelques figures marquantes et attachantes de la modernité et des avant-gardes en arts plastiques, constituent le socle du cours, ainsi que les croisements possibles avec les arts poétiques, les arts musicaux, l'architecture et les designs.

Contenu :
Il s'agit de contribuer aux nouveaux récits d'une histoire européenne. Dans quelle mesure serions-nous prêts à y adhérer ?
L'histoire est l'entrelacs du temps de naissance des œuvres (le départ), du temps où elles entrent dans l'histoire et au musée (l'arrivée). Mais encore, d'un temps intermédiaire : la durée nécessaire pour que l'œuvre entre dans l'histoire. Cette durée peut être considérable, comme nous le montre la lente reconnaissance de L'origine du monde (Gustave Courbet). Pouvons-nous rattraper quelques laps de ce temps perdu ?
Un siècle après, l'on revisite les vieilles notions et l'on remet en cause celles qui conduisent aux impasses, malentendus, ou qui demeurent connotées négativement.

Mode d'évaluation :
Présence + rendu d'un travail écrit

Bibliographie :
fournie en cours

Support de cours :
Cours en amphi avec projections images et son

Objectifs pédagogiques :
L'objectif de ce cours est d’introduire l'histoire de l'art comme une discipline critique.

Contenu :
Le démon de l'interprétation. Le cours vise à s'interroger tout d'abord sur l'idée d'un répertoire qui serait celui de l'histoire de l'art. De la même façon qu'il existe un répertoire pour les spécialistes du théâtre, duquel il est difficile de soustraire Shakespeare ou Goethe, il existe bien un répertoire d’œuvres essentielles dans l'art occidental - et hors de l'Occident - dans lequel figurent la Tempête de Giorgione, le Retable d'Issenheim, L'Enterrement du comte d'Orgaz du Greco, le Tres de Mayo de Goya, et bien d'autres œuvres. Ce répertoire a quelque chose de vivant, loin de ce que serait une tradition figée. L'histoire de l'art comme discipline y contribue, en cherchant à interpréter ces œuvres, c'est-à-dire les restituer à un temps et à une culture révolus. Le cours est une introduction à ces démarches. L'historien de l'art ressemble également à un dramaturge qui, devant une œuvre, propose après d'autres son interprétation de L'Enlèvement des Sabines ou d'Un bar aux folies bergères. Il ressemble également au lecteur qui, devant un texte, peut faire proliférer ses significations sans devoir se référer à son auteur et son intention supposée. Le cours visera également à montrer comment les œuvres se prêtent, non sans résistance, à toutes ces opérations.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Cours magistral en amphi

Objectifs pédagogiques :
Dans ce cours théorique et pratique, l'étudiant est invité à découvrir le champ des humanités numériques (de l'anglais « Digital Humanities »).

Contenu :
Plus généralement, il s'agira de s'interroger et de voir en quoi l'informatique impacte les manières de faire et d'expérimenter l'art aujourd'hui.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Sitographie :

- « Manifeste des Digital humanities », 2010 : http://tcp.hypotheses.org/318
- Aurélien Berra, « Faire des humanités numériques », 2011 : http://books.openedition.org/oep/238
- www.mesfavoris.eu

Support de cours :
Cours magistral augmenté d'exemples pratiques.

Contenu :
Théorie du Look est un cours de culture visuelle moderne et contemporaine qui interroge les conditions et les dispositifs de production du regard depuis une perspective critique contemporaine. L’idée est de revoir l’histoire de la construction du regard à l’aune des théories critiques liées aux questions du genre, de la race, du social et de l’histoire. Le but est de mettre en perspective les inventions de dispositifs de visualisation singuliers (cinéma, photographie, architecture, vêtement) ayant permis de redéfinir la relation entre l’acte de regarder, la chose observée - et ce qu’elle est. Contre l’idée de point de vue global et fixe, il est donc question d’engager une réflexion actuelle sur les dispositifs de production de l’image.

Mode d'évaluation :
continu

Bibliographie :
Bibliographie (sélection)
- Beatriz Colomina, Sexuality and Space, Princeton Architectural Press, 1994
- Jonathan Crary, L'Art de l'observateur : Vision et modernité au 19eme siècle, Editions Jacqueline Chambon, 1994
- Guy Debord, La société du spectacle, Buchet-Chastel, Paris, 1967
- Donna Haraway, Manifeste cyborg et autres essais. Sciences - Fictions - Féminismes, Anthologie établie par Laurence Allard, Delphine Gardey et Nathalie Magnan, Éditions Exils, 2007
- Erwin Panofsky, La Perspective comme forme symbolique et autres essais, traduction de l’anglais sous la direction de Guy Ballangé, Les éditions de minuit, 1976
- Griselda Pollock, Vision and Difference: Feminism, Femininity and the Histories of Art, Routledge Classics, 2003
- Jeffrey Sconce, Haunted Media: Electronic Presence from Telegraphy to Television, Duke University Press, 2000
- Laura Mulvey, Au-delà du plaisir visuel (éd.Teresa Castro et Clara Schulmann), Editions Mimésis 20117
- L'économie de l'attention, Nouvel horizon du capitalisme ? Sous le direction de Yves Citton, Edition La découverte, 2014

Objectifs pédagogiques :
Ecriture de la forme / forme de l'écriture
Cet atelier a une double finalité : initier les étudiants aux formes de l’écrit propres aux champs de l’art et du design et les accompagner dans l’exercice d’écriture. Il s’agira de découvrir des textes classiques plus ou moins anciens, de se familiariser avec les formes de l’écrit dans les champs de l'art et du design, et plus largement dans le champ culturel contemporain : écrits théoriques, communiqués de presses, articles de presses, paratextes divers, etc. Mais il s’agira également de nourrir une production textuelle, à partir de textes historiques, contemporains, de films, de visites collectives d'expositions, etc. Les ateliers articuleront découverte de textes, productions textuelles, échanges, débats et discussions sur des questions esthétiques contemporaines. Il s'agira également pour l'étudiant de découvrir et comprendre l'importance du texte et sa place dans l'art contemporain, entre explication et prolongation de l'oeuvre.
Cet atelier ne vise pas à débuter une pratique d’écriture réflexive sur une pratique personnelle, mais à décomplexer l’étudiant qui s’apprête à développer une recherche formelle (qu’elle soit plastique, graphique ou autre) et pour que son travail d'écriture puisse l'accompagner.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel + présence en cours

Objectifs pédagogiques :
Dans la perspective de l’examen du semestre 2, le projet-mémoire est une première approche d'un travail théorique personnel. Il consiste en l'élaboration d'un document portant sur les références artistiques de l'étudiant et son inscription personnelle dans le champ de la création ; il aborde l’énonciation d'une problématique et d’une pensée en relation avec la pratique plastique.

Contenu :
À partir des cours et séminaires ainsi que des recherches personnelles, l'étudiant choisira quelques notions qui lui paraissent importantes. Il est essentiel d'établir entre ces notions et l'iconographie choisie des liens qui permettent à l'étudiant d'envisager un champ de recherche à développer. Le projet/mémoire se compose d’un texte écrit accompagné d'images qui témoignent d'une recherche iconographique personnelle et d’un travail sur sa forme plastique. Cet ensemble doit être mis en forme de façon construite. Il devra permettre au jury d'évaluer à la fois la compréhension des lectures et des cours et la capacité d'établir des liens entre eux et les pratiques plastiques en vue de la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel dans le cadre de l'examen de fin d'année.

Support de cours :
Cours collectif et entretiens individuels.

Objectifs pédagogiques :
Construire les traces de sa méthode, enregistrer et apprendre à organiser ce qui sert à réfléchir, à travailler.
Donner à voir ses approches, même si celles-ci sont incertaines ou en esquisses.
Savoir montrer les 'dessous' du travail.

Contenu :
Les questions les plus actuelles seront mises en échos, en dialogues avec les expériences passées.
Regards sur les processus de recherche des artistes, les notes, les écrits, les incertitudes, les projets non-réalisés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel collégial.

Bibliographie :
- « Les Carnets de Léonard de Vinci », préface de Paul Valéry, Gallimard
- « Passages : Victor Burgin », catalogue d'exposition Musée d'Art Moderne de Villeneuve d'Ascq

Support de cours :
Ateliers collectifs et cours magistral.

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et développer l'activité de recherche d'informations et la constitution d'une base de données nécessaires à l'élaboration d'une méthode de travail et à la mise en place d'une problématique individuelle.

Contenu :
Le travail de documentation fait partie intégrante des enseignements théoriques et plastiques. Ses orientations et contenus sont directement liés à l'enseignement en question et aux décisions quant à la constitution même du travail de l'étudiant.
Ainsi, si la collection d'informations s'avère un moment indispensable à toute démarche de création (l'archive comme matière), en design tout autant qu'en art, il est tout aussi important de se poser la question des modalités de production d'informations et d'archives de cette démarche même (la matière comme archive), quand celle-ci ne va pas jusqu'à se superposer à elle pour construire un travail d'auteur qui se veuille 'documentariste'.
À noter que le travail de documentation est pour partie constitué d'éléments exogènes aux champs de la création et, qu'il peut, de par la nature de leur traitement, permettre d'interroger les limites de ces derniers.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Au semestre 2, cet enseignement est pleinement intégré aux différents cours et ateliers.

Objectifs pédagogiques :
Introduction aux options art et design de l'école ; approche des différentes démarches, thématiques et contenus et méthodes de travail à travers documentation, références et expérimentation.

Contenu :
Au cours d'une série de workshops proposés par les options art et design, l'accent est mis sur les différences d'approche méthodologique et les enjeux significatifs de chaque option. Un travail de documentation et un travail final se construit en résonance avec les contraintes et thématiques plastiques proposées.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu pendant la durée du workshop et synthèse lors du bilan semestriel dans le cadre de l'examen de fin d'année.

Bibliographie :
Les références bibliographiques changent en fonction des intervenants, elles sont communiquées avant chaque workshop.

Objectifs pédagogiques :
- Questionner les relations, les liens entre le réel et l’espace construit des images.
- Transformer ou s’approcher du réel par l’observation et la considération de ce qui nous entoure en « question » afin de construire un projet sensible.
- Le projet sera lié à l’esprit d’analyse, de synthèse et de développement.

Contenu :
1-L’atelier est un lieu de questionnement, de recherche individuelle et collective, un lieu où les formes, les pratiques et les enjeux de l’art sont interrogés.
La photographie, le dessin, le volume … seront les médiums non exclusifs de cette approche, mais tous interrogeront nôtre relation aux images.

2- À partir de travaux dirigés, le cours sera centré depuis la production d'images bi ou tridimensionnelles nous travaillerons à saisir les écarts entre les intentions et les faits.
Il s’agira ici de travailler à partir d’exemples concrets sur le visible du travail, sa résolution formelle et sa restitution. Nous insisterons sur ce qui le rend visible, par rapport au projet initial, ce qui permet, avec justesse de le partager, donc de le rendre lisible. Quelles décisions suis-je amené(e) à prendre au cours du processus ? Pourquoi ? Quels sont les outils que j’utilise ? Pourquoi ? Quelles décisions sont prises au cours de la présentation ? Pourquoi ? Il s’agira concrètement d’expérimenter et d’éprouver les différents arrangements formels susceptibles de rendre convenablement visible le travail.

3-L’objectif est d’acquérir les notions fondamentales qui vont permettre à l’étudiant de définir par lui-même des moyens de production autour d’une problématisation des images. Il s’agira d’apprendre aussi à présenter son travail sous la forme de rencontre individualisée et de présentation au sein d’un groupe.

4- Les différentes étapes permettront d’analyser et de différencier les statuts de l’image.

5- Archivage des travaux. Nous examinerons les projets des étudiants du semestre 1 à semestre 2 afin de dégager avec eux les éléments qui devront faire l’objet d’un archivage et la construction d’une édition. L’ensemble comprendra des images et du texte, il exprimera les temps forts d’un parcours, prémisses d’une position engagée.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel, contrôle continu

- Investissement de l’étudiant
- Qualités plastiques
- Qualités sémantiques
- Maîtrise technique
- Qualités de la présentation

Bibliographie :
- François Soulages et Marc Tamisier, « Photographie contemporaine et art contemporain; l'image et les images », Klincksieck
- « 72 (projets pour ne plus y penser) », les Presses du Réel
- Lionel Bovier et Mai-Thu Perret, « Hétérotopies/hétérotopias », JRP Éditions, Genève, 2000
- Régis Durand, « Habiter l’image », Marval, 1994
- Gilles Deleuze et Claire Parnet, « Dialogue », Flammarion, coll. Champs Essais, 1996
- « Mutations arc en rêve centre d’architecture », Actar, 2000
- Roland Barthes, « La chambre claire », Seuil, 1980
- Michel Foucault, « Les mots et les choses », NRF Gallimard, 1966
- Georges Didi-Huberman, « Fra Angelico », Flammarion, coll. Champs, 1995
- « Fresh Théorie, Tome 1, 2,3 », Léo Scheer, 2005/2008
- « Art conceptuel, une entologie », MIX, 2008
-« Design et crime » Hal Foster, Les prairies ordinaires ,2008
-« Conversations » Rémi Coignet, This eyes publishing, 2014
-« L'expérience des images », Marc Augé, Georges Didi-Huberman, Umberto Eco, INA Editions, 2011
-«Architecture radicale» Iac, Seuil, 2001
-«Magasin 1986/2006 », Les presses du réel, 2005

Contenu :
Cet atelier se propose de poursuivre avec énergie et mobilité le travail d'initiation engagé en début de première année dans les différents pôles techniques de l'école. Il s'agira de développer une pratique expérimentale de l'image – qu'elle soit photographique, imprimée ou dessinée – associée à des connaissances théoriques, et d'ouvrir ainsi un champ riche de travail pour chaque étudiant dans le domaine transdisciplinaire des arts graphiques. Nous prendrons en compte les « arts à la machine » (et notamment la caméra) comme des instruments de perception et de jeu, pour, je l'espère, en faire peu à peu des outils capables de produire des situations d'expériences. Ce projet ne se fera pas sans une grande attention à vos processus artistiques, à vos intérêts artistiques individuels et collectifs, à vos gestes et aux formes qui en découleront. Ils constitueront, en atelier, le socle de discussions communes.

Le travail de documentation fait déjà aujourd'hui partie de la transmission de votre pratique ; il participe aussi de toute recherche théorique sérieuse que l'on soit historien, scientifique ou artiste. Qu'est-ce qu'un document ? Comment une image, une reproduction d'oeuvre documente-elle un propos ? Nous nous intéresserons aussi aux enjeux du travail d’articulation d’une iconographie et à ses possibles mise-en-forme, en examinant notamment des tentatives diverses (livre d'artistes, éditions, films-essais, etc).
La photographie numérique et argentique, le montage vidéo, le montage photographique et le collage ou encore les techniques de la gravure et de l’impression seront des pratiques abordées en relation avec les trois pôles techniques de l’école : édition, images-mouvement, photographie. Des exercices collectifs et individuel pourront être proposés. L'atelier proposera ainsi une introduction à des problématiques propre au design graphique (le montage d'image) et au design textile (l'impression).

Mode d'évaluation :
Participation active à l'atelier et aux cours proposés, contrôle continu au regard de la qualité des travaux rendus et de l'évolution de la pratique et bilan semestriel

Bibliographie :
- Henri Focillon, Maîtres de l'estampes, Paris, Flammarion (coll.Images et Idées), 1969.
- Jean-François Chevrier, Entre les beaux-arts et les médias : photographie et art moderne, Paris, Éd. L'arachnéen, 2010, Les relations du corps, Éd. L'arachnéen, 2010, et Œuvre et activité, Éd. L'arachnéen, 2015
- Pierre Reverdy, Note éternelle du présent, écrits sur l'art (1923-1960), Paris, Flammarion, 1973
- Olivier Boulnois, Au delà de l'image, Une archéologie visuel au Moyen-Âge, Ve-XVIe siècle, Paris, Éd. du Seuil, 2018
- Charles Baudelaire, « Le public moderne et la photographie » et « le peintre de la vie moderne » dans le « Salon de 1859 », Critique d'art, Paris, Gallimard (coll.Folio essais n°183), 1992
- Jeff Wall, Essais et entretiens, 1984-2001, Paris, Ensba Éd., 2001
- « Le parti pris du document, littérature, photographie, cinéma et architecture au XXe siècle », revue Communication n°71, Éd. du Seuil, 2001
- Steen Eiler Rasmussen, Découvrir l'architecture, Paris, Le linteau, 2002
- Fanny Béguery et Adrien Malcor, Enfantillages outillés, un atelier sur la machine,Paris, Éd. L'arachnéen, 2016

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s’agit d’encourager le maximum d’expérimentation et de mobilité possible ; le studio doit permettre au travail de chacun d’évoluer, voire de se transformer. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d’établir un projet, mais simplement de prendre le plus possible conscience — lors des discussions et dans votre pratique entre les séances — des conséquences et des possibilités de vos choix formelles et de pousser le travail plus loin.

Contenu :
Un travail artistique résulte d’une accumulation de décisions prises de façon consciente ou inconsciente, par intuition ou par habitude, suivant, ou pas, des conventions ou des plans. Chacune de ces décisions modifie la qualité de la totalité de la construction.
Cette densité caractéristique des œuvres est particulièrement sensible en peinture, ou les couches se superposent et se cachent. Ce cours sera structuré pour nous permettre de prendre le temps de regarder attentivement ensemble tous les gestes qui constituent votre travail et ainsi de construire un espace de parole intermédiaire entre « l’espace mental » de chacun et « l’espace public » de présentation, en adoptant une position qui reste proche de celui ou celle qui fabrique et non pas de la critique qui interprète à partir de ce qu’il voit. La parole est active, elle fait partie du processus de travail et influe sur la production ; le travail sera toujours considéré comme un point dans une évolution et non comme une finalité.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
En parallèle au travail pratique, nous lirons ensemble dans ce cours, des extraits d’écrits et entretiens d’artistes. Ces documents vous seront distribués.

Objectifs pédagogiques :
Mettre en relation, l'appréhension d'un lieu et le développement d'une pensée artistique.
Organiser un espace de production. Apprendre à rendre publique des formes et une pensée singulière et personnelle.

Contenu :
Lors du premier semestre les étudiants seront invités à penser l'atelier, définir des systèmes de travail en communauté, élaborer des espaces de production éphémères et modulables.
Parallèlement à cela, chaque semaine plusieurs étudiants présenteront le travail d'un/d'artistes, cinéastes, musiciens, designers etc.… qu'ils mettront en relation direct avec leurs propres préoccupations. Un travail découlera de ces exposés collectifs visant à mettre en forme ces questionnements inspirés et personnels.
Il ne s'agit pas de travailler à la manière de… mais plutôt de créer des liens, de poursuivre un questionnement existant mais toujours en mouvement.
Lors du second semestre, il sera organisé un cycle d'exposition chaque lundi. Deux étudiants présenteront un corpus de travail au sein de l'école. Ces brèves expositions individuelles seront l'occasion de réunir les étudiants de première année autour de préoccupations d'expositions.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
Pas de corpus pré-établi en amont du cours. L'étudiant par son travail de recherche établit un corpus qui référence son travail. Chaque projet présenté doit être lié à des références (textes, images, films, expositions). Un champ référentiel se dessine au fur et à mesure des présentations, il est suggéré par tous les participants à la discussion, professeurs et étudiants.

Objectifs pédagogiques :
Les étudiants seront amenés à observer précisément leurs stratégies de travail, d'affiner leur critères de comparaison et donc de choix, de préciser leur gestes, d'inventer des stratégies et des règles de jeu.

Contenu :
Dans les poches, sur la table, dans le sac

Tout un chacun porte sur soi un certain nombre d'objets - sauf en dormant. Ces objets sont souvent hétéroclites, répondent à des besoins différents, par fois contradictoires, mais ils sont liés par le fait de servir une même personne. Ainsi un premier critère de leur cohabitation est établie.
Un geste plastique très simple consiste à agencer ces objets sur une surface donné et de varier cet agencement. Ainsi, les objets peuvent générer un nombre illimité de formes. Le cours consistera à tenter d'épuiser (évidemment impossible) les possibilités d'agencement inhérentes à un groupe d'objets défini ( chaque agencement sera documenté). A la fin de chaque séance un ou deux étudiants monteront la documentation du travail du jour et tenteront d'argumenter leur choix ou leur manière d'avancer.  

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mieux comprendre et analyser les textes (de portée critique, artistique, littéraire, historique, articles de presse).
Affiner la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Développer l'expression orale informelle dans des contextes divers.
Utiliser des supports d'internet tels que 'Voicethread' pour faire des présentations des travaux.

Contenu :
Analyse de textes avec présentation et discussion.
Analyse de films, enregistrement sonores et d'autres supports en rapport avec le monde de l'art.
Visites d'expositions avec l'objectif d'analyser et de parler des œuvres présentées.
Présentation de travaux (écrit, oral, outils d'internet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Bilan semestriel

Bibliographie :
- « Global English (Intermediate et Upper Intermediate) », Macmillan
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- M. Swan, « Intermediate Language Practice », Macmillan
- J. Gaiger, « Art of the Twentieth Century », Yale University Press

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Ce cours porte sur une deux décennies, les années 1970 et 1980. Cela pour étudier précisément les questions qu’elles voient naitre et pour considérer comment les œuvres trouvent une place dans les débat théoriques et enjeux sociaux qui leurs sont contemporains.
Cette période est celle qui voit l’apparition d’un certain nombre de débats critiques qui relèvent de la place et du rôle de l’artiste dans la société. Ils sont générés pour un contexte qui connaît tour à tout la fin des utopies portées par les mouvement de 1968, l’apparition d’une forme d’hédonisme porté par le mouvement du Punk, le cynisme prôné dans les années 1980 par l’expansion du marché et la déréglementation économique, le retour des revendications minoritaires et du mouvement de reconnaissance des malades du SIDA. L’art dans ses formes et ses enjeux accompagne ces débats qui à chaque fois posent la question du rôle de l’artiste et de la portée de son œuvre.
Ces questions trouvent aujourd’hui encore une actualité et façonnent certaines de nos façons d’envisager l’art et son positionnement face, contre ou avec le monde qui l’entour. C’est en sommes vers cette actualité qu’est tendu ce cours. Organisé de façons thématiques autour de certains enjeux relatifs au positionnement de l’artiste, il propose de les mettre en perspective dans les résonances qu’ils ont aujourd’hui.

Contenu :
Aux États-Unis, la période qui s’ouvre au milieu des années 1970 commence lorsque s’essoufflent les élans utopiques qui ont culminés avec l’année 1968. Le retour à une réalité terre à terre est marqué d’un coté par une forme de désenchantement face à une société qui se révèle violente et injuste socialement, de l’autre par le cynisme d’une acceptation des règles nouvelles imposées par une économie globale et post-industrielle. Marqueurs de ses deux postures, les dernières années 1970 voient l’arrivée concomitante des punks avec leur mot d’ordre « no futur » et des yuppies prêts à faire des affaires dans ce nouveau capitalisme.
Le monde de l’art est également secoué par ces questions de positionnement dans le champ social comme dans celui de l’économie. Le développement de pratiques qui ne se cantonnent plus à la seule production en atelier mais font appel à des outils industriels, au cinéma, à la télévision ou a toutes autres technologies impliquant matériel de pointe et équipe de spécialistes impose une redéfinition du rôle de l’artiste devenu entrepreneur. Cette hybridation des pratiques se fait aussi dans un frottement avec la culture de masse. Parce que ses outils sont exploités, mais aussi parce que les frontières entre territoires deviennent plus floues. Ainsi l’apparition d’une société post-industrielle dans laquelle le divertissement prend une place de plus en plus importante impose aux artistes une redéfinition de leurs postures.
Comment continuer à tenir une position radicale dans une société où la culture n’est plus un territoire clairement défini et où tout semble soluble dans le divertissement ? Cette question traverse les années 1970 et 1980 et voit éclore un certains nombres de tentatives de réponses diverses. De la mise en doute de la possibilité de tenir une postion critique à l’exploitation des outils du divertissement pour porter un discours de lutte, ce sont autour de ces tentatives de définir le rôle de l’artiste que se construit ce cours.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Espèce d’espace », Grenoble, Le Magasin, 2008
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Images et (re)présentations », Grenoble, Le Magasin, 2009
Bernard Blistène, Catherine David et Alfred Pacquement (dir.), « L'époque, la mode, la morale, la passion », Paris, Centre Georges Pompidou – Musée national d'art moderne, 1987
Douglas Crimp, « PICTURES : S'approprier la photographie, New York, 1979-2014 », Cherbourg, le point du Jour, 2016
Hal Foster, « Le retour du réel »,Bruxelles, La lettre volée, 2005

Support de cours :
Cours magistral

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur la question des lectures que les artistes contemporains ont pu faire de philosophes - qu'ils leurs soient contemporains ou pas. Il s'agira de se pencher sur les usages que les artistes contemporains ont pu faire de la philosophie. Les artistes lisent la philosophie, mais leurs lectures ne sont pas à proprement parler philosophiques (un artiste n'est pas un philosophe) : elles sont artistiques. On s'attardera donc sur quelques types de lectures qui ont pu être opérées et quels types d'oeuvres elles ont pu influencer voire déterminer.
L'objectif du cours est double : d'abord historique et informatif, il s'agit de compléter le champ de connaissances de l'étudiant sur les spécificités de l'art contemporain et de son histoire. Il est ensuite pédagogique : il s'agit de décomplexer l'approche que l'étudiant peut avoir de textes philosophiques. Si les artistes conceptuels ont cru que la théorie était une forme pure, ce cours tâchera de montrer que ce n'est qu' un matériau. Et qu'il appartient aux étudiants de s'en emparer.

Contenu :
Dans la lignée du cours de l'année précédente consacré aux débuts de l'art conceptuel, ce cours visera à examiner des démarches d'artistes contemporains en mettant l'accent sur les dimensions conceptuelles, philosophiques et réflexives de leurs pratiques. Loin que l'apport de l'art conceptuel aux générations d'artistes plus jeunes consiste ne constitue un héritage, leurs démarches ont inspiré nombre de pratiques qui, s'ils en reprennent les thèmes, en modifient l'usage : pratique de l'écriture, comme activité non plus seulement réflexive ou programmatique mais autonome, jeux de références, d'emprunt et de renvois à des vastes domaines de savoir, rapport décomplexé à la théorie, qui, loin d'être l'occasion de la défense d'un idéal d'auto-définition de l'art, devient une matière malléable.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel. Assiduité aux cours et devoir sur table.

Bibliographie :
- Art conceptuel une entologie, Sous la direction de Gauthier Hermann, Fabrice Reymond et Fabien Vallos, Paris, MIX, 2008
- Art conceptuel Formes conceptuelles, Galerie 1900-2000, Galerie de Poche, Paris, 1990.
- L’Art conceptuel, une perspective, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 2e édition, 1991.
- Art conceptuel I, CAPC, Bordeaux, 1988.
- Peter Osborne, Art conceptuel, éd. Phaidon, Paris, 2006.
- Benjamin Buchloh, De l’esthétique d’administration à la critique institutionnelle (aspects de l’Art conceptuel, 1962-1969), Essais historiques II, Art édition, Lyon, 1992.

Support de cours :
Cours magistral en amphi.

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Sources et ressources (2ème année)
Cet atelier a pour but d'accompagner l'étudiant.e à la constitution d'un socle théorique personnel de références librement choisies et librement articulées les unes aux autres. Il s'agira pour l'étudiant.e d'identifier et de mettre en formes des 'sources' personnelles : autant de textes et extraits d'ouvrages qu'il aura choisi et qui permettent d'informer sa recherche plastique personnelle, sans pour autant qu'elles aient de valeur explicative sur cette dernière. L'idée de cet atelier, c'est que ces sources sont rétrospectives : elles ne sont pas nécessairement premières (inspiratrices, etc.), mais elles peuvent être constituées a posteriori, pour aider à ressaisir ou accompagner une démarche intuitive. Il s'agira alors dans un premier temps de brosser la diversité des formes textuelles contemporaines, ainsi que divers champs de connaissance non strictement artistiques. Il s'agira ensuite, dans un second temps, pour chaque étudiant de constituer cette bibliothèque personnelle, sous forme d'une anthologie ou d'un reader.

Mode d'évaluation :
bilan semestriel + notation des présences

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un espace d’enseignement pratique et réflexif, pour travailler principalement les problématiques des objets sculpturaux.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire un objet ou une série d’objets qui relèvent du territoire de la sculpture ou plus largement du territoire de l’art ?
Quelles sont les possibilités, quelles sont les contraintes en relation avec les enjeux d’aujourd’hui et ceci dans le contexte du pôle volume, de l’école d’art de Lyon, sa ville et sa région, son pays, son continent et le contexte international...
La fabrication des objets, des sculptures, pose des questions pragmatiques, mais également philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes présenté par le professeur. Un compte Instagram dédié au studio est alimenté par le professeur et les étudiants du studio.
L’expérimentation est individuelle en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un exercice avec un des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie individuellement et les techniciens du pôle volume et validé et évalué par le professeur.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio .

Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
Qu'est ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
Qu'est ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux Arts Editions Caroline Cros 2008
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un compte Instagram : 1234 objets

Objectifs pédagogiques :
Cours sur les documents numériques, de la conception à la conservation.

Apprentissage des enjeux liés à l'écologie et à l'éthique des oeuvres numériques (logiciels Open Source, droits d'auteurs...).
Initiation et perfectionnement aux logiciels d'édition multimédia à travers différents exercices.

Contenu :
Découverte, analyse et pratique des oeuvres numériques, plus particulièrement celles réalisées pour le réseau Internet.
Ce cours se propose de dresser un panorama des pratiques numériques dans le domaine de la documentation d'artiste et la PAO, mais aussi la DAO et CAO .
Le cours se propose de donner les bases nécessaires aux étudiants pour envisager une pratique critique liée aux outils d'édition contemporains.
Quels supports pour quels usages ?
Chaque exercice permettra d’explorer les logiciels ou les langages convoqués par des contraintes particulières.
L'utilisation de logiciels et de formats libres sera encouragée. Les étudiants seront sollicités pour effectuer une veille informatique et artistique sur le réseau Internet : évolution des approches graphiques et éditoriales, évolution des logiciels et langages informatiques, évolution des pratiques liées aux différents supports numériques, édition numérique (livres d'artistes numériques...), etc...

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et rendu personnel.

Bibliographie :
Sitographie :
Ressources cours : http://www.twitter.com/enbanf
« Erreur d’impression. Publier à l’ère du numérique » : http://espacevirtuel.jeudepaume.org/erreur-dimpression-1674/
Open Source Publishing : http://osp.kitchen


- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit de permettre à l’étudiant de mettre en place un système de production et d’analyse à partir des notions de relation, de comparaison et de signification.
Il s’agit de prendre en compte les objets ou les dispositifs dans les rapports qu’ils peuvent entretenir avec la complexité des espaces et des environnements (espaces architecturés, espaces sociaux, espaces politiques...).
Voir et construire, plastiquement et conceptuellement. L’étudiant devra consolider sa méthodologie dans son approche des concepts artistiques et dans sa production afin d’acquérir les moyens de faire valoir sa singularité et sa créativité. L’étudiant devra véritablement développer et montrer un goût pour la recherche, la découverte, construire des croisements et être capable de les faire transparaître dans les différentes phases de sa production.

Contenu :
Que peut-on produire avec des limites, à la limite et au-delà des limites ?
Qui dit limites, dit frontières, dit territoires...
S’il y a frontières, limites ou bornes, cela définit un territoire, un cadre ; qui définit et comment sont définies les bornes (les frontières) ? Pourquoi, par et pour qui ? Quel est ou quels sont ces territoires ?
Une fois les limites franchies, ce sont un ou des nouveau(x) territoire(s) qui s’ouvre(nt) devant nous. Comment définir notre parcours à travers ceux-ci ? Comment rendre compte de notre expérience, de ce déplacement, comment faire part de ces explorations, de ces moments, comment donner à voir ce qui ne peut être vu ?
Ce sont les questions de l’invention, de l’art contemporain, de l’avant-garde, de la recherche et du dépassement…
Il n’y a pas de médium, ou il y en aura plusieurs, il y a un territoire qu’il faudra contourner, outrepasser…

Le cartographe ne représente pas, mais associe pensée et imagination pour à la fois déduire et produire l’image possible d’un territoire. Elle élabore tout en même temps la description et la construction d’un objet de connaissance dans un effet de représentation.
Question de mise à distance.
Cette représentation du territoire sera activée par des allers et retours sur le terrain du Grand Lyon. Les cours et les séances à l’école dans les ateliers porteront sur des questions réflexives (vous travaillerez les questions de la représentation du territoire) et alterneront avec des promenades, des parcours et des sorties. 
Les sorties de l’école dépasseront les bornes de l’atelier, vous utiliserez le territoire de la ville et vous travaillerez les interstices, les terrains vagues, les frontières pour, espérons-le, dépasser les limites. Ceci dans le but de montrer combien l’engagement individuel contribue à façonner la ville. Agir, à la limite et sur les limites, pour mieux détourner, les espaces, l’organisation et les signes, et peut-être, provoquer/convoquer l’engagement d’autres résidents en utilisant la notion de communauté et de partage…

« … Faire une carte, c’est peindre, graver, coudre, coller, installer, utiliser un ordinateur ou un simple crayon (variété des médiums et des mises en œuvre). Une carte c’est une feuille imprimée, une toile, un tissu, une image projetée, griffonnée sur un bout de papier, ou encore un tracé éphémère à même le sol (variété des supports et des formats). Cartographier, c’est représenter la terre, le ciel, un territoire, un itinéraire, un flux, l’intérieure du corps, l’île d’Utopie, la rêverie d’un artiste (variété des objets et des référents). Une carte c’est aussi l’image d’un projet comme signe d’une action passée, c’est un document qui témoigne du travail d’un artiste ou une œuvre à part entière, c’est encore le moyen de revendications politiques ou un simple jeu graphique (variété des usages, des statuts et des finalités)… »
Julien Béziat, « La carte à l’œuvre, Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, p.14.

« …En parcourant les villes à pied, ces artistes* font de l’acte de marcher une communication collective et rappellent que cette activité élémentaire est au cœur même de l’urbanité. Ils contribuent ainsi à renforcer l’attrait des styles urbains et de la marche en particulier. La marche comme « pratique esthétique » pour reprendre le titre du livre de F. Careri, écrit en 2002, devient alors une autre façon d’appréhender la mobilité douce. La démarche artistique pourrait ainsi produire des messages forts, interpellant directement l’imaginaire du citadin, l’entrainant à infléchir peu à peu ses représentations de la marche au sein de cette matrice communicationnelle permanente qu’est la ville…»

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Julien Béziat, « La carte à l’œuvre. Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, 2014
- « Cartes et figures de la Terre », Centre Georges Pompidou,1980
- Jean-Marc Besse, « Cartographier, Construire, Inventer », in Les carnets du paysage n° 7, 2001
- Christine Buci-Glucksmann, « L’œil cartographique de l’art », Galilée, 1996
- Giovanna Borasi, Mirko Zardini, « Comment s’approprier la ville », Centre Canadien d’Architecture, Sun, Montréal, 2008
- Bruce Bégout, « Suburbia. Autour des Villes », Inculte, Paris, 2013
- « Hacking the City. Interventions in urban and communicative spaces », Sabine Maria Schmidt, Museum Folkwang, Essen, 2011
- Collectif avec Negri Toni, « La ville-monde aujourd’hui : entre virtualité et ancrage », L’Harmattan, Paris, 1996
- Davilla Thierry, « Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l’art de la fin du xxe siècle », Éditions du Regard, Paris, 2002
- Mark Davis, « Soyez réalistes, demandez l’impossible », Les Prairies Ordinaires,‎ Paris, 2012

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s'agit d'encourager le maximum d'experimentation et de mobilité possible ; le studio doit permettre au travail de chacun d'évoluer, voire de se transformer. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d'établir un projet, mais simplement de prendre le plus possible conscience - lors des discussions et dans votre pratique entre les séances - des conséquences et des possibilités de vos choix plastiques.

Contenu :
Nous nous réunissons en groupe pour discuter de problèmes et d'enjeux communs mais aussi spécifiques au travail de chacun.
Un travail artistique est un objet complexe qui peut être pensé comme une accumulation de décisions prises, bonnes ou mauvaises, de façon consciente ou inconsciente, par intuition ou par habitude, suivant ou pas des conventions ou des plans. Chacune de ces décisions modifie la qualité de la totalité de la construction.
Cette caractéristique des œuvres est particulièrement sensible en peinture, ou les couches se superposent et se cachent. Dans le studio “Pratiques Picturales” il s'agit de regarder attentivement ensemble tous les gestes qui constituent un travail et ainsi de construire un espace de parole intermédiaire entre “l'espace mental” de chacun et “l'espace public” de présentation, en adoptant une position qui reste proche de celui ou celle qui fabrique et non pas de la critique qui interprète à partir de ce qu'il voit. Dans le studio, la parole est active et influe sur la production des participants ; le travail présenté est toujours considéré comme un point dans une évolution.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Des référence bibliographiques seront donnée lors des cours théoriques qui accompagnent ce studio.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Il s'agit de mener une réflexion concernant les différentes qualités de temps qui conditionnent une réalisation plastique: Le temps de l'élaboration / réalisation, le temps de la visibilité, le temps du regard, le temps de l’utilisation, le temps de l'existence, le temps de destruction et l'éventuel rapport entre elles

Contenu :
1. La notion du temps a profondément changé dans le champ des arts plastiques au XXe et XXIe siècle. Induit de façon différente par des personnes tels Kurt Schwitters, Oskar Schlemmer, Fernand Léger, Vikking Eggeling ainsi que la 'nébuleuse' Dada, ce développement s'est accéléré à partir des années 50 par la découverte de la flexibilité de l'espace de la galerie par des danseurs et musiciens et par conséquence l'avènement du happening et de la performance, l'introduction de la vidéo – notamment la vidéo narrative -, l'interactivité et la notion de l'œuvre 'praticable ou à 'activer'.
Parallèlement, depuis l'introduction des outils numériques dans la production plastique, la différence entre la notion du 'processus de production' et du 'résultat' s'estompe progressivement, et avec lui la différence entre 'durée' et 'moment'.
Avec ces changements, le 'contrat' de base entre une oeuvre d'art plastique et celui qui le regarde a changé aussi. Da la position du seul détenteur de l'autorité sur le temps du regard, le rôle du spectateur a glissé vers celui qui partage, négocie ou parfois abandon entièrement cette autorité à l'œuvre regardée.

2. Dans le champ du design, qui lui-même est un concept né au XXeme siècle et qui pose, par sa nature même, des questions envers la notion du temps qui étaient impensables avant le bond industriel et scientifique des années 1890/1910, un bouleversement a eu néanmoins lieu à la fin du XXe siècle. Avec l’augmentation de la vitesse de calcul et des possibilités de visualisation par l’outil numérique et l’introduction de notions telles l’obsolescence ou l’obsolescence programmée, des termes tels que « résultat » et « solution » ou même « forme » sont devenus instables. Une même importants doit être attribué à la prise en compte progressive de la pensée écologique. Les questions qu’elle soulève quant à la validité d’un objet ou d’un espace dans le rapport à la durée de sa conception, sa production/construction, son existence et sa disparition ont fondamentalement changé les rôles et responsabilités des concepteurs/producteurs et des utilisateurs/consommateurs et le « contrat » qui les lie.
Ainsi chaque participant du studio réalisera une « pièce » qui sera structurée principalement autour d'une de ces qualités du temps (ou d'autres qui restent à définir). Le choix est laissé aux participants, mais doit être argumenté. Le temps attribué à la réalisation de cette « pièce » est celle d’une année

Mode d'évaluation :
contrôle continu/évaluation de l'état des travaux à la fin de chaque semestre

Bibliographie :
conseillé: Norbert Elias, Du Temps
Fayard

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mieux comprendre et analyser les textes (de portée critique, artistique, littéraire, historique, articles de presse).
Affiner la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Développer l'expression orale informelle dans des contextes divers.
Utiliser des supports d'internet tels que 'Voicethread' pour faire des présentations des travaux.

Contenu :
Analyse de textes avec présentation et discussion.
Analyse de films, enregistrement sonores et d'autres supports en rapport avec le monde de l'art.
Visites d'expositions avec l'objectif d'analyser et de parler des œuvres présentées.
Présentation de travaux (écrit, oral, outils d'internet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Bilan semestriel

Bibliographie :
- « Global English (Intermediate et Upper Intermediate) », Macmillan
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- M. Swan, « Intermediate Language Practice », Macmillan
- J. Gaiger, « Art of the Twentieth Century », Yale University Press

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Ce cours porte sur une deux décennies, les années 1970 et 1980. Cela pour étudier précisément les questions qu’elles voient naitre et pour considérer comment les œuvres trouvent une place dans les débat théoriques et enjeux sociaux qui leurs sont contemporains.
Cette période est celle qui voit l’apparition d’un certain nombre de débats critiques qui relèvent de la place et du rôle de l’artiste dans la société. Ils sont générés pour un contexte qui connaît tour à tout la fin des utopies portées par les mouvement de 1968, l’apparition d’une forme d’hédonisme porté par le mouvement du Punk, le cynisme prôné dans les années 1980 par l’expansion du marché et la déréglementation économique, le retour des revendications minoritaires et du mouvement de reconnaissance des malades du SIDA. L’art dans ses formes et ses enjeux accompagne ces débats qui à chaque fois posent la question du rôle de l’artiste et de la portée de son œuvre.
Ces questions trouvent aujourd’hui encore une actualité et façonnent certaines de nos façons d’envisager l’art et son positionnement face, contre ou avec le monde qui l’entour. C’est en sommes vers cette actualité qu’est tendu ce cours. Organisé de façons thématiques autour de certains enjeux relatifs au positionnement de l’artiste, il propose de les mettre en perspective dans les résonances qu’ils ont aujourd’hui.

Contenu :
Aux États-Unis, la période qui s’ouvre au milieu des années 1970 commence lorsque s’essoufflent les élans utopiques qui ont culminés avec l’année 1968. Le retour à une réalité terre à terre est marqué d’un coté par une forme de désenchantement face à une société qui se révèle violente et injuste socialement, de l’autre par le cynisme d’une acceptation des règles nouvelles imposées par une économie globale et post-industrielle. Marqueurs de ses deux postures, les dernières années 1970 voient l’arrivée concomitante des punks avec leur mot d’ordre « no futur » et des yuppies prêts à faire des affaires dans ce nouveau capitalisme.
Le monde de l’art est également secoué par ces questions de positionnement dans le champ social comme dans celui de l’économie. Le développement de pratiques qui ne se cantonnent plus à la seule production en atelier mais font appel à des outils industriels, au cinéma, à la télévision ou a toutes autres technologies impliquant matériel de pointe et équipe de spécialistes impose une redéfinition du rôle de l’artiste devenu entrepreneur. Cette hybridation des pratiques se fait aussi dans un frottement avec la culture de masse. Parce que ses outils sont exploités, mais aussi parce que les frontières entre territoires deviennent plus floues. Ainsi l’apparition d’une société post-industrielle dans laquelle le divertissement prend une place de plus en plus importante impose aux artistes une redéfinition de leurs postures.
Comment continuer à tenir une position radicale dans une société où la culture n’est plus un territoire clairement défini et où tout semble soluble dans le divertissement ? Cette question traverse les années 1970 et 1980 et voit éclore un certains nombres de tentatives de réponses diverses. De la mise en doute de la possibilité de tenir une postion critique à l’exploitation des outils du divertissement pour porter un discours de lutte, ce sont autour de ces tentatives de définir le rôle de l’artiste que se construit ce cours.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Espèce d’espace », Grenoble, Le Magasin, 2008
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Images et (re)présentations », Grenoble, Le Magasin, 2009
Bernard Blistène, Catherine David et Alfred Pacquement (dir.), « L'époque, la mode, la morale, la passion », Paris, Centre Georges Pompidou – Musée national d'art moderne, 1987
Douglas Crimp, « PICTURES : S'approprier la photographie, New York, 1979-2014 », Cherbourg, le point du Jour, 2016
Hal Foster, « Le retour du réel »,Bruxelles, La lettre volée, 2005

Support de cours :
Cours magistral

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur la question des lectures que les artistes contemporains ont pu faire de philosophes - qu'ils leurs soient contemporains ou pas. Il s'agira de se pencher sur les usages que les artistes contemporains ont pu faire de la philosophie. Les artistes lisent la philosophie, mais leurs lectures ne sont pas à proprement parler philosophiques (un artiste n'est pas un philosophe) : elles sont artistiques. On s'attardera donc sur quelques types de lectures qui ont pu être opérées et quels types d'oeuvres elles ont pu influencer voire déterminer.
L'objectif du cours est double : d'abord historique et informatif, il s'agit de compléter le champ de connaissances de l'étudiant sur les spécificités de l'art contemporain et de son histoire. Il est ensuite pédagogique : il s'agit de décomplexer l'approche que l'étudiant peut avoir de textes philosophiques. Si les artistes conceptuels ont cru que la théorie était une forme pure, ce cours tâchera de montrer que ce n'est qu' un matériau. Et qu'il appartient aux étudiants de s'en emparer.

Contenu :
Dans la lignée du cours de l'année précédente consacré aux débuts de l'art conceptuel, ce cours visera à examiner des démarches d'artistes contemporains en mettant l'accent sur les dimensions conceptuelles, philosophiques et réflexives de leurs pratiques. Loin que l'apport de l'art conceptuel aux générations d'artistes plus jeunes consiste ne constitue un héritage, leurs démarches ont inspiré nombre de pratiques qui, s'ils en reprennent les thèmes, en modifient l'usage : pratique de l'écriture, comme activité non plus seulement réflexive ou programmatique mais autonome, jeux de références, d'emprunt et de renvois à des vastes domaines de savoir, rapport décomplexé à la théorie, qui, loin d'être l'occasion de la défense d'un idéal d'auto-définition de l'art, devient une matière malléable.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel. Assiduité aux cours et devoir sur table.

Bibliographie :
- Art conceptuel une entologie, Sous la direction de Gauthier Hermann, Fabrice Reymond et Fabien Vallos, Paris, MIX, 2008
- Art conceptuel Formes conceptuelles, Galerie 1900-2000, Galerie de Poche, Paris, 1990.
- L’Art conceptuel, une perspective, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 2e édition, 1991.
- Art conceptuel I, CAPC, Bordeaux, 1988.
- Peter Osborne, Art conceptuel, éd. Phaidon, Paris, 2006.
- Benjamin Buchloh, De l’esthétique d’administration à la critique institutionnelle (aspects de l’Art conceptuel, 1962-1969), Essais historiques II, Art édition, Lyon, 1992.

Support de cours :
Cours magistral en amphi.

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Sources et ressources (2ème année)
Cet atelier a pour but d'accompagner l'étudiant.e à la constitution d'un socle théorique personnel de références librement choisies et librement articulées les unes aux autres. Il s'agira pour l'étudiant.e d'identifier et de mettre en formes des 'sources' personnelles : autant de textes et extraits d'ouvrages qu'il aura choisi et qui permettent d'informer sa recherche plastique personnelle, sans pour autant qu'elles aient de valeur explicative sur cette dernière. L'idée de cet atelier, c'est que ces sources sont rétrospectives : elles ne sont pas nécessairement premières (inspiratrices, etc.), mais elles peuvent être constituées a posteriori, pour aider à ressaisir ou accompagner une démarche intuitive. Il s'agira alors dans un premier temps de brosser la diversité des formes textuelles contemporaines, ainsi que divers champs de connaissance non strictement artistiques. Il s'agira ensuite, dans un second temps, pour chaque étudiant de constituer cette bibliothèque personnelle, sous forme d'une anthologie ou d'un reader.

Mode d'évaluation :
bilan semestriel + notation de la présence

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage d'une méthode critique d'analyse d'oeuvres numériques.
Apprentissage des enjeux liés à la conservation des oeuvres numériques, sites Internet, photographie numérique... (indexation,conservation et valorisation des créations...).
Apprentissage des enjeux liés à l'écologie et à l'éthique des oeuvres numériques (logiciels Open Source, droits d'auteurs...).
Initiation et perfectionnement aux logiciels d'édition multimédia à travers différents exercices.
Edition numérique (livres d'artistes numériques...).
Initiation au fonctionnement du Commons'Lab (3D, impression 3D...)
Acquisition d'une culture net art.

Contenu :
Le studio propose de dresser un panorama des pratiques artistiques liées au réseau Internet de ces 20 dernières années.
Découverte, analyse et pratique des oeuvres numériques, plus particulièrement celles réalisées pour le réseau Internet.

Tous connecté ? Web 2.0, Web sémantique, Internet mobile, livre numérique, Arduino, réalité augmentée ou puces RFID...autant de champs d'expression et de réflexion à disposition des artistes.

Ce studio se propose d'offrir aux étudiants les bases nécessaires pour envisager une pratique numérique en cohérence avec leurs différents projets artistiques.

Chaque exercice permettra d’explorer les logiciels ou les langages convoqués par des contraintes particulières. Ces exercices individuels et de groupe devront répondre à des sujets liés à l’actualité culturelle, sociale... La réactivité, à l’image de ce qu’il se passe sur les réseaux, sera valorisée. L'utilisation de logiciels et de formats libres sera encouragée. Les étudiants seront sollicités pour effectuer une veille informatique et artistique sur le réseau Internet : évolution des approches graphiques et éditoriales, évolution des logiciels et langages informatiques, évolution des pratiques liées aux différents supports numériques.
Les étudiants seront aussi invités à pratiquer des outils pour apprendre à maitriser leur communication sur le réseau (PAO, liste de diffusion...).
Ce studio est impliqué dans la programmation du Commons Lab ainsi que le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et rendu personnel.

Bibliographie :
- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009

Webographie :
Ressources du cours consultables à cette adresse : http://www.twitter.com/enbanf
http://www.poptronics.fr http://www.ecrans.fr http://culturevisuelle.org/icones/

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un espace d’enseignement pratique et réflexif, pour travailler principalement les problématiques des objets sculpturaux.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire un objet ou une série d’objets qui relèvent du territoire de la sculpture ou plus largement du territoire de l’art ?
Quelles sont les possibilités, quelles sont les contraintes en relation avec les enjeux d’aujourd’hui et ceci dans le contexte du pôle volume, de l’école d’art de Lyon, sa ville et sa région, son pays, son continent et le contexte international...
La fabrication des objets, des sculptures, pose des questions pragmatiques, mais également philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes présenté par le professeur. Un compte Instagram dédié au studio est alimenté par le professeur et les étudiants du studio.
L’expérimentation est individuelle en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un exercice avec un des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie individuellement et les techniciens du pôle volume et validé et évalué par le professeur.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio .

Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
Qu'est ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
Qu'est ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux Arts Editions Caroline Cros 2008
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un compte Instagram : 1234 objets

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit de permettre à l’étudiant de mettre en place un système de production et d’analyse à partir des notions de relation, de comparaison et de signification.
Il s’agit de prendre en compte les objets ou les dispositifs dans les rapports qu’ils peuvent entretenir avec la complexité des espaces et des environnements (espaces architecturés, espaces sociaux, espaces politiques...).
Voir et construire, plastiquement et conceptuellement. L’étudiant devra consolider sa méthodologie dans son approche des concepts artistiques et dans sa production afin d’acquérir les moyens de faire valoir sa singularité et sa créativité. L’étudiant devra véritablement développer et montrer un goût pour la recherche, la découverte, construire des croisements et être capable de les faire transparaître dans les différentes phases de sa production.

Contenu :
Que peut-on produire avec des limites, à la limite et au-delà des limites ?
Qui dit limites, dit frontières, dit territoires...
S’il y a frontières, limites ou bornes, cela définit un territoire, un cadre ; qui définit et comment sont définies les bornes (les frontières) ? Pourquoi, par et pour qui ? Quel est ou quels sont ces territoires ?
Une fois les limites franchies, ce sont un ou des nouveau(x) territoire(s) qui s’ouvre(nt) devant nous. Comment définir notre parcours à travers ceux-ci ? Comment rendre compte de notre expérience, de ce déplacement, comment faire part de ces explorations, de ces moments, comment donner à voir ce qui ne peut être vu ?
Ce sont les questions de l’invention, de l’art contemporain, de l’avant-garde, de la recherche et du dépassement…
Il n’y a pas de médium, ou il y en aura plusieurs, il y a un territoire qu’il faudra contourner, outrepasser…

Le cartographe ne représente pas, mais associe pensée et imagination pour à la fois déduire et produire l’image possible d’un territoire. Elle élabore tout en même temps la description et la construction d’un objet de connaissance dans un effet de représentation.
Question de mise à distance.
Cette représentation du territoire sera activée par des allers et retours sur le terrain du Grand Lyon. Les cours et les séances à l’école dans les ateliers porteront sur des questions réflexives (vous travaillerez les questions de la représentation du territoire) et alterneront avec des promenades, des parcours et des sorties.
Les sorties de l’école dépasseront les bornes de l’atelier, vous utiliserez le territoire de la ville et vous travaillerez les interstices, les terrains vagues, les frontières pour, espérons-le, dépasser les limites. Ceci dans le but de montrer combien l’engagement individuel contribue à façonner la ville. Agir, à la limite et sur les limites, pour mieux détourner, les espaces, l’organisation et les signes, et peut-être, provoquer/convoquer l’engagement d’autres résidents en utilisant la notion de communauté et de partage…

« … Faire une carte, c’est peindre, graver, coudre, coller, installer, utiliser un ordinateur ou un simple crayon (variété des médiums et des mises en œuvre). Une carte c’est une feuille imprimée, une toile, un tissu, une image projetée, griffonnée sur un bout de papier, ou encore un tracé éphémère à même le sol (variété des supports et des formats). Cartographier, c’est représenter la terre, le ciel, un territoire, un itinéraire, un flux, l’intérieure du corps, l’île d’Utopie, la rêverie d’un artiste (variété des objets et des référents). Une carte c’est aussi l’image d’un projet comme signe d’une action passée, c’est un document qui témoigne du travail d’un artiste ou une œuvre à part entière, c’est encore le moyen de revendications politiques ou un simple jeu graphique (variété des usages, des statuts et des finalités)… »
Julien Béziat, « La carte à l’œuvre, Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, p.14.

« …En parcourant les villes à pied, ces artistes* font de l’acte de marcher une communication collective et rappellent que cette activité élémentaire est au cœur même de l’urbanité. Ils contribuent ainsi à renforcer l’attrait des styles urbains et de la marche en particulier. La marche comme « pratique esthétique » pour reprendre le titre du livre de F. Careri, écrit en 2002, devient alors une autre façon d’appréhender la mobilité douce. La démarche artistique pourrait ainsi produire des messages forts, interpellant directement l’imaginaire du citadin, l’entrainant à infléchir peu à peu ses représentations de la marche au sein de cette matrice communicationnelle permanente qu’est la ville…»

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Julien Béziat, « La carte à l’œuvre. Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, 2014
- « Cartes et figures de la Terre », Centre Georges Pompidou,1980
- Jean-Marc Besse, « Cartographier, Construire, Inventer », in Les carnets du paysage n° 7, 2001
- Christine Buci-Glucksmann, « L’œil cartographique de l’art », Galilée, 1996
- Giovanna Borasi, Mirko Zardini, « Comment s’approprier la ville », Centre Canadien d’Architecture, Sun, Montréal, 2008
- Bruce Bégout, « Suburbia. Autour des Villes », Inculte, Paris, 2013
- « Hacking the City. Interventions in urban and communicative spaces », Sabine Maria Schmidt, Museum Folkwang, Essen, 2011
- Collectif avec Negri Toni, « La ville-monde aujourd’hui : entre virtualité et ancrage », L’Harmattan, Paris, 1996
- Davilla Thierry, « Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l’art de la fin du xxe siècle », Éditions du Regard, Paris, 2002
- Mark Davis, « Soyez réalistes, demandez l’impossible », Les Prairies Ordinaires,‎ Paris, 2012

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s'agit d'encourager le maximum d'experimentation et de mobilité possible ; le studio doit permettre au travail de chacun d'évoluer, voire de se transformer. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d'établir un projet, mais simplement de prendre le plus possible conscience - lors des discussions et dans votre pratique entre les séances - des conséquences et des possibilités de vos choix plastiques.

Contenu :
Nous nous réunissons en groupe pour discuter de problèmes et d'enjeux communs mais aussi spécifiques au travail de chacun.
Un travail artistique est un objet complexe qui peut être pensé comme une accumulation de décisions prises, bonnes ou mauvaises, de façon consciente ou inconsciente, par intuition ou par habitude, suivant ou pas des conventions ou des plans. Chacune de ces décisions modifie la qualité de la totalité de la construction.
Cette caractéristique des œuvres est particulièrement sensible en peinture, ou les couches se superposent et se cachent. Dans le studio “Pratiques Picturales” il s'agit de regarder attentivement ensemble tous les gestes qui constituent un travail et ainsi de construire un espace de parole intermédiaire entre “l'espace mental” de chacun et “l'espace public” de présentation, en adoptant une position qui reste proche de celui ou celle qui fabrique et non pas de la critique qui interprète à partir de ce qu'il voit. Dans le studio, la parole est active et influe sur la production des participants ; le travail présenté est toujours considéré comme un point dans une évolution.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Des référence bibliographiques seront donnée lors des cours théoriques qui accompagneront ce studio.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Faciliter l'intégration des étudiants dans la vie universitaire ou professionnelle et sociale du pays d’accueil dans le cadre d'un séjour à l'étranger.
Prendre conscience des différentes étapes d'adaptation généralement rencontrées lors du séjour et au retour, et tenter d’apprendre à les gérer.

Contenu :
Rédaction d’un CV, d’une lettre de motivation, dégager des pistes de recherche, rédiger et parler de ses travaux et de leurs enjeux.
Apprendre à concevoir un portfolio (choix iconographiques, rédaction).
Améliorer la prononciation en anglais.
Maitriser un vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique.
Développer l'aisance orale pour la présentation des travaux.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu associé à une présentation orale et un examen écrit lors des deux bilans semestriels.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- « Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
- C. Godefroy, S. Godefroy , « Confident Public Speaking : How to Communicate Effectively », Piatkus Books
- S. Barnet, « A Short Guide to Writing About Art »
- M. Curtis, « Oxford Guide to Plain English »

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Ce cours porte sur une deux décennies, les années 1970 et 1980. Cela pour étudier précisément les questions qu’elles voient naitre et pour considérer comment les œuvres trouvent une place dans les débat théoriques et enjeux sociaux qui leurs sont contemporains.
Cette période est celle qui voit l’apparition d’un certain nombre de débats critiques qui relèvent de la place et du rôle de l’artiste dans la société. Ils sont générés pour un contexte qui connaît tour à tout la fin des utopies portées par les mouvement de 1968, l’apparition d’une forme d’hédonisme porté par le mouvement du Punk, le cynisme prôné dans les années 1980 par l’expansion du marché et la déréglementation économique, le retour des revendications minoritaires et du mouvement de reconnaissance des malades du SIDA. L’art dans ses formes et ses enjeux accompagne ces débats qui à chaque fois posent la question du rôle de l’artiste et de la portée de son œuvre.
Ces questions trouvent aujourd’hui encore une actualité et façonnent certaines de nos façons d’envisager l’art et son positionnement face, contre ou avec le monde qui l’entour. C’est en sommes vers cette actualité qu’est tendu ce cours. Organisé de façons thématiques autour de certains enjeux relatifs au positionnement de l’artiste, il propose de les mettre en perspective dans les résonances qu’ils ont aujourd’hui.

Contenu :
Aux États-Unis, la période qui s’ouvre au milieu des années 1970 commence lorsque s’essoufflent les élans utopiques qui ont culminés avec l’année 1968. Le retour à une réalité terre à terre est marqué d’un coté par une forme de désenchantement face à une société qui se révèle violente et injuste socialement, de l’autre par le cynisme d’une acceptation des règles nouvelles imposées par une économie globale et post-industrielle. Marqueurs de ses deux postures, les dernières années 1970 voient l’arrivée concomitante des punks avec leur mot d’ordre « no futur » et des yuppies prêts à faire des affaires dans ce nouveau capitalisme.
Le monde de l’art est également secoué par ces questions de positionnement dans le champ social comme dans celui de l’économie. Le développement de pratiques qui ne se cantonnent plus à la seule production en atelier mais font appel à des outils industriels, au cinéma, à la télévision ou a toutes autres technologies impliquant matériel de pointe et équipe de spécialistes impose une redéfinition du rôle de l’artiste devenu entrepreneur. Cette hybridation des pratiques se fait aussi dans un frottement avec la culture de masse. Parce que ses outils sont exploités, mais aussi parce que les frontières entre territoires deviennent plus floues. Ainsi l’apparition d’une société post-industrielle dans laquelle le divertissement prend une place de plus en plus importante impose aux artistes une redéfinition de leurs postures.
Comment continuer à tenir une position radicale dans une société où la culture n’est plus un territoire clairement défini et où tout semble soluble dans le divertissement ? Cette question traverse les années 1970 et 1980 et voit éclore un certains nombres de tentatives de réponses diverses. De la mise en doute de la possibilité de tenir une postion critique à l’exploitation des outils du divertissement pour porter un discours de lutte, ce sont autour de ces tentatives de définir le rôle de l’artiste que se construit ce cours.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Espèce d’espace », Grenoble, Le Magasin, 2008
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Images et (re)présentations », Grenoble, Le Magasin, 2009
Bernard Blistène, Catherine David et Alfred Pacquement (dir.), « L'époque, la mode, la morale, la passion », Paris, Centre Georges Pompidou – Musée national d'art moderne, 1987
Douglas Crimp, « PICTURES : S'approprier la photographie, New York, 1979-2014 », Cherbourg, le point du Jour, 2016
Hal Foster, « Le retour du réel »,Bruxelles, La lettre volée, 2005

Support de cours :
Cours magistral

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur la question des lectures que les artistes contemporains ont pu faire de philosophes - qu'ils leurs soient contemporains ou pas. Il s'agira de se pencher sur les usages que les artistes contemporains ont pu faire de la philosophie. Les artistes lisent la philosophie, mais leurs lectures ne sont pas à proprement parler philosophiques (un artiste n'est pas un philosophe) : elles sont artistiques. On s'attardera donc sur quelques types de lectures qui ont pu être opérées et quels types d'oeuvres elles ont pu influencer voire déterminer.
L'objectif du cours est double : d'abord historique et informatif, il s'agit de compléter le champ de connaissances de l'étudiant sur les spécificités de l'art contemporain et de son histoire. Il est ensuite pédagogique : il s'agit de décomplexer l'approche que l'étudiant peut avoir de textes philosophiques. Si les artistes conceptuels ont cru que la théorie était une forme pure, ce cours tâchera de montrer que ce n'est qu' un matériau. Et qu'il appartient aux étudiants de s'en emparer.

Contenu :
Dans la lignée du cours de l'année précédente consacré aux débuts de l'art conceptuel, ce cours visera à examiner des démarches d'artistes contemporains en mettant l'accent sur les dimensions conceptuelles, philosophiques et réflexives de leurs pratiques. Loin que l'apport de l'art conceptuel aux générations d'artistes plus jeunes consiste ne constitue un héritage, leurs démarches ont inspiré nombre de pratiques qui, s'ils en reprennent les thèmes, en modifient l'usage : pratique de l'écriture, comme activité non plus seulement réflexive ou programmatique mais autonome, jeux de références, d'emprunt et de renvois à des vastes domaines de savoir, rapport décomplexé à la théorie, qui, loin d'être l'occasion de la défense d'un idéal d'auto-définition de l'art, devient une matière malléable.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel. Assiduité aux cours et devoir sur table.

Bibliographie :
- Art conceptuel une entologie, Sous la direction de Gauthier Hermann, Fabrice Reymond et Fabien Vallos, Paris, MIX, 2008
- Art conceptuel Formes conceptuelles, Galerie 1900-2000, Galerie de Poche, Paris, 1990.
- L’Art conceptuel, une perspective, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 2e édition, 1991.
- Art conceptuel I, CAPC, Bordeaux, 1988.
- Peter Osborne, Art conceptuel, éd. Phaidon, Paris, 2006.
- Benjamin Buchloh, De l’esthétique d’administration à la critique institutionnelle (aspects de l’Art conceptuel, 1962-1969), Essais historiques II, Art édition, Lyon, 1992.

Support de cours :
Cours magistral en amphi.

Objectifs pédagogiques :
L'objectif de cet atelier de méthodologie de l'écriture est que l'étudiant soit capable d'avoir un retour textuel et critique sur sa propre démarche. Il importera qu'il tente d'en saisir les enjeux, non pas d'un point de vue chronologique (tel qu'il a pu être constitué dans l'atelier), mais d'un point de vue logique : à quelles questions les travaux tentent-ils de répondre ? Quels enjeux soulèvent-ils ? Quelles réponses donnent-ils ? Il s''agira de produire un texte synthétique qui puisse informer de sa pratique, des formes qu'il produit comme des intentions qui guident sa démarche.

Contenu :
Les ateliers seront organisés autour de partage de productions textuelles qui seront analysées et discutées en groupes. Des ateliers d'écriture seront également proposés.

Mode d'évaluation :
Production textuelle régulière et participation aux ateliers.

Bibliographie :
Revue de littérature générale (n° 2), P.O.L, 1996

Objectifs pédagogiques :
L’objectif de cet atelier mené par François Aubart et Nicolas Romarie est de sensibiliser les étudiants à la documentation de leurs travaux. Il s’agit donc de réfléchir et de concevoir les moyens de rendre compte de leurs recherches et de leurs productions. Seront ainsi considérés l’écriture, la captation et l'apport de documents de toutes sortes pour présenter les enjeux de leurs travaux et leurs démarches.
Une attention particulière sera portée à l’adéquation entre les moyens employés et l’objectif de la documentation, ce qu’elle tend à montrer et veut mettre en avant. En effet, une performance ne se documente pas de la même façon qu’une sculpture par exemple. Ainsi il faut envisager ce qui correspond le mieux à chaque démarche, car toutes les peintures ne nécessitent pas le même type de reproduction selon ce qu’on veut en montrer.
A l’encontre d’un formatage ou d’une grille applicable de la même façon à tous, nous tenterons de trouver avec chaque étudiant·e comment rendre compte d’un corpus, d’une pratique et d’une démarche.

Contenu :
Chaque séance est ouverte par la présentation de livres, catalogues, portfolios et documents d'artistes choisis en fonction de leur exemplarité, leur diversité, leur singularité. Cela pour ouvrir des discussions à propos des diverses formes que prend l’édition dans le champ de l’art.
Quelques séances sont spécifiquement dédiées à la rédaction d’un texte de présentation. Elles portent sur les moyens les plus adéquats pour décrire ce qui motive et nourrit les pratiques des étudiant·e·s. La complémentarité de ces textes avec les autres types de documents est aussi considérée.
L’atelier ‘La documentation’ a pour finalité la production d’un portfolio en fin d’année. Pour accompagner la réaliser de ce document sont abordées les notions de mise en page, d'impression et de diffusion.

Mode d'évaluation :
Evaluation basée sur la participation aux séances et sur les documents produits.

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le Séminaire
La définition classique d'un séminaire ('Groupe d'étudiants effectuant un travail pratique de recherche sous la direction d'un enseignant; ensemble des séances de ce groupe'. http://www.cnrtl.fr/lexicographie/s%C3%A9minaire) sera ici inversée : loin que l'enseignant dirige un 'enseignement', chaque étudiant.e de 3ème année sera invité à produire un texte de recherche, qui soit personnel, et dont la présentation comptera pour la validation du DNA. Il s'agira d'une production théorique sur sujet libre, idéalement réalisé à partir d'un choix d'oeuvres ou objets culturels éventuellement disparates. Plusieurs ateliers permettront, au cours de l'année, d'accompagner à la production du texte personnel en question : définition d'un sujet, discussion sur des types d'approches possibles, lectures partagées, etc. Il s'agira, alors cette fois dans le sens correct du terme 'séminaire', d'en retranscrire les possibles enseignements.

Mode d'évaluation :
bilan semestriel + présence en cours

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un espace d’enseignement pratique et réflexif, pour travailler principalement les problématiques des objets sculpturaux.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire un objet ou une série d’objets qui relèvent du territoire de la sculpture ou plus largement du territoire de l’art ?
Quelles sont les possibilités, quelles sont les contraintes en relation avec les enjeux d’aujourd’hui et ceci dans le contexte du pôle volume, de l’école d’art de Lyon, sa ville et sa région, son pays, son continent et le contexte international...
La fabrication des objets, des sculptures, pose des questions pragmatiques, mais également philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes présenté par le professeur. Un compte Instagram dédié au studio est alimenté par le professeur et les étudiants du studio.
L’expérimentation est individuelle en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un exercice avec un des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie individuellement et les techniciens du pôle volume et validé et évalué par le professeur.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio .

Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
Qu'est ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
Qu'est ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux Arts Editions Caroline Cros 2008
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un compte Instagram : 1234 objets

Objectifs pédagogiques :
Le studio s’adresse à un groupe d’étudiants concernés par l’écriture : ayant soit déjà une pratique qu’ils désirent approfondir et partager, soit un intérêt qui pourrait déboucher sur une pratique. Il peut aussi s’agir simplement de personnes curieuses de la « chose littéraire », qui ne peut être que stimulante en regard de leur pratique plastique.
L’enjeu pour les étudiants, outre le partage de savoirs, sera la mise en place d’un travail personnel d’écriture. Il sera lui aussi conçu comme une image qu’il s’agira de cristalliser — du dessein mental au « manuscrit », c’est-à-dire au texte dans sa succession et sa construction, et dans la diversité des formes possibles.

Contenu :
Une réflexion est menée sur la relation – parfois la tension – entre narration, forme et medium.
La discontinuité du narratif et l'hétérogénéité du récit, qui caractérisent souvent les arts poétiques, est objet d'attention, ainsi que le système de ponctuation adopté.
L’oralité - l'oralisation - a son importance, autant lorsque nous écoutons les enregistrements de lectures par leurs auteurs (archives historiques ou actualité), que lorsqu’il s’agit de transmettre son propre travail au groupe, et d’en discuter collectivement.
Dire son texte à haute voix, ou le performer, pose de nombreuses questions. Mais aussi lire le texte d'un tiers. Notre capacité à 'lire autrement', à inventer nos modes de lecture, nos rythmes singuliers et notre propre vitesse, tels que l'écriture artistique l'impose souvent, est au centre des préoccupations.
Dans un second temps, la spatialisation et la gestuelle contribuent aussi à l'existence du texte. Il peut être proposé aussi des expériences et « exercices » visant à produire une expression singulière à partir de la réalité environnante.

Il n’y a pas d’exclusivité de genres ou de médiums : prose, vers, récit, journal intime, poésie visuelle, etc. L’appellation d’ « arts poétiques » prend son sens. Elle inclut l'écriture du roman ou en théâtre, dès lors qu'il n'y a pas « forme morte » comme disait Claude Simon.
La recherche de la singularité – dans un souci d’authenticité – est un critère principal.

Mode d'évaluation :
Evaluation à partir de la « production » et de la présence active de l'étudiant.

Bibliographie :
fournie en cours

Support de cours :
Atelier collectif et pratique et suivi individuel.

Objectifs pédagogiques :
Comme à l’apparition de tout nouveau médium, les artistes se sont emparés, depuis plusieurs années, de la sphère du numérique pour l’explorer comme « nouvelle frontière ». L’idée est d’investir cette réalité, non comme outil, mais comme espace de projet - d’utopie. Trouver des « données » spécifiques qui permettront d’élaborer des projets de réalités [diffé-rentes], (la réalité augmentée par exemple !).

Contenu :
La lecture d’œuvres, associée à une approche théorique, sera un des temps de travail pour comprendre où se situe le 'numérique' et comment s’emparer de ses éléments singuliers et de ses territoires connexes. Le studio propose aussi de s’aventurer dans des projets sans pré-requis. Il s’agira dans un deuxième temps d’en définir les conditions de production (économie des compétences et des contingences) et de mettre en œuvre, si possible, des réalisations.
Ce studio est impliqué dans la programmation du Commons Lab ainsi que le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, projet personnel et bilan semestriel.

Bibliographie :
Chaos Computer Club https://fr.wikipedia.org/wiki/Chaos_Computer_Club

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit de permettre à l’étudiant de mettre en place un système de production et d’analyse à partir des notions de relation, de comparaison et de signification.
Il s’agit de prendre en compte les objets ou les dispositifs dans les rapports qu’ils peuvent entretenir avec la complexité des espaces et des environnements (espaces architecturés, espaces sociaux, espaces politiques...).
Voir et construire, plastiquement et conceptuellement. L’étudiant devra consolider sa méthodologie dans son approche des concepts artistiques et dans sa production afin d’acquérir les moyens de faire valoir sa singularité et sa créativité. L’étudiant devra véritablement développer et montrer un goût pour la recherche, la découverte, construire des croisements et être capable de les faire transparaître dans les différentes phases de sa production.

Contenu :
Que peut-on produire avec des limites, à la limite et au-delà des limites ?
Qui dit limites, dit frontières, dit territoires...
S’il y a frontières, limites ou bornes, cela définit un territoire, un cadre ; qui définit et comment sont définies les bornes (les frontières) ? Pourquoi, par et pour qui ? Quel est ou quels sont ces territoires ?
Une fois les limites franchies, ce sont un ou des nouveau(x) territoire(s) qui s’ouvre(nt) devant nous. Comment définir notre parcours à travers ceux-ci ? Comment rendre compte de notre expérience, de ce déplacement, comment faire part de ces explorations, de ces moments, comment donner à voir ce qui ne peut être vu ?
Ce sont les questions de l’invention, de l’art contemporain, de l’avant-garde, de la recherche et du dépassement…
Il n’y a pas de médium, ou il y en aura plusieurs, il y a un territoire qu’il faudra contourner, outrepasser…

Le cartographe ne représente pas, mais associe pensée et imagination pour à la fois déduire et produire l’image possible d’un territoire. Elle élabore tout en même temps la description et la construction d’un objet de connaissance dans un effet de représentation.
Question de mise à distance.
Cette représentation du territoire sera activée par des allers et retours sur le terrain du Grand Lyon. Les cours et les séances à l’école dans les ateliers porteront sur des questions réflexives (vous travaillerez les questions de la représentation du territoire) et alterneront avec des promenades, des parcours et des sorties.
Les sorties de l’école dépasseront les bornes de l’atelier, vous utiliserez le territoire de la ville et vous travaillerez les interstices, les terrains vagues, les frontières pour, espérons-le, dépasser les limites. Ceci dans le but de montrer combien l’engagement individuel contribue à façonner la ville. Agir, à la limite et sur les limites, pour mieux détourner, les espaces, l’organisation et les signes, et peut-être, provoquer/convoquer l’engagement d’autres résidents en utilisant la notion de communauté et de partage…

« … Faire une carte, c’est peindre, graver, coudre, coller, installer, utiliser un ordinateur ou un simple crayon (variété des médiums et des mises en œuvre). Une carte c’est une feuille imprimée, une toile, un tissu, une image projetée, griffonnée sur un bout de papier, ou encore un tracé éphémère à même le sol (variété des supports et des formats). Cartographier, c’est représenter la terre, le ciel, un territoire, un itinéraire, un flux, l’intérieure du corps, l’île d’Utopie, la rêverie d’un artiste (variété des objets et des référents). Une carte c’est aussi l’image d’un projet comme signe d’une action passée, c’est un document qui témoigne du travail d’un artiste ou une œuvre à part entière, c’est encore le moyen de revendications politiques ou un simple jeu graphique (variété des usages, des statuts et des finalités)… »
Julien Béziat, « La carte à l’œuvre, Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, p.14.

« …En parcourant les villes à pied, ces artistes* font de l’acte de marcher une communication collective et rappellent que cette activité élémentaire est au cœur même de l’urbanité. Ils contribuent ainsi à renforcer l’attrait des styles urbains et de la marche en particulier. La marche comme « pratique esthétique » pour reprendre le titre du livre de F. Careri, écrit en 2002, devient alors une autre façon d’appréhender la mobilité douce. La démarche artistique pourrait ainsi produire des messages forts, interpellant directement l’imaginaire du citadin, l’entrainant à infléchir peu à peu ses représentations de la marche au sein de cette matrice communicationnelle permanente qu’est la ville…»

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Julien Béziat, « La carte à l’œuvre. Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, 2014
- « Cartes et figures de la Terre », Centre Georges Pompidou,1980
- Jean-Marc Besse, « Cartographier, Construire, Inventer », in Les carnets du paysage n° 7, 2001
- Christine Buci-Glucksmann, « L’œil cartographique de l’art », Galilée, 1996
- Giovanna Borasi, Mirko Zardini, « Comment s’approprier la ville », Centre Canadien d’Architecture, Sun, Montréal, 2008
- Bruce Bégout, « Suburbia. Autour des Villes », Inculte, Paris, 2013
- « Hacking the City. Interventions in urban and communicative spaces », Sabine Maria Schmidt, Museum Folkwang, Essen, 2011
- Collectif avec Negri Toni, « La ville-monde aujourd’hui : entre virtualité et ancrage », L’Harmattan, Paris, 1996
- Davilla Thierry, « Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l’art de la fin du xxe siècle », Éditions du Regard, Paris, 2002
- Mark Davis, « Soyez réalistes, demandez l’impossible », Les Prairies Ordinaires,‎ Paris, 2012

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s'agit d'encourager le maximum d'experimentation et de mobilité possible ; le studio doit permettre au travail de chacun d'évoluer, voire de se transformer. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d'établir un projet, mais simplement de prendre le plus possible conscience - lors des discussions et dans votre pratique entre les séances - des conséquences et des possibilités de vos choix plastiques.

Contenu :
Nous nous réunissons en groupe pour discuter de problèmes et d'enjeux communs mais aussi spécifiques au travail de chacun.
Un travail artistique est un objet complexe qui peut être pensé comme une accumulation de décisions prises, bonnes ou mauvaises, de façon consciente ou inconsciente, par intuition ou par habitude, suivant ou pas des conventions ou des plans. Chacune de ces décisions modifie la qualité de la totalité de la construction.
Cette caractéristique des œuvres est particulièrement sensible en peinture, ou les couches se superposent et se cachent. Dans le studio “Pratiques Picturales” il s'agit de regarder attentivement ensemble tous les gestes qui constituent un travail et ainsi de construire un espace de parole intermédiaire entre “l'espace mental” de chacun et “l'espace public” de présentation, en adoptant une position qui reste proche de celui ou celle qui fabrique et non pas de la critique qui interprète à partir de ce qu'il voit. Dans le studio, la parole est active et influe sur la production des participants ; le travail présenté est toujours considéré comme un point dans une évolution.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Des référence bibliographiques seront donnée lors des cours théoriques qui accompagneront ce studio.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Faciliter l'intégration des étudiants dans la vie universitaire ou professionnelle et sociale du pays d’accueil dans le cadre d'un séjour à l'étranger.
Prendre conscience des différentes étapes d'adaptation généralement rencontrées lors du séjour et au retour, et tenter d’apprendre à les gérer.

Contenu :
Rédaction d’un CV, d’une lettre de motivation, dégager des pistes de recherche, rédiger et parler de ses travaux et de leurs enjeux.
Apprendre à concevoir un portfolio (choix iconographiques, rédaction).
Améliorer la prononciation en anglais.
Maitriser un vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique.
Développer l'aisance orale pour la présentation des travaux.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu associé à une présentation orale et un examen écrit lors des deux bilans semestriels.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- « Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
- C. Godefroy, S. Godefroy , « Confident Public Speaking : How to Communicate Effectively », Piatkus Books
- S. Barnet, « A Short Guide to Writing About Art »
- M. Curtis, « Oxford Guide to Plain English »

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Ce cours porte sur une deux décennies, les années 1970 et 1980. Cela pour étudier précisément les questions qu’elles voient naitre et pour considérer comment les œuvres trouvent une place dans les débat théoriques et enjeux sociaux qui leurs sont contemporains.
Cette période est celle qui voit l’apparition d’un certain nombre de débats critiques qui relèvent de la place et du rôle de l’artiste dans la société. Ils sont générés pour un contexte qui connaît tour à tout la fin des utopies portées par les mouvement de 1968, l’apparition d’une forme d’hédonisme porté par le mouvement du Punk, le cynisme prôné dans les années 1980 par l’expansion du marché et la déréglementation économique, le retour des revendications minoritaires et du mouvement de reconnaissance des malades du SIDA. L’art dans ses formes et ses enjeux accompagne ces débats qui à chaque fois posent la question du rôle de l’artiste et de la portée de son œuvre.
Ces questions trouvent aujourd’hui encore une actualité et façonnent certaines de nos façons d’envisager l’art et son positionnement face, contre ou avec le monde qui l’entour. C’est en sommes vers cette actualité qu’est tendu ce cours. Organisé de façons thématiques autour de certains enjeux relatifs au positionnement de l’artiste, il propose de les mettre en perspective dans les résonances qu’ils ont aujourd’hui.

Contenu :
Aux États-Unis, la période qui s’ouvre au milieu des années 1970 commence lorsque s’essoufflent les élans utopiques qui ont culminés avec l’année 1968. Le retour à une réalité terre à terre est marqué d’un coté par une forme de désenchantement face à une société qui se révèle violente et injuste socialement, de l’autre par le cynisme d’une acceptation des règles nouvelles imposées par une économie globale et post-industrielle. Marqueurs de ses deux postures, les dernières années 1970 voient l’arrivée concomitante des punks avec leur mot d’ordre « no futur » et des yuppies prêts à faire des affaires dans ce nouveau capitalisme.
Le monde de l’art est également secoué par ces questions de positionnement dans le champ social comme dans celui de l’économie. Le développement de pratiques qui ne se cantonnent plus à la seule production en atelier mais font appel à des outils industriels, au cinéma, à la télévision ou a toutes autres technologies impliquant matériel de pointe et équipe de spécialistes impose une redéfinition du rôle de l’artiste devenu entrepreneur. Cette hybridation des pratiques se fait aussi dans un frottement avec la culture de masse. Parce que ses outils sont exploités, mais aussi parce que les frontières entre territoires deviennent plus floues. Ainsi l’apparition d’une société post-industrielle dans laquelle le divertissement prend une place de plus en plus importante impose aux artistes une redéfinition de leurs postures.
Comment continuer à tenir une position radicale dans une société où la culture n’est plus un territoire clairement défini et où tout semble soluble dans le divertissement ? Cette question traverse les années 1970 et 1980 et voit éclore un certains nombres de tentatives de réponses diverses. De la mise en doute de la possibilité de tenir une postion critique à l’exploitation des outils du divertissement pour porter un discours de lutte, ce sont autour de ces tentatives de définir le rôle de l’artiste que se construit ce cours.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Espèce d’espace », Grenoble, Le Magasin, 2008
Yves Aupetitallot (dir.), « Les années 1980 – Images et (re)présentations », Grenoble, Le Magasin, 2009
Bernard Blistène, Catherine David et Alfred Pacquement (dir.), « L'époque, la mode, la morale, la passion », Paris, Centre Georges Pompidou – Musée national d'art moderne, 1987
Douglas Crimp, « PICTURES : S'approprier la photographie, New York, 1979-2014 », Cherbourg, le point du Jour, 2016
Hal Foster, « Le retour du réel »,Bruxelles, La lettre volée, 2005

Support de cours :
Cours magistral

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur la question des lectures que les artistes contemporains ont pu faire de philosophes - qu'ils leurs soient contemporains ou pas. Il s'agira de se pencher sur les usages que les artistes contemporains ont pu faire de la philosophie. Les artistes lisent la philosophie, mais leurs lectures ne sont pas à proprement parler philosophiques (un artiste n'est pas un philosophe) : elles sont artistiques. On s'attardera donc sur quelques types de lectures qui ont pu être opérées et quelles types d'oeuvres elles ont pu influencer voire déterminer.
L'objectif du cours est double : d'abord historique et informatif, il s'agit de compléter le champ de connaissances de l'étudiant sur les spécificités de l'art contemporain et de son histoire. Il est ensuite pédagogique : il s'agit de décomplexer l'approche que l'étudiant peut avoir de textes philosophiques. Si les artistes conceptuels ont cru que la théorie était une forme pure, ce cours tâchera de montrer que ce n'est un matériau. Et qu'il appartient aux étudiants de s'en emparer.

Contenu :
Dans la lignée du cours de l'année précédente consacré aux débuts de l'art conceptuel, ce cours visera à examiner des démarches d'artistes contemporains en mettant l'accent sur les dimensions conceptuelles, philosophiques et réflexives de leurs pratiques. Loin que l'apport de l'art conceptuel aux générations d'artistes plus jeunes consiste ne constitue un héritage, leurs démarches ont inspiré nombre de pratiques qui, s'ils en reprennent les thèmes, en modifient l'usage : pratique de l'écriture, comme activité non plus seulement réflexive ou programmatique mais autonome, jeux de références, d'emprunt et de renvois à des vastes domaines de savoir, rapport décomplexé à la théorie, qui, loin d'être l'occasion de la défense d'un idéal d'auto-définition de l'art, devient une matière malléable.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel. Assiduité aux cours et devoir sur table.

Bibliographie :
- Art conceptuel une entologie, Sous la direction de Gauthier Hermann, Fabrice Reymond et Fabien Vallos, Paris, MIX, 2008
- Art conceptuel Formes conceptuelles, Galerie 1900-2000, Galerie de Poche, Paris, 1990.
- L’Art conceptuel, une perspective, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 2e édition, 1991.
- Art conceptuel I, CAPC, Bordeaux, 1988.
- Peter Osborne, Art conceptuel, éd. Phaidon, Paris, 2006.
- Benjamin Buchloh, De l’esthétique d’administration à la critique institutionnelle (aspects de l’Art conceptuel, 1962-1969), Essais historiques II, Art édition, Lyon, 1992.

Support de cours :
Cours magistral en amphi

Objectifs pédagogiques :
L'objectif de cet atelier de méthodologie de l'écriture est que l'étudiant soit capable d'avoir un retour textuel et critique sur sa propre démarche. Il importera qu'il tente d'en saisir les enjeux, non pas d'un point de vue chronologique (tel qu'il a pu être constitué dans l'atelier), mais d'un point de vue logique : à quelles questions les travaux tentent-ils de répondre ? Quels enjeux soulèvent-ils ? Quelles réponses donnent-ils ? Il s''agira de produire un texte synthétique qui puisse informer de sa pratique, des formes qu'il produit comme des intentions qui guident sa démarche.

Contenu :
Les ateliers seront organisés autour de partage de productions textuelles qui seront analysées et discutées en groupes. Des ateliers d'écriture seront également proposés.

Mode d'évaluation :
Production textuelle régulière et participation aux ateliers.

Bibliographie :
Revue de littérature générale (n° 2), P.O.L, 1996

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le Séminaire
La définition classique d'un séminaire ('Groupe d'étudiants effectuant un travail pratique de recherche sous la direction d'un enseignant; ensemble des séances de ce groupe'. http://www.cnrtl.fr/lexicographie/s%C3%A9minaire) sera ici inversée : loin que l'enseignant dirige un 'enseignement', chaque étudiant.e de 3ème année sera invité à produire un texte de recherche, qui soit personnel, et dont la présentation comptera pour la validation du DNA. Il s'agira d'une production théorique sur sujet libre, idéalement réalisé à partir d'un choix d'oeuvres ou objets culturels éventuellement disparates. Plusieurs ateliers permettront, au cours de l'année, d'accompagner à la production du texte personnel en question : définition d'un sujet, discussion sur des types d'approches possibles, lectures partagées, etc. Il s'agira, alors cette fois dans le sens correct du terme 'séminaire', d'en retranscrire les possibles enseignements.

Mode d'évaluation :
bilan semestriel + présence en cours

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un espace d’enseignement pratique et réflexif, pour travailler principalement les problématiques des objets sculpturaux.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire un objet ou une série d’objets qui relèvent du territoire de la sculpture ou plus largement du territoire de l’art ?
Quelles sont les possibilités, quelles sont les contraintes en relation avec les enjeux d’aujourd’hui et ceci dans le contexte du pôle volume, de l’école d’art de Lyon, sa ville et sa région, son pays, son continent et le contexte international...
La fabrication des objets, des sculptures, pose des questions pragmatiques, mais également philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes présenté par le professeur. Un compte Instagram dédié au studio est alimenté par le professeur et les étudiants du studio.
L’expérimentation est individuelle en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un exercice avec un des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie individuellement et les techniciens du pôle volume et validé et évalué par le professeur.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio .

Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
Qu'est ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
Qu'est ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux Arts Editions Caroline Cros 2008
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un compte Instagram : 1234 objets

Objectifs pédagogiques :
Le studio s’adresse à un groupe d’étudiants concernés par l’écriture : ayant soit déjà une pratique qu’ils désirent approfondir et partager, soit un intérêt qui pourrait déboucher sur une pratique. Il peut aussi s’agir simplement de personnes curieuses de la « chose littéraire », qui ne peut être que stimulante en regard de leur pratique plastique.
L’enjeu pour les étudiants, outre le partage de savoirs, sera la mise en place d’un travail personnel d’écriture. Il sera lui aussi conçu comme une image qu’il s’agira de cristalliser — du dessein mental au « manuscrit », c’est-à-dire au texte dans sa succession et sa construction, et dans la diversité des formes possibles.

Contenu :
Une réflexion est menée sur la relation – parfois la tension – entre narration, forme et medium.
La discontinuité du narratif et l'hétérogénéité du récit, qui caractérisent souvent les arts poétiques, est objet d'attention, ainsi que le système de ponctuation adopté.
L’oralité - l'oralisation - a son importance, autant lorsque nous écoutons les enregistrements de lectures par leurs auteurs (archives historiques ou actualité), que lorsqu’il s’agit de transmettre son propre travail au groupe, et d’en discuter collectivement.
Dire son texte à haute voix, ou le performer, pose de nombreuses questions. Mais aussi lire le texte d'un tiers. Notre capacité à 'lire autrement', à inventer nos modes de lecture, nos rythmes singuliers et notre propre vitesse, tels que l'écriture artistique l'impose souvent, est au centre des préoccupations.
Dans un second temps, la spatialisation et la gestuelle contribuent aussi à l'existence du texte. Il peut être proposé aussi des expériences et « exercices » visant à produire une expression singulière à partir de la réalité environnante.

Il n’y a pas d’exclusivité de genres ou de médiums : prose, vers, récit, journal intime, poésie visuelle, etc. L’appellation d’ « arts poétiques » prend son sens. Elle inclut l'écriture du roman ou en théâtre, dès lors qu'il n'y a pas « forme morte » comme disait Claude Simon.
La recherche de la singularité – dans un souci d’authenticité – est un critère principal.

Mode d'évaluation :
Evaluation à partir de la « production » et de la présence active de l'étudiant.

Bibliographie :
fournie en cours

Support de cours :
studio

Objectifs pédagogiques :
Comme à l’apparition de tout nouveau médium, les artistes se sont emparés, depuis plusieurs années, de la sphère du numérique pour l’explorer comme « nouvelle frontière ». L’idée est d’investir cette réalité, non comme outil, mais comme espace de projet - d’utopie. Trouver des « données » spécifiques qui permettront d’élaborer des projets de réalités [diffé-rentes], (la réalité augmentée par exemple !).

Contenu :
La lecture d’œuvres, associée à une approche théorique, sera un des temps de travail pour comprendre où se situe le 'numérique' et comment s’emparer de ses éléments singuliers et de ses territoires connexes. Le studio propose aussi de s’aventurer dans des projets sans pré-requis. Il s’agira dans un deuxième temps d’en définir les conditions de production (économie des compétences et des contingences) et de mettre en œuvre, si possible, des réalisations.
Ce studio est impliqué dans la programmation du Commons Lab ainsi que le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, projet personnel et bilan semestriel.

Bibliographie :
Chaos Computer Club https://fr.wikipedia.org/wiki/Chaos_Computer_Club

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit de permettre à l’étudiant de mettre en place un système de production et d’analyse à partir des notions de relation, de comparaison et de signification.
Il s’agit de prendre en compte les objets ou les dispositifs dans les rapports qu’ils peuvent entretenir avec la complexité des espaces et des environnements (espaces architecturés, espaces sociaux, espaces politiques...).
Voir et construire, plastiquement et conceptuellement. L’étudiant devra consolider sa méthodologie dans son approche des concepts artistiques et dans sa production afin d’acquérir les moyens de faire valoir sa singularité et sa créativité. L’étudiant devra véritablement développer et montrer un goût pour la recherche, la découverte, construire des croisements et être capable de les faire transparaître dans les différentes phases de sa production.

Contenu :
Que peut-on produire avec des limites, à la limite et au-delà des limites ?
Qui dit limites, dit frontières, dit territoires...
S’il y a frontières, limites ou bornes, cela définit un territoire, un cadre ; qui définit et comment sont définies les bornes (les frontières) ? Pourquoi, par et pour qui ? Quel est ou quels sont ces territoires ?
Une fois les limites franchies, ce sont un ou des nouveau(x) territoire(s) qui s’ouvre(nt) devant nous. Comment définir notre parcours à travers ceux-ci ? Comment rendre compte de notre expérience, de ce déplacement, comment faire part de ces explorations, de ces moments, comment donner à voir ce qui ne peut être vu ?
Ce sont les questions de l’invention, de l’art contemporain, de l’avant-garde, de la recherche et du dépassement…
Il n’y a pas de médium, ou il y en aura plusieurs, il y a un territoire qu’il faudra contourner, outrepasser…

Le cartographe ne représente pas, mais associe pensée et imagination pour à la fois déduire et produire l’image possible d’un territoire. Elle élabore tout en même temps la description et la construction d’un objet de connaissance dans un effet de représentation.
Question de mise à distance.
Cette représentation du territoire sera activée par des allers et retours sur le terrain du Grand Lyon. Les cours et les séances à l’école dans les ateliers porteront sur des questions réflexives (vous travaillerez les questions de la représentation du territoire) et alterneront avec des promenades, des parcours et des sorties.
Les sorties de l’école dépasseront les bornes de l’atelier, vous utiliserez le territoire de la ville et vous travaillerez les interstices, les terrains vagues, les frontières pour, espérons-le, dépasser les limites. Ceci dans le but de montrer combien l’engagement individuel contribue à façonner la ville. Agir, à la limite et sur les limites, pour mieux détourner, les espaces, l’organisation et les signes, et peut-être, provoquer/convoquer l’engagement d’autres résidents en utilisant la notion de communauté et de partage…

« … Faire une carte, c’est peindre, graver, coudre, coller, installer, utiliser un ordinateur ou un simple crayon (variété des médiums et des mises en œuvre). Une carte c’est une feuille imprimée, une toile, un tissu, une image projetée, griffonnée sur un bout de papier, ou encore un tracé éphémère à même le sol (variété des supports et des formats). Cartographier, c’est représenter la terre, le ciel, un territoire, un itinéraire, un flux, l’intérieure du corps, l’île d’Utopie, la rêverie d’un artiste (variété des objets et des référents). Une carte c’est aussi l’image d’un projet comme signe d’une action passée, c’est un document qui témoigne du travail d’un artiste ou une œuvre à part entière, c’est encore le moyen de revendications politiques ou un simple jeu graphique (variété des usages, des statuts et des finalités)… »
Julien Béziat, « La carte à l’œuvre, Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, p.14.

« …En parcourant les villes à pied, ces artistes* font de l’acte de marcher une communication collective et rappellent que cette activité élémentaire est au cœur même de l’urbanité. Ils contribuent ainsi à renforcer l’attrait des styles urbains et de la marche en particulier. La marche comme « pratique esthétique » pour reprendre le titre du livre de F. Careri, écrit en 2002, devient alors une autre façon d’appréhender la mobilité douce. La démarche artistique pourrait ainsi produire des messages forts, interpellant directement l’imaginaire du citadin, l’entrainant à infléchir peu à peu ses représentations de la marche au sein de cette matrice communicationnelle permanente qu’est la ville…»

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Julien Béziat, « La carte à l’œuvre. Cartographie imaginaire création », Presses universitaires de Bordeaux, coll. Artes, 2014
- « Cartes et figures de la Terre », Centre Georges Pompidou,1980
- Jean-Marc Besse, « Cartographier, Construire, Inventer », in Les carnets du paysage n° 7, 2001
- Christine Buci-Glucksmann, « L’œil cartographique de l’art », Galilée, 1996
- Giovanna Borasi, Mirko Zardini, « Comment s’approprier la ville », Centre Canadien d’Architecture, Sun, Montréal, 2008
- Bruce Bégout, « Suburbia. Autour des Villes », Inculte, Paris, 2013
- « Hacking the City. Interventions in urban and communicative spaces », Sabine Maria Schmidt, Museum Folkwang, Essen, 2011
- Collectif avec Negri Toni, « La ville-monde aujourd’hui : entre virtualité et ancrage », L’Harmattan, Paris, 1996
- Davilla Thierry, « Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l’art de la fin du xxe siècle », Éditions du Regard, Paris, 2002
- Mark Davis, « Soyez réalistes, demandez l’impossible », Les Prairies Ordinaires,‎ Paris, 2012

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s'agit d'encourager le maximum d'experimentation et de mobilité possible ; le studio doit permettre au travail de chacun d'évoluer, voire de se transformer. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d'établir un projet, mais simplement de prendre le plus possible conscience - lors des discussions et dans votre pratique entre les séances - des conséquences et des possibilités de vos choix plastiques.

Contenu :
Nous nous réunissons en groupe pour discuter de problèmes et d'enjeux communs mais aussi spécifiques au travail de chacun.
Un travail artistique est un objet complexe qui peut être pensé comme une accumulation de décisions prises, bonnes ou mauvaises, de façon consciente ou inconsciente, par intuition ou par habitude, suivant ou pas des conventions ou des plans. Chacune de ces décisions modifie la qualité de la totalité de la construction.
Cette caractéristique des œuvres est particulièrement sensible en peinture, ou les couches se superposent et se cachent. Dans le studio “Pratiques Picturales” il s'agit de regarder attentivement ensemble tous les gestes qui constituent un travail et ainsi de construire un espace de parole intermédiaire entre “l'espace mental” de chacun et “l'espace public” de présentation, en adoptant une position qui reste proche de celui ou celle qui fabrique et non pas de la critique qui interprète à partir de ce qu'il voit. Dans le studio, la parole est active et influe sur la production des participants ; le travail présenté est toujours considéré comme un point dans une évolution.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Des référence bibliographiques seront donnée lors des cours théoriques qui accompagneront ce studio.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Partant de l'idée que l’art est un champ de pratiques multiples, irrésolues et problématiques, l'objectif de ce cours est d'en discuter certains enjeux contemporains par tous les biais : expositions, œuvres, figures d'artistes, controverses, structures, idéologies, à travers grands sujets et anecdotes. Plus que de partager du savoir, il s'agit de porter un regard critique, voire moral sur l'art, qui peut aussi s'appliquer à vos pratiques personnelles. Par exemple, poser les questions du 'quoi' et du 'comment', mais aussi du 'pourquoi' produire. A travers des exemples pratiques pris dans l'histoire et dans l'actualité, on abordera les réalités de l’art, avec ses limites, ses contradictions, ses stratégies mais aussi ses utopies, ses idéaux, ses positions admirables, dans un mélange d'amour et d'exigence, de curiosité et de sévérité.

Contenu :
Le cours prend la forme d’un magazine thématique 'live' avec différentes rubriques récurrentes : nécrologie, livre, exposition, chroniques d'invités extérieurs, visite d'atelier billets d'humeur et dossier thématique. Cette forme permet d'aborder des sujets très divers tout en tachant de garder, à chaque numéro une ligne thématique plus ou moins sérendipitique ('Ecosystèmes de l'art', 'Etats d'urgence', 'Halls of Fame', etc.).

Mode d'évaluation :
A définir

Support de cours :
Films, images, sons, rendez-vous skype, etc.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- L. Clandsfield, « Global English (Upper Intermediate, Advanced) », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- J. Berger, « About Looking », Vintage International

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Prélude à la musique privilégiant l'écoute et le dialogue.

Contenu :
Ecoute d'oeuvres musicales historiques ou récentes. Les œuvres sont diffusées dans leur entièreté (elles sont brèves, moins d'un quart d'heure) et de manière répétée (deux ou trois fois). Après chaque écoute, une discussion ouverte permet un échange sur cette audition, le partage des savoirs et la mise en perspective avec les champs de la création et des arts visuels. Aucune connaissance musicale préalable n'est requise.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
http://www.inagrm.com/accueil/collections/portraits-polychromes
http://www.ircam.fr/270.html? et tx_ircamboutique_pi1%5BshowUid%5D=41 et cHash=af12f57aef940c21ace7dd55a07388f2

Support de cours :
http://art45.ensba-lyon.fr/0_art/GG/

Contenu :
Queeriser
Communautés, identités et globalisation

Je propose de penser dans ce cours la manière dont des êtres jusque-là privés des outils de la représentation se sont emparés des technologies de visualisation afin de produire des énonciations contestataires et solidaires. L’enjeu est la production de savoirs partagés créés depuis les marges linguistiques, sexuelles, biologiques et géographiques de l’histoire. Là, dans ces moments de contact, par hacking ou métissage, la réarticulation performative et identitaire du contexte permet d’imaginer que, dans les interstices de la globalisation, il y a des inflexions venues du bas et d’ailleurs, personnelles ou communautaires qui, de la particularité de leurs positions, viennent perturber les arrangements conceptuels préétablis et déranger les organisations habituelles. Mieux, que ces inflexions nous laissent imaginer que dans la réunion des particularités et dans la construction opportune de ces communautés peut s’écrire un vocabulaire nouveau, plus queer, à l’ère de la globalisation.

Mode d'évaluation :
Travail à rendre en fin de semestre.

Bibliographie :
Bibliographie
sélection
- Perry Anderson, The Origins of Postmodernity, Londres / New York, Verso, 1998
- Benedict Anderson, Imagined Communities : Reflections on the Origin and Spread of Nationalism, Londres, Verso, 1983
- Karen Barad, « Intra-actions », interview menée par Adam Kleinmann, Mousse Magazine, no 34, 2012
- Karen Barad, « Nature’s Queer Performativity », Women, Gender and Research, numéro spécial « Feminist materialisms », 2001
- Partha Chatterjee, « Whose Imagined Community ? », Mapping the Nation, Gopal Balakrishnan (dir.), Londres, Verso, 2012
- Beatriz Colomina, « X-Ray Architecture : Illness as Metaphor », Positions, No. 0, Positioning Positions, automne 2008
- Donna Haraway, Manifeste cyborg et autres essais : sciences, fictions, féminismes, anthologie établie par Laurence Allard, Delphine Gardey et Nathalie Magnan, Paris, Exils, « Essais », 2007
- Pedro Lemebel, Hablo por mi diferencia, publié postérieurement dans le volume Loco afán Crónicas de sidario (Santiago, LOM Ediciones) en 1996.
- Ernesto Laclau, « Beyond emancipation », Emancipation(s), Londres, Verso, 1996
- Adrienne Rich, « Notes toward a Politics of Location », Women, Feminist Identity and Society in the 1980’s, Myriam Díaz-Diocaretz et Iris M. Zavala (dir.), Amsterdam / Philadelphie, J. Benjamins, 1985,
- Suely Rolnik, The Politics of Anthropophagy in the Transnational Drift, dans Where to Sit at the Dinner Table, Pedro Neves Marques (éd.), Berlin / Cologne, Archive Book / Akademie der Kunst der Welt, 2014

Objectifs pédagogiques :
A partir des années 50, des artistes s’immiscent dans le modèle éducatif conventionnel et coercitif. Le Black Mountain College et la Freie Internationale Universität (Joseph Beuys et l’écrivain Heinrich Böll) constituent deux lieux de transformation, qui posent les bases d'une éducation moins spécialisée et plus démocratique, à partir de l'expérience artistique.
Les sept conférences-performances sont axées sur ces deux foyers (HEARTH).

Contenu :
Abordant de façon approfondie l’œuvre de Joseph Beuys, on s'intéresse à une phase importante quoique peu commentée : son lien privilégié à l'Irlande (1974-1977). A partir de recherches effectuées aux sources, d’enquêtes et de témoignages souvent inédits, on souligne comment ce contexte linguistique, culturel et politique, impulse des formes et une pensée nouvelles, autant dans l'art (exposition The secret block for a secret person in Ireland ; tableaux noirs ; formes de la parole publique ; actes ; objets), que dans l'éducation (fondation et élaboration des concepts de la Free International University à Dublin, débouchant sur les « cents jours » de la Documenta VI).
L’art, exempla d’investigation, devient aussi révélateur de formes inédites traduites politiquement et pédagogiquement. Le principe de « conférence permanente » est l’occasion du parallèle avec l’Institut de Création permanente de Robert Filliou.
Dans l’enseignement artistique, la transmission, qui s’appuie sur l’expérience, impose souvent des questionnements formels intrinsèques (mode de discours ; forme de la parole parfois performative ; expérimentations visuelles ou poétiques ; partages des savoirs selon le medium). La pensée relève aussi d’un champ morphique. A partir des écrits du philosophe John Dewey (Chicago), puis de l’aventure du Bauhaus, le Black Mountain College, fondé par un pédagogue (J. Rice), un ingénieur (Th. Dreier) et un artiste (J. Albers), met en œuvre ces notions. C'est lors des 'universités d'été' conçues par Josef Albers, poursuivies par le poète Charles Olson, que s’inventent collectivement ces actes et enactments. Dont le premier happening en 1952.
L'art et son double se réfère au Théâtre et son double d'Antonin Artaud. 'Car si le théâtre double la vie, la vie double le vrai théâtre', écrit celui qui dès les années 30, pose les jalons de tels enjeux. Artaud influence les protagonistes de Black Mountain. Il est par ailleurs une présence fantomatique à Dublin, où il s’était rendu pour des motifs culturels, « archéologiques » et mythologiques similaires à ceux de Beuys. C’est l’occasion de montrer comment les arts poétiques alimentent ces pratiques interdisciplinaires, avec pour Joseph Beuys le rôle d’Ulysses et de Finnegans Wake (James Joyce).

Au premier semestre. Première séance vendredi 19 octobre 14h.

Mode d'évaluation :
présence active en séance

Bibliographie :
catalogues et ouvrages sur Joseph Beuys + Dossier Joseph Beuys, revue Opus Inrternational n°131.
Ouvrages et catalogues sur le Black Mountain College.
Oeuvres de James Joyce ; Oeuvres d'Antonin Artaud.

Support de cours :
conférences avec projections iconographiques, filmiques et sonores. Lectures

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche ACTH, formé par des jeunes artistes diplômés et des doctorants en théorie de l’histoire des arts. Il se propose de développer un travail autour des relations entre certains aspects de l’art contemporain et les « régimes d’historicité » qu’ils mobilisent.

Contenu :
Le problème de forme en art

Le séminaire a traité les années précédentes de la représentation de la violence et a porté son attention sur la dynamique réflexive de l’oscillation entre action violente et contemplation. Le séminaire de l'année dernier sur la figure de Pulcinella et sa position paradoxale, terrestre et comique, toujours aux bords de la société, nous a permis d'aborder le langage de ce masque par la notion freudienne de 'forme régressive'.
L'expérience cognitive du langage et des images est un travail d'élaboration, au sens de la transformation que se produit en nous quand nous formulons ou nous écoutons un récit, quand nous produisons ou nous observons une image. Dans ce moment de trans-laboration, de mise en œuvre complexe d'autres domaines — notamment ceux de la mémoire et de l'expérience antérieure — le langage se construit selon de schémas que nous maitrisons, mais il est aussi le lieu de l'écart, de la différence et de la singularité. On a vu comment la figure de Pulcinella opère de manière créative par un langage qui s'absente, qui s'ignore et qui formule autrement. 'Régresser' est ici une activité de remise en question, de libre association, d'accident inédit, porteur de nouvelles possibilités du langage.
Le séminaire se propose cette année d'explorer un aspect essentiel de l'élaboration et de la régression créative à l'œuvre dans tout invention expressive. Il s'agit de regarder de plus prêt le lien entre écart, absence du langage et ce que les artistes ont appelé le problème de la forme.
On reviendra sur ce que la langue allemande appelle 'die Gestalt', la chose qui se donne à voir pour ce qu’elle est, dans le sens où elle est régie par un ordre, une règle interne qui la rende organique pour celui qui l'observe. Quand est-ce que cet ordre est perçu comme créatif, c'est-a-dire, quand est-ce qu'il est nouveau, inédit? Quel est le rôle d'une culture et de son langage sédimenté dans la production d'une forme inédite? Comment se manifeste l'écart, que-est ce que c'est sa singularité, quel rôle accorder à son incompréhension?
L'horizon de la culture, le biotope à partir duquel nous apercevons les choses a été essentiel dans l'histoire de l'art et a permis à tout artiste de penser les objets et les idées comme des choses organisées selon un ordre nouveau, selon une logique qui est reconnaissable comme différente de nous et tout ce que nous connaissons. Peut l'art être une invention de forme si elle ne se réfère plus à une culture donnée, s'il elle ne travaille plus comme le pensaient les artiste du vingtième siècle, Klee ou Malevich par exemple, à partir de sa propre histoire?
L'élaboration semblerait perdre d'importance dans notre société mondialisée et nous avons pu l'observer dans beaucoup d'évolutions artistiques qui ne s'occupent plus du problème de la forme, qui ne travaillent pas à ce qui est inédit et ont souvent abandonné la dimension de travail de la perception du spectateur. Qu'est-ce que c'est le problème de la forme si on ne peut plus penser l'écart? Est-ce que le rôle de l'art a déjà changé ?

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- AA., “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016.
- AA., Luciano Fabro, habiter l'autonomie, éd. ENBA Lyon, 2009.
- Luciano Fabro, L'art redevient l'art, éd. Imschoot, uitgevers, Gent 1990
- Paul Klee, cours du Bauhaus, Weimar 1921-1922 : contributions à la théorie de la forme picturale, sous la dir. de Margaret Pfenninger, F. Hazan, Paris 2004
- Kazimir Malevič, Le miroir suprématiste, tous les articles parus en russe de 1913 à 1928, avec des documents sur le suprématisme, trad. et annotés par Jean-Claude et Valentine Marcadé, éd. l'Age d'homme, Lausanne 1993
- Kazimir Malevič, La lumière et la couleur, textes de 1918 à 1926, trad. du russe par Jean-Claude Marcadé et Sylviane Siger, éd.l’Age d'homme, Lausanne 1993
- Giulio Paolini, Voix Off, éd. Editions W., Mâcon 1986
- Giulio Paolini, Statement, éd. Annemarie Verna, 1979
- Bernhard Rüdiger, “PPP paradoxe” et “L’œil de Sodome”, in Initiales PPP, Pier Paolo Pasolini N.7, éd. ENSBA Lyon, 2016.

Objectifs pédagogiques :
Créer un lieu et un temps, d'effervescence du savoir et des technologies spécifiques, de veille, de questionnement et d'accompagnement du travail de création à l'ère de la réalité numérique. En particulier étudier et s'emparer des incidences cognitives, esthétiques voir politiques, des accidents, des prolongements, des élargissements qui s'opèrent et aussi des rapports qui s'établissent entre digital et analogique dans l'art et le design.
Autrement dit, il sera question d'analyser et questionner les transformations que ces outils imposent à notre manière de vivre, de penser, de comprendre, de voir, de créer et de produire, et examiner comment ce nouveau paradigme est la source de formes qui en découlent et qui ouvrent de nouveaux champs d'expériences et de production.
Il sera aussi question de trouver des interlocuteurs/collaborateurs/prestataires/diffuseurs pour élaborer et accompagner les projets.

Contenu :
L’ARC sera l’occasion d’aborder ces questions transversales liés à l’utilisation des TICs.- Le travail, intellectuel et opérationnel, engagé, portera en particulier sur les nouvelles narrations, les transformations des modes d’accès au savoir, la “technomagie”, l'interactivité et ses enjeux, la désynchronisation, la convergence, l'Internet des objets, la réalité augmentée voire d'autres champs d'expérimentation déjà apparus et actifs ailleurs en art et en design. Certains projets développés dans ce cadre seront évalués dans les options avec les enseignants responsables.
- L’ARC a pour mode pédagogique la mise en commun et le partage des connaissances, des ressources et des réseaux ainsi que l'autonomie. Quel que soit leur statut (étudiants, enseignants, techniciens, collaborateurs extérieurs… ), chaque participant à l'ARC peut être acteur de cette mutualisation.
- Une fois par mois, les participants du Commons’Lab se réuniront pour une conférence avec des personnalités extérieures le matin et un atelier pratique l'après-midi. Cette série d’invitations permettra de questionner les pratiques actuelles, d’approfondir la veille des outils ou des champs opératoires et de rencontrer des partenaires potentiels. La partie pratique permettra l'expérimentation des outils et la mise en œuvre des projets.
La participation à l'ARC implique une contribution active aux enjeux du Commons’Lab, à la réflexion menée et à l'élaboration de ce qui en découle (activités, communication, actes, etc.).
Le Commons'Lab est un lieu associé où se mettent en œuvre les recherches, les expérimentations et les projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
Bibliographie indicative, d’autres ressources disponibles en ligne :

- Dieter Daniels, Barbara U. Schmidt (dir.), « Artists as Inventors », Ostfildern, Hatje Cantz, 2008
- Zygmunt Bauman, « Le présent liquide », Paris, Seuil, 2007 *
- Peter Lunefeld, « Snap to Grid, « A User's Guide to Digital Arts, Media, and Cultures », Cambridge, MIT Press, 2001*
- Olia Lialina et Dragan Espenschied ( dir.), « Digital Folklore », Stuttgart, Merz Akademie, 2009 *
- Mathieu Triclot; « Philosophie des jeux vidéos », Zones, 2011
- Karen O'Rourke, « Walking and Mapping Artists as Cartographers », The MIT Press, 2013
- Jacob von Uexkûll, « Mondes animaux et monde humain », Pocket 2004
- Anthony Dunne, Hertzian Tales, « Electronic products, aesthetic experience, and critical design », Cambridge, MIT Press, 2005
- Bruce Sterling, « Objets bavards », FYP, 2009
- Frédéric Kaplan, « La métamorphose des objets », FYP, 2009
- Clarisse Herrenschmidt, « Les trois écritures », Gallimard, 2007

- Exposition « Design and the elastic mind », MoMA, NY, 2008
http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2008/elasticmind/index.html
- Exposition « Talk to me », 2011, MoMA, NY
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1080

- Revue OPEN, n° 11, « Hybrid Space, how wireless media mobilize public space », Rotterdam, NAi Publishers, 2006 *
- Revue POLI, n° 3, « Le spectacle de l'écologie », Paris, 2010

http://www.internetactu.net/tag/internet-des-objets/
http://www.pachube.com/
http://www.arduino.cc/

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.
Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
'Que vaudrait la théorie si elle ne servait aussi à inventer la pratique ?'
Pris au sens d’un projet inachevé, celui de la modernité, la post-performance questionne l’âge du « post-médium » en ce début de 21e siècle, entre succession chronologique, postérité ou filiation historique, réemploi (de formes abstraites de leurs contenus) et rupture (comme changement de paradigme ou d’époque).
Apparue à la croisée de la philosophie analytique anglo-saxonne du langage et des champs de l’art et du spectacle, liée à des pratiques de langage, à des actions et à une rupture par rapport à un certain mode de représentation opérée au milieu des années 50, la notion de performance est polysémique. Il s’agira de questionner ce nom, ce qu’il recouvre, et l’évolution de pratiques liées à son usage.
Comment cet art de la performance évolue-t-il et comment évoluera-t-il dans les prochaines années, notamment avec les technologies numériques ? En quoi sommes-nous passés de sa dématérialisation à son « re-enactment »? Que se joue-t-il ici ?
On abordera également les problématiques liées à la trace de la performance, comme l’archivage (oral et vivant), le document, le film, l’objet scénique ou encore la photographie numérique.
Par ailleurs, la question du public comme forme, de l’audience à la fois destinataire et partie prenante (public captif) permettra de questionner une société du spectacle à l’heure du « spectateur émancipé ».

Contenu :
A partir de 8 axes de réflexion, le séminaire alternera les cours théoriques et les exercices pratiques.

1 - Body Politic: les nouveaux genres de la performance.
2 - Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
3 - Le public comme forme: audiomat et soap opéra: nouveaux scripts?
4 - Documenter/recréer: le même mais un autre.
5 - On stage /on line: HIc sed Nunc?
6 - Anarchives: spéculer sur le reste.
7 - Cineperformance.
8 - Espace public, question du commun.

Les Ana-Chroniques de la Post Performance : une autre histoire de la performance à l’âge du post médium (cours en amphi).

Les expériences pratiques en lien avec le programme de recherche Post Performance Future :
- rencontre et séminaire avec des artistes : Fabienne Audéoud, Bridget Gerland, Charlie jeffery
- participation à des projets :
Anniversaire des 40 ans de Beaubourg en février 2017

Les expériences croisées :
Passerelles avec le pôle édition avec conférences-débats.
Disputatio Quolibet : discussions à partir d’un sujet commun.
« Quartels » lectures en groupe inspirées des dispositifs lacaniens.
Utilisation des ateliers de sérigraphie et offset avec la participation d’invités extérieurs, conduisant à une réflexion sur les processus de monstration, de réception et de transmission.

Mode d'évaluation :
Fiche de présence et lectures.

Bibliographie :
Bibliographie complétée en cours :

- Conversation Marie de brugerolle, Marie Canet et Catherine Wood, « Mousse Magazine », 2014
- Anne Bénichou (dir.), « Ouvrir le document », Les presses du Réel, 2010
- « La Performance : entre archives et pratiques contemporaines », PUF de Rennes, Art et société, 2010
- Claire Bishop, « Artificial Hells », Verso, 2012
- Krauss Rolsalind, « Under Blue Cup », 2011

- Catalogues : Hors Limites « L'art et la vie », 1994, Mnam/Centre Pompidou, « The World as a stage », Tate Modern, 2007, « Ne pas jouer avec les choses mortes », Villa Arson, 2008, « Un théâtre sans théâtre », MACBA, 2009, « I was a male Yvonne De Carlo », Musac, Léon, 2011, « A Bigger Splash », Tate Modern, 2012...

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
La Station d’arts poétiques est un programme de recherche théorique et de création dirigé vers l’écriture poétique dans la diversité des formes qu’elle emprunte à l’heure actuelle.
Après une collaboration de plusieurs années avec l'ENS, puis avec le Département Écriture de l'ENSATT, ce programme a élargi celui de l'atelier d'arts poétiques dispensé au sein de l'Ensba Lyon, par des journées d'études abordant en profondeur la pratique et l'approche théorique d'un auteur invité. Un partenariat avec Faculté LESLA - Département des lettres de l'Université Lyon 2 est en cours d'élaboration.
Sont appréhendés et développés par les étudiants des travaux d’écriture, par-delà les genres littéraires institués ou qui l’ont été.
Les arts poétiques fédèrent ainsi une attitude de recherche pouvant avoir trait tout aussi bien au travail du vers, de la prose, de la poésie visuelle, du «docu-poème», du montage, de la performance poétique et sonore, des rapports texte/image : photo, vidéo, film, hypertexte, web (en incluant même la verbalisation restreinte), qu’à celui des formes dialoguées assimilant tout forte de récits, d’essais, et cela dans la diversité des langues et de leurs usages sociaux, du plurilinguisme à la textualisation des idiomes.
Une attention particulière est donnée à l’oralisation des pratiques textuelles.
En cela, il s’agit de faire interagir les pratiques poétiques et les réflexions sur la littérature avec les signes, codes et systèmes des arts plastiques contemporains.
Cette démarche s’inscrit de plus dans une histoire déjà longue des romantismes allemands et anglais jusqu’aux pratiques contemporaines en passant par les expériences du Black Mountain College, marqués par les croisements de genre et la nécessaire induction entre l’acte poétique et sa composante technique et théorique.

L’objectif à moyen terme — inspiré des écoles scandinaves, allemandes et suisses — serait d’accompagner des créateurs et chercheurs dans une réflexion et une connaissance des réseaux d’activité littéraire où la langue et les modes narratifs constituent des lieux d’investigation.
L’accent est mis sur les processus d’émergence individuels et collectifs qui ont trait au travail d’écriture : récurrence, conception, production, diffusion, ainsi que connaissance du champ littéraire et éditorial en France comme à l’étranger.
Parlante est une revue d'expérimentation tournée vers les arts poétiques, la parole, conçue par les étudiants de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, témoignant de l'extrême vivacité des formes et de leur hybridation (écriture, graphisme, performance, sculpture…). Une ouverture vers la très jeune création au plus près de son émergence. La revue est réalisée en option Design graphique, sous la direction d'Alexandre Balgiu.
Un projet mené par Patrick Beurard-Valdoye et Elsa Boyer.

Contenu :
Workshop de trois jours :
Anne Le trotter
en février (dates à confirmer)

Journées d'études :
Programme 2017 - 2018
15 novembre : Anne Portugal (en sa présence)
13 décembre : Thomas Clerc (en sa présence)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Ouvrages d' Anne Portugal et de Thomas Clerc.

Support de cours :
Journée d'études en présence de l'auteur, approche des textes de l'auteur, dialogue.

Objectifs pédagogiques :
Par un travail de réflexion commun, approfondir les questions liées au numérique en art et élaborer des projets en cohérence avec les enjeux contemporains d'une telle pratique.
Pour les étudiants en cycle recherche, l'objectif sera de poursuivre et d'approfondir leurs travaux en cours tout en s'inscrivant dans la dynamique commune de l'atelier.

Ce séminaire se déroulera dans les locaux du labo NRV de l'ENSBA/Les Subsistances.

Contenu :
Après un rappel historique des différents moments qui ont balisé les dernières décennies, il s'agira de :
- Connaître les artistes actuels qui privilégient le médium numérique sous toutes ses formes ou ceux qui font appel au numérique de manière singulière, conceptuellement ou techniquement.
- Repérer les œuvres ou les productions numériques signifiantes.
- Répertorier les lieux (institutions, galeries, festivals, site internet, etc.) qui présentent un intérêt pour le numérique ou qui affichent une spécialisation dans le domaine.
- Comprendre les réflexions contemporaines (théoriques, critiques, esthétiques...) liées aux pratiques et à la société numérique.
- S'inscrire par un projet dans ce contexte général en soulevant une problématique originale.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et présentation d'un projet élaboré durant l'année dans le cadre du séminaire.

Bibliographie :
BROWN (Paul), GERE (Charlie), LAMBERT (Nicholas) et MASON (Catherine) (Sous la dir. de), White Heat Cold Logic: British Computer Art 1960-1980, The MIT Press, coll. « Leonardo », Cambridge (MA)/Londres, 2008.
CERTEAU (Michel de), L'invention du quotidien : 1. arts de faire, Gallimard, coll. « Folio/essais », Paris, 1990.
COX (Geoff), Antithesis : The Dialectics of Software Art, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University, Danemark, 2010, http://www.anti-thesis.net/contents/thesis/antithesis.pdf
CRAMER (Florian), Words Made Flesh: Code, Culture, Imagination, Media Design Research, Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy Hogeschool Rotterdam, Rotterdam, 2005, http://www.netzliteratur.net/cramer/wordsmadefleshpdf.pdf
FULLER (Matthew) (Sous la dir. de), Software Studies: A Lexicon, The MIT Press, Cambridge (MA)/Londres, 2008, http://dm.ncl.ac.uk/courseblog/files/2010/02/softwarestudies.pdf
GORIUNOVA (Olga) et SHULGIN (Alexei) (Sous la dir. de), Read_Me. Software Art and Cultures, catalogue Read_Me 2004, University of Aarhus, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus, 2004.
HIMANEN (Pekka), L’éthique du hacker, Exils, Paris, 2001.
LIALINA (Olia) et ESPENSCHIED (Dragan) (Sous la dir. de), Digital Folklore, Merz et Solitude, Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung, Stuttgart, 2009.
MANSOUX (Aymeric) et VALK (Marloes de) (Sous la dir. de), FLOSS + ART, GOTO10, Poitiers, 2008.

(Bibliographie en cours)

Objectifs pédagogiques :
Il s'agira de développer une réflexion et une pratique singulières des images vidéo et cinématographiques dans le contexte de l’art contemporain ; d'enrichir un regard et un point de vue à la fois personnels et construits sur les images en mouvement, de leur conception à leur exposition.

Contenu :
Le studio sera basé sur des projections qui donneront lieu à des échanges collectifs.
Les films/rushes/pièces projetés seront proposés, selon les séances, aussi bien par la professeure que par les étudiant.e.s. Il pourra s’agir de tous types d’images : films dits classiques, films d’artistes, images anonymes ou d’amateurs.
Les étudiant.e.s sont amené.e.s à proposer leur rushes, leurs travaux en cours ou finalisés pour en discuter avec l’ensemble des participant.e.s du studio, pour tester des modes de présentation de leurs pièces, pour évoquer d’éventuels blocages dans le déroulement de leur travail.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- Bertrand Bacqué, Cyril Neyrat, Clara Schulmann et Véronique Terrier Hermann (dir.), « Jeux sérieux. Cinéma et art contemporains transforment l'essai », Mamco et Head Genève, Genève, 2015
- Christa Blümlinger, 'Cinéma de seconde main. Esthétique du remploi dans l'art du film et des nouveaux médias ', Klincksieck, Paris, 2013
- Erik Bullot, 'Sortir du cinéma', Mamco, Genève, 2013
- Aline Caillet, « Dispositifs critiques. Le documentaire, du cinéma aux arts visuels », PUR, 2014
- Michel Chion, « Un art sonore, le cinéma. Histoire, esthétique, poétique », Les cahiers du cinéma, Paris, 2003
- Jean-Louis Comolli, « Voir et pouvoir : cinéma, télévision, fiction, documentaire », Verdier, Paris, 2004
- Daniel Deshays, « Pour une écriture du son », Klincksieck, 2006
- Jean-Luc Godard, « Godard par Godard », Les cahiers du cinéma, Paris, 1998
- Siegfried Kracauer, « Théorie du film. La rédemption de la réalité matérielle », Flammarion, Paris, 2010 (1960 pour l'édition originale)
- Renate Lorenz, 'Art Queer', B42, Paris, 2018
- Anne Marquez, « Godard, le dos au musée. Histoire d'une exposition », Les Presses du Réel, Paris, 2014
- Edgar Morin, « Le cinéma ou l'homme imaginaire », Les Editions de minuit, Paris, 1956
- Walter Murch, « En un clin d'oeil », Capricci, 2011 (pour la traduction française)
- François Niney, « L’épreuve du réel à l’écran, essai sur le principe de réalité documentaire », De Boeck, Bruxelles, 2002
- Catherine Russel, 'Experimental Ethnography, the work of film in the age of video', Duke University Press Durham and London, 1999

Objectifs pédagogiques :
L’atelier s’adresse à un groupe d’étudiants concernés par l’écriture : ayant soit déjà une pratique qu’ils désirent approfondir et partager, soit un intérêt qui pourrait déboucher sur une pratique. Il peut aussi s’agir simplement de personnes curieuses de la « chose littéraire », qui ne peut être que stimulante en regard de leur pratique plastique.
L’enjeu pour les étudiants, outre le partage de savoirs, sera la mise en place d’un travail personnel d’écriture. Il sera lui aussi conçu comme une image qu’il s’agira de cristalliser — du dessein mental au « manuscrit », c’est-à-dire au texte dans sa succession et sa construction, et dans la diversité des formes possibles.

Contenu :
Une réflexion est menée sur la relation – parfois la tension – entre narration, forme et medium.
La discontinuité du narratif et l'hétérogénéité du récit, qui caractérisent souvent les arts poétiques, est objet d'attention, ainsi que le système de ponctuation adopté.
L’oralité - l'oralisation - a son importance, autant lorsque nous écoutons les enregistrements de lectures par leurs auteurs (archives historiques ou actualité), que lorsqu’il s’agit de transmettre son propre travail au groupe, et d’en discuter collectivement.
Dire son texte à haute voix, ou le performer, pose de nombreuses questions. Mais aussi lire le texte d'un tiers. Notre capacité à 'lire autrement', à inventer nos modes de lecture, nos rythmes singuliers et notre propre vitesse, tels que l'écriture artistique l'impose souvent, est au centre des préoccupations.
Dans un second temps, la spatialisation et la gestuelle contribuent aussi à l'existence du texte. Il peut être proposé aussi des expériences et « exercices » visant à produire une expression singulière à partir de la réalité environnante.

Il n’y a pas d’exclusivité de genres ou de médiums : prose, vers, récit, journal intime, poésie visuelle, etc. L’appellation d’ « arts poétiques » prend son sens. Elle inclut l'écriture du roman ou en théâtre, dès lors qu'il n'y a pas « forme morte » comme disait Claude Simon.
La recherche de la singularité – dans un souci d’authenticité – est un critère principal.

Mode d'évaluation :
Evaluation à partir de la « production » et de la présence active de l'étudiant par les deux professeurs.

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et analyser des oeuvres littéraires et des stratégies d'écriture (narratives, poétiques, expérimentales) susceptibles de nourrir la pratique des étudiants.

Contenu :
Ce studio interroge les pratiques d'écriture en les expérimentant, avec un premier temps consacré à la lecture de textes et un second à l'échauffement écrit.
L'axe du studio sera double. Il s'agit, d'une part, de voir ce que la littérature peut produire face aux récits du marketing, des politiques, à tout ce que nous publions sur les réseaux sociaux, en mobilisant les pratiques de la réappropriation, du détournement, du pick up, du cut up, du cut out. D'autre part, il s'agit d'interroger la langue, la grammaire et la syntaxe comme autant de structures de pouvoir ; ces dernières n'étant pas un moyen neutre à notre disposition pour exprimer des états, idées, sentiments, mais plutôt un cadre qui détermine nos manières de percevoir et de ressentir.
Pour explorer ces deux axes, nous mobiliserons aussi bien des textes littéraires que des matériaux non littéraires.

Les étudiants qui suivent le studio sont également invités à présenter un ou des textes (littéraires ou non) à partir desquels ils souhaiteraient expérimenter un échauffement écrit collectif.

Mode d'évaluation :
L'évaluation portera sur une présence régulière, une participation orale (qui peut présenter un travail d'écriture en cours, une expérience de lecture) et une participations aux échauffements d'écriture.

Bibliographie :
La bibliographie sera complétée lors des séances.
Maurice Grevisse ; Anne Portugal ; Emmanuel Hocquard ; Gertrude Stein ; David Foster Wallace ; Ann James Chaton ; Charles Reznikoff ; Elfriede Jelinek, Bruno Schulz ; Christophe Tarkos ; Céline Minard ; Kathy Acker

Support de cours :
Textes et images projetés en cours à partir d'un ordinateur ; textes photocopiés.

Objectifs pédagogiques :
Apprendre à installer son travail dans un espace d'exposition, prendre l'espace à bras le corps. Apprendre à regarder, décrire et analyser ses gestes et ses formes. Apprendre à photographier son travail.

Contenu :
Chaque semaine, les étudiants de 4e et 5e année art, se retrouvent pendant un après-midi dans la salle d'accrochage, afin de sortir les travaux de l'atelier et de les regarder dans un potentiel espace d'exposition. Ce sont des accrochages individuels et collectifs. La parole est autant donnée aux professeurs qu'aux étudiants présents. Il s'agit d'un temps collectuf de regard et d'analyse. Les formes à regarder sont manipulées, afin de rendre ce moment très concret. Il va de soi que tous les médiums sont concernés : vidéo, sculpture, peinture, performance... L'accrochage ici n'est pas considéré comme une fin en soi ; il fait encore partie du processus de travail. Nous ne sommes pas encore dans l'exposition mais à son seuil !

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Paul Thek, Phyllida Barlow, Jessica Stockholder, Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, Guy De Cointet, Henri Moore...

Objectifs pédagogiques :
Lens Art permet, en un seul nom, de rassembler des pratiques très variées autour de la notion d' 'imageur'. Par imageur, on peut entendre appareil photographique, caméra vidéo, caméra S8, scanner, images collectées, archives récupérées ou construites, ainsi que diverses techniques d'impression.
http://studio-photographie.blogspot.fr/
Le studio est construit autour de discussions sur des thèmes spécifiques (voir bibliographie) et surtout autour des travaux proposés. Il s'agit de pousser au maximum l'achèvement des travaux.

Contenu :
Un blog dédié à l'actualité de la recherche photographique ainsi que des enjeux théoriques permet d'ouvrir le débat sur des questions historiques ou liées à des pratiques contemporaines, mais aussi sur les enjeux propres de cet outil qui peuvent dépasser et recouvrir le champ de l'art contemporain (sociologie, ethnologie). Analyse des mutations technologiques opérées depuis une dizaine d'année.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Clément Chéroux, « Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique », « Diplopie, l'image photographie à l'ère des medias globalisés »
- Michael Fried, « La place du spectateur », « Why photography matters as art as never before »
- Michel Poivert, « L'image au service de la révolution », « La photographie contemporaine »
- Rosalind Krauss, « Le photographique, pour une théorie des écarts »
- André Gunthert, « La fabrique des images contemporaines »
- Jeff Wall, « Essais et entretiens »
- Geoffrey Batchen, « Suspending time », « Snapshot, l'histoire de l'art et le tournant ethnographique »
- Olivier Lugon, « Le style documentaire », « Avant la 'forme tableau' » (le grand format dans l'exposition « signs of life »)
- Martin Parr, « Le documentaire conceptuel »

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le studio s'intitule « Modèle – Archétype – Style ».
Le studio est mené conjointement par Armando Andrade Tudela et Nicolas Chardon

L'objectif du studio est de considérer au même titre que les matériaux et les techniques les conditions extérieures d’émergence de l’œuvre d’art.
Le contexte de tout travail est celui que l’artiste produit.

Contenu :
Le studio Modèle – Archétype – Style s’organise en séances de réflexion à partir d’un ouvrage, d’une œuvre ou d’un lieu. Les débats conduisent à intégrer par exemple la généalogie ou la topologie dans l’analyse des œuvres, pour mieux inventer sa propre position.
Une forme publique (fanzine, site internet, exposition) est à construire.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Permettre à l'étudiant de concrétiser et finaliser les éléments issus de la recherche et du développement du projet ou du travail.

Contenu :
Le terme de production vient ici qualifier le travail d'atelier en phase projet et, dans un registre un peu différent, en phase préparatoire du diplôme DNAT.
On peut raisonnablement considérer que dans le cadre d'un projet personnel pleinement orienté du côté d'une activité de recherche, la finesse de la réflexion sur l'économie générale du travail et sa faisabilité d'une part, et, d'autre part,
l'ajustement du niveau de 'l'agir' dans la complémentarité au 'faire', pour la concrétisation des travaux, pièces et objets, conduisent l'étudiant à 'produire' les signes tangibles et manifestes de son projet.
Production donc, tant dans son acception de 'production de l'esprit', au double sens littéral et ici très adapté de 'génération' et de 'formation', que dans son acception de 'production d'objet' tel que tableau, film, etc.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Entretiens individuels et semi-collectifs en atelier.

Objectifs pédagogiques :
Expérimentation dans le domaine du son, de la musique et de la mise en situation des réalisations.

Contenu :
Usages du son au croisement des champs de la musique, des arts visuels et de l'ingénierie sonore ; acquisition des connaissances et compétences liées à la production et à la diffusion des sons ; études particulières liées à l'écoute de la voix parlée ou chantée, dans le cadre de l'interprétation en direct et de la radiophonie. L'essentiel est articulé autour de la production sonore des étudiants. Toutes les propositions sonores sont acceptées (vidéos, installations, improvisations, scène, etc.).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
http://michelchion.com/
http://firstsounds.org/
http://filmsound.org/
http://www.radiofrance.fr/

Support de cours :
http://gillesgrand.free.fr/
http://art45.ensba-lyon.fr/art/art.html

Objectifs pédagogiques :
Le studio s’organise autour du travail en atelier et des productions plastiques des étudiants. L'atelier est à voir comme une continuation du travail théorique et pratique mis en place l'année dernière dans le studio Forme et Construction. La production individuelle de l'étudiant sera discutée collectivement pendant la phase de réalisation en atelier dans le but d'élargir l’éventail des gestes techniques et de créer un lien avec l’analyse théorique et les connaissances dans le domaine de l'art contemporain.

Contenu :
Tout artiste travaille à partir d’un dialogue collectif, d’un savoir-faire et de connaissances partagées. On peut parler de ce partage comme d’une interlocution, telle que Hans Georg Gadamer l’a pensée dans les années 1960 autour de l’objet qui se trouve au centre de la discussion.(Gadamer, Vérité et Méthode éd.fr. 1994) Il remet en doute la notion de vérité objective fondée sur l’expérimentation propre à la science moderne. Pour cela, il remonte aux pères de la chrétienté et à une tout autre idée de vérité, pour montrer que la vérité n’est pas l’objet qui est vérifié et mesuré, mais serait plutôt l’objet qui surgit au moment de la discussion même. Dans un certain sens, la vérité est pour Gadamer dans la relativité de la discussion. Cette approche dit quelque chose de précis pour toutes les formes de recherche, mais elle attribue une place centrale au point de vue subjectif et à la possibilité dialectique de la rencontre entre différentes subjectivités. Le dialogue entre artistes et la définition intersubjective des problématiques sont une forme d’interlocution. Celle-ci tient compte des approches singulières, tout en développant un objet commun en continuelle évolution.

Le studio se concentre sur vos productions plastiques. Selon un calendrier établi à l’avance, chacun va présenter une ou plusieurs productions en cours. Il s'agit de regarder avec attention les gestes de vos productions et de les confronter aux acquis théoriques. Placer un geste, trouver une solution technique sont des actions qui présupposent une distanciation : pourquoi faire et dans quel but. C’est le début de la discussion.
Toute action plastique met en place une approche théorique. Le studio veut porter une attention particulière à cette relation complexe entre la connaissance matérielle, qui est en grande partie automatique et inconsciente, et le travail de verbalisation et de mise en perspective collective, donc historique et théorique du travail. Cette approche veut mettre en évidence la relation spécifique qui se crée entre ce qu'on appelle la forme et la notion de temps dans une perspective collective et donc historique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- B.Rüdiger, “Le temps de la recherche en art”, in Hermès 2015/2 N.72 L’artiste, un chercheur pas comme les autres, C.N.R.S. éditions, Paris 2015.
- E.Parendeau, B.Rüdiger, B.Seror, 'L'interlocution en art' et B.Rüdiger, in Culture et recherche N.130, éd. du Ministère de la Culture et de la Communication.
- Bernhard Rüdiger, « Neuf Rêves écrits sur l'art ; un caprice », Au même titre, Paris et Hopefulmonster, Torino, 2001
- Bernhard Rüdiger, conversation avec Pascal Beausse, « Manhattan Walk : faire un pas de côté, l’histoire, le document, l’icône et l’artiste comme non-reporter », [EUX] Lyon, 2005

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
- confronter l'étudiant à la réalité de parcours professionnels spécifiques dans une logique de désintimidation
- montrer la diversité et multiplicité des économies et des modèles
- dresser une cartographie des acteurs du monde de l'art, mais aussi des positions idéologiques et culturelles

Contenu :
Une journée avec un.e invité.e : écrivain.e, architecte, galeriste, collectionneur.euse, artiste, commissaire, journaliste, producteur.trice, etc. en privilégiant des positions originales et des parcours singuliers dans le champ de l'art et en dehors. L'idée est de proposer une rencontre informelle qui provoque questions et débat, puis, en fonction de l'invité, un mini workshop spécifique ou des rencontres en public avec des travaux d'étudiants

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Partant de l'idée que l’art est un champ de pratiques multiples, irrésolues et problématiques, l'objectif de ce cours est d'en discuter certains enjeux contemporains par tous les biais : expositions, œuvres, figures d'artistes, controverses, structures, idéologies, à travers grands sujets et anecdotes. Plus que de partager du savoir, il s'agit de porter un regard critique, voire moral sur l'art, qui peut aussi s'appliquer à vos pratiques personnelles. Par exemple, poser les questions du 'quoi' et du 'comment', mais aussi du 'pourquoi' produire. A travers des exemples pratiques pris dans l'histoire et dans l'actualité, on abordera les réalités de l’art, avec ses limites, ses contradictions, ses stratégies mais aussi ses utopies, ses idéaux, ses positions admirables, dans un mélange d'amour et d'exigence, de curiosité et de sévérité.

Contenu :
Le cours prend la forme d’un magazine thématique 'live' avec différentes rubriques récurrentes : nécrologie, livre, exposition, chroniques d'invités extérieurs, visite d'atelier billets d'humeur et dossier thématique. Cette forme permet d'aborder des sujets très divers tout en tachant de garder, à chaque numéro une ligne thématique plus ou moins sérendipitique ('Ecosystèmes de l'art', 'Etats d'urgence', 'Halls of Fame', etc.).

Mode d'évaluation :
A définir.

Support de cours :
Films, images, sons, rendez-vous skype, etc.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- L. Clandsfield, « Global English (Upper Intermediate, Advanced) », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- J. Berger, « About Looking », Vintage International

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Prélude à la musique privilégiant l'écoute et le dialogue.

Contenu :
Ecoute d'oeuvres musicales historiques ou récentes. Les œuvres sont diffusées dans leur entièreté (elles sont brèves, moins d'un quart d'heure) et de manière répétée (deux ou trois fois). Après chaque écoute, une discussion ouverte permet un échange sur cette audition, le partage des savoirs et la mise en perspective avec les champs de la création et des arts visuels. Aucune connaissance musicale préalable n'est requise.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
http://www.inagrm.com/accueil/collections/portraits-polychromes
http://www.ircam.fr/270.html? et tx_ircamboutique_pi1%5BshowUid%5D=41 et cHash=af12f57aef940c21ace7dd55a07388f2

Support de cours :
http://art45.ensba-lyon.fr/0_art/GG/

Contenu :
Queeriser
Communautés, identités et globalisation

Je propose de penser dans ce cours la manière dont des êtres jusque-là privés des outils de la représentation se sont emparés des technologies de visualisation afin de produire des énonciations contestataires et solidaires. L’enjeu est la production de savoirs partagés créés depuis les marges linguistiques, sexuelles, biologiques et géographiques de l’histoire. Là, dans ces moments de contact, par hacking ou métissage, la réarticulation performative et identitaire du contexte permet d’imaginer que, dans les interstices de la globalisation, il y a des inflexions venues du bas et d’ailleurs, personnelles ou communautaires qui, de la particularité de leurs positions, viennent perturber les arrangements conceptuels préétablis et déranger les organisations habituelles. Mieux, que ces inflexions nous laissent imaginer que dans la réunion des particularités et dans la construction opportune de ces communautés peut s’écrire un vocabulaire nouveau, plus queer, à l’ère de la globalisation.

Mode d'évaluation :
Travail à rendre en fin de semestre.

Bibliographie :
Bibliographie
sélection
- Perry Anderson, The Origins of Postmodernity, Londres / New York, Verso, 1998
- Benedict Anderson, Imagined Communities : Reflections on the Origin and Spread of Nationalism, Londres, Verso, 1983
- Karen Barad, « Intra-actions », interview menée par Adam Kleinmann, Mousse Magazine, no 34, 2012
- Karen Barad, « Nature’s Queer Performativity », Women, Gender and Research, numéro spécial « Feminist materialisms », 2001
- Partha Chatterjee, « Whose Imagined Community ? », Mapping the Nation, Gopal Balakrishnan (dir.), Londres, Verso, 2012
- Beatriz Colomina, « X-Ray Architecture : Illness as Metaphor », Positions, No. 0, Positioning Positions, automne 2008
- Donna Haraway, Manifeste cyborg et autres essais : sciences, fictions, féminismes, anthologie établie par Laurence Allard, Delphine Gardey et Nathalie Magnan, Paris, Exils, « Essais », 2007
- Pedro Lemebel, Hablo por mi diferencia, publié postérieurement dans le volume Loco afán Crónicas de sidario (Santiago, LOM Ediciones) en 1996.
- Ernesto Laclau, « Beyond emancipation », Emancipation(s), Londres, Verso, 1996
- Adrienne Rich, « Notes toward a Politics of Location », Women, Feminist Identity and Society in the 1980’s, Myriam Díaz-Diocaretz et Iris M. Zavala (dir.), Amsterdam / Philadelphie, J. Benjamins, 1985,
- Suely Rolnik, The Politics of Anthropophagy in the Transnational Drift, dans Where to Sit at the Dinner Table, Pedro Neves Marques (éd.), Berlin / Cologne, Archive Book / Akademie der Kunst der Welt, 2014

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche ACTH, formé par des jeunes artistes diplômés et des doctorants en théorie de l’histoire des arts. Il se propose de développer un travail autour des relations entre certains aspects de l’art contemporain et les « régimes d’historicité » qu’ils mobilisent.

Contenu :
Le problème de forme en art

Le séminaire a traité les années précédentes de la représentation de la violence et a porté son attention sur la dynamique réflexive de l’oscillation entre action violente et contemplation. Le séminaire de l'année dernier sur la figure de Pulcinella et sa position paradoxale, terrestre et comique, toujours aux bords de la société, nous a permis d'aborder le langage de ce masque par la notion freudienne de 'forme régressive'.
L'expérience cognitive du langage et des images est un travail d'élaboration, au sens de la transformation que se produit en nous quand nous formulons ou nous écoutons un récit, quand nous produisons ou nous observons une image. Dans ce moment de trans-laboration, de mise en œuvre complexe d'autres domaines — notamment ceux de la mémoire et de l'expérience antérieure — le langage se construit selon de schémas que nous maitrisons, mais il est aussi le lieu de l'écart, de la différence et de la singularité. On a vu comment la figure de Pulcinella opère de manière créative par un langage qui s'absente, qui s'ignore et qui formule autrement. 'Régresser' est ici une activité de remise en question, de libre association, d'accident inédit, porteur de nouvelles possibilités du langage.
Le séminaire se propose cette année d'explorer un aspect essentiel de l'élaboration et de la régression créative à l'œuvre dans tout invention expressive. Il s'agit de regarder de plus prêt le lien entre écart, absence du langage et ce que les artistes ont appelé le problème de la forme.
On reviendra sur ce que la langue allemande appelle 'die Gestalt', la chose qui se donne à voir pour ce qu’elle est, dans le sens où elle est régie par un ordre, une règle interne qui la rende organique pour celui qui l'observe. Quand est-ce que cet ordre est perçu comme créatif, c'est-a-dire, quand est-ce qu'il est nouveau, inédit? Quel est le rôle d'une culture et de son langage sédimenté dans la production d'une forme inédite? Comment se manifeste l'écart, que-est ce que c'est sa singularité, quel rôle accorder à son incompréhension?
L'horizon de la culture, le biotope à partir duquel nous apercevons les choses a été essentiel dans l'histoire de l'art et a permis à tout artiste de penser les objets et les idées comme des choses organisées selon un ordre nouveau, selon une logique qui est reconnaissable comme différente de nous et tout ce que nous connaissons. Peut l'art être une invention de forme si elle ne se réfère plus à une culture donnée, s'il elle ne travaille plus comme le pensaient les artiste du vingtième siècle, Klee ou Malevich par exemple, à partir de sa propre histoire?
L'élaboration semblerait perdre d'importance dans notre société mondialisée et nous avons pu l'observer dans beaucoup d'évolutions artistiques qui ne s'occupent plus du problème de la forme, qui ne travaillent pas à ce qui est inédit et ont souvent abandonné la dimension de travail de la perception du spectateur. Qu'est-ce que c'est le problème de la forme si on ne peut plus penser l'écart? Est-ce que le rôle de l'art a déjà changé ?

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- AA., “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016.
- AA., Luciano Fabro, habiter l'autonomie, éd. ENBA Lyon, 2009.
- Luciano Fabro, L'art redevient l'art, éd. Imschoot, uitgevers, Gent 1990
- Paul Klee, cours du Bauhaus, Weimar 1921-1922 : contributions à la théorie de la forme picturale, sous la dir. de Margaret Pfenninger, F. Hazan, Paris 2004
- Kazimir Malevič, Le miroir suprématiste, tous les articles parus en russe de 1913 à 1928, avec des documents sur le suprématisme, trad. et annotés par Jean-Claude et Valentine Marcadé, éd. l'Age d'homme, Lausanne 1993
- Kazimir Malevič, La lumière et la couleur, textes de 1918 à 1926, trad. du russe par Jean-Claude Marcadé et Sylviane Siger, éd.l’Age d'homme, Lausanne 1993
- Giulio Paolini, Voix Off, éd. Editions W., Mâcon 1986
- Giulio Paolini, Statement, éd. Annemarie Verna, 1979
- Bernhard Rüdiger, “PPP paradoxe” et “L’œil de Sodome”, in Initiales PPP, Pier Paolo Pasolini N.7, éd. ENSBA Lyon, 2016.

Objectifs pédagogiques :
Créer un lieu et un temps, d'effervescence du savoir et des technologies spécifiques, de veille, de questionnement et d'accompagnement du travail de création à l'ère de la réalité numérique. En particulier étudier et s'emparer des incidences cognitives, esthétiques voir politiques, des accidents, des prolongements, des élargissements qui s'opèrent et aussi des rapports qui s'établissent entre digital et analogique dans l'art et le design.
Autrement dit, il sera question d'analyser et questionner les transformations que ces outils imposent à notre manière de vivre, de penser, de comprendre, de voir, de créer et de produire, et examiner comment ce nouveau paradigme est la source de formes qui en découlent et qui ouvrent de nouveaux champs d'expériences et de production.
Il sera aussi question de trouver des interlocuteurs/collaborateurs/prestataires/diffuseurs pour élaborer et accompagner les projets.

Contenu :
L’ARC sera l’occasion d’aborder ces questions transversales liés à l’utilisation des TICs.- Le travail, intellectuel et opérationnel, engagé, portera en particulier sur les nouvelles narrations, les transformations des modes d’accès au savoir, la “technomagie”, l'interactivité et ses enjeux, la désynchronisation, la convergence, l'Internet des objets, la réalité augmentée voire d'autres champs d'expérimentation déjà apparus et actifs ailleurs en art et en design. Certains projets développés dans ce cadre seront évalués dans les options avec les enseignants responsables.
- L’ARC a pour mode pédagogique la mise en commun et le partage des connaissances, des ressources et des réseaux ainsi que l'autonomie. Quel que soit leur statut (étudiants, enseignants, techniciens, collaborateurs extérieurs… ), chaque participant à l'ARC peut être acteur de cette mutualisation.
- Une fois par mois, les participants du Commons’Lab se réuniront pour une conférence avec des personnalités extérieures le matin et un atelier pratique l'après-midi. Cette série d’invitations permettra de questionner les pratiques actuelles, d’approfondir la veille des outils ou des champs opératoires et de rencontrer des partenaires potentiels. La partie pratique permettra l'expérimentation des outils et la mise en œuvre des projets.
La participation à l'ARC implique une contribution active aux enjeux du Commons’Lab, à la réflexion menée et à l'élaboration de ce qui en découle (activités, communication, actes, etc.).
Le Commons'Lab est un lieu associé où se mettent en œuvre les recherches, les expérimentations et les projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
Bibliographie indicative, d’autres ressources disponibles en ligne :

- Dieter Daniels, Barbara U. Schmidt (dir.), « Artists as Inventors », Ostfildern, Hatje Cantz, 2008
- Zygmunt Bauman, « Le présent liquide », Paris, Seuil, 2007 *
- Peter Lunefeld, « Snap to Grid, « A User's Guide to Digital Arts, Media, and Cultures », Cambridge, MIT Press, 2001*
- Olia Lialina et Dragan Espenschied ( dir.), « Digital Folklore », Stuttgart, Merz Akademie, 2009 *
- Mathieu Triclot; « Philosophie des jeux vidéos », Zones, 2011
- Karen O'Rourke, « Walking and Mapping Artists as Cartographers », The MIT Press, 2013
- Jacob von Uexkûll, « Mondes animaux et monde humain », Pocket 2004
- Anthony Dunne, Hertzian Tales, « Electronic products, aesthetic experience, and critical design », Cambridge, MIT Press, 2005
- Bruce Sterling, « Objets bavards », FYP, 2009
- Frédéric Kaplan, « La métamorphose des objets », FYP, 2009
- Clarisse Herrenschmidt, « Les trois écritures », Gallimard, 2007

- Exposition « Design and the elastic mind », MoMA, NY, 2008
http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2008/elasticmind/index.html
- Exposition « Talk to me », 2011, MoMA, NY
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1080

- Revue OPEN, n° 11, « Hybrid Space, how wireless media mobilize public space », Rotterdam, NAi Publishers, 2006 *
- Revue POLI, n° 3, « Le spectacle de l'écologie », Paris, 2010

http://www.internetactu.net/tag/internet-des-objets/
http://www.pachube.com/
http://www.arduino.cc/

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.
Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
'Que vaudrait la théorie si elle ne servait aussi à inventer la pratique ?'
Pris au sens d’un projet inachevé, celui de la modernité, la post-performance questionne l’âge du « post-médium » en ce début de 21e siècle, entre succession chronologique, postérité ou filiation historique, réemploi (de formes abstraites de leurs contenus) et rupture (comme changement de paradigme ou d’époque).
Apparue à la croisée de la philosophie analytique anglo-saxonne du langage et des champs de l’art et du spectacle, liée à des pratiques de langage, à des actions et à une rupture par rapport à un certain mode de représentation opérée au milieu des années 50, la notion de performance est polysémique. Il s’agira de questionner ce nom, ce qu’il recouvre, et l’évolution de pratiques liées à son usage.
Comment cet art de la performance évolue-t-il et comment évoluera-t-il dans les prochaines années, notamment avec les technologies numériques ? En quoi sommes-nous passés de sa dématérialisation à son « re-enactment »? Que se joue-t-il ici ?
On abordera également les problématiques liées à la trace de la performance, comme l’archivage (oral et vivant), le document, le film, l’objet scénique ou encore la photographie numérique.
Par ailleurs, la question du public comme forme, de l’audience à la fois destinataire et partie prenante (public captif) permettra de questionner une société du spectacle à l’heure du « spectateur émancipé ».

Contenu :
A partir de 8 axes de réflexion, le séminaire alternera les cours théoriques et les exercices pratiques.

1 - Body Politic: les nouveaux genres de la performance.
2 - Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
3 - Le public comme forme: audiomat et soap opéra: nouveaux scripts?
4 - Documenter/recréer: le même mais un autre.
5 - On stage /on line: HIc sed Nunc?
6 - Anarchives: spéculer sur le reste.
7 - Cineperformance.
8 - Espace public, question du commun.

Les Ana-Chroniques de la Post Performance : une autre histoire de la performance à l’âge du post médium (cours en amphi).

Les expériences pratiques en lien avec le programme de recherche Post Performance Future :
- rencontre et séminaire avec des artistes : Fabienne Audéoud, Bridget Gerland, Charlie jeffery
- participation à des projets :
Anniversaire des 40 ans de Beaubourg en février 2017

Les expériences croisées :
Passerelles avec le pôle édition avec conférences-débats.
Disputatio Quolibet : discussions à partir d’un sujet commun.
« Quartels » lectures en groupe inspirées des dispositifs lacaniens.
Utilisation des ateliers de sérigraphie et offset avec la participation d’invités extérieurs, conduisant à une réflexion sur les processus de monstration, de réception et de transmission.

Mode d'évaluation :
Fiche de présence et lectures.

Bibliographie :
Bibliographie complétée en cours :

- Conversation Marie de brugerolle, Marie Canet et Catherine Wood, « Mousse Magazine », 2014
- Anne Bénichou (dir.), « Ouvrir le document », Les presses du Réel, 2010
- « La Performance : entre archives et pratiques contemporaines », PUF de Rennes, Art et société, 2010
- Claire Bishop, « Artificial Hells », Verso, 2012
- Krauss Rolsalind, « Under Blue Cup », 2011

- Catalogues : Hors Limites « L'art et la vie », 1994, Mnam/Centre Pompidou, « The World as a stage », Tate Modern, 2007, « Ne pas jouer avec les choses mortes », Villa Arson, 2008, « Un théâtre sans théâtre », MACBA, 2009, « I was a male Yvonne De Carlo », Musac, Léon, 2011, « A Bigger Splash », Tate Modern, 2012...

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
La Station d’arts poétiques est un programme de recherche théorique et de création dirigé vers l’écriture poétique dans la diversité des formes qu’elle emprunte à l’heure actuelle.
Après une collaboration de plusieurs années avec l'ENS, puis avec le Département Écriture de l'ENSATT, ce programme a élargi celui de l'atelier d'arts poétiques dispensé au sein de l'Ensba Lyon, par des journées d'études abordant en profondeur la pratique et l'approche théorique d'un auteur invité. Un partenariat avec Faculté LESLA - Département des lettres de l'Université Lyon 2 est en cours d'élaboration.
Sont appréhendés et développés par les étudiants des travaux d’écriture, par-delà les genres littéraires institués ou qui l’ont été.
Les arts poétiques fédèrent ainsi une attitude de recherche pouvant avoir trait tout aussi bien au travail du vers, de la prose, de la poésie visuelle, du «docu-poème», du montage, de la performance poétique et sonore, des rapports texte/image : photo, vidéo, film, hypertexte, web (en incluant même la verbalisation restreinte), qu’à celui des formes dialoguées assimilant tout forte de récits, d’essais, et cela dans la diversité des langues et de leurs usages sociaux, du plurilinguisme à la textualisation des idiomes.
Une attention particulière est donnée à l’oralisation des pratiques textuelles.
En cela, il s’agit de faire interagir les pratiques poétiques et les réflexions sur la littérature avec les signes, codes et systèmes des arts plastiques contemporains.
Cette démarche s’inscrit de plus dans une histoire déjà longue des romantismes allemands et anglais jusqu’aux pratiques contemporaines en passant par les expériences du Black Mountain College, marqués par les croisements de genre et la nécessaire induction entre l’acte poétique et sa composante technique et théorique.

L’objectif à moyen terme — inspiré des écoles scandinaves, allemandes et suisses — serait d’accompagner des créateurs et chercheurs dans une réflexion et une connaissance des réseaux d’activité littéraire où la langue et les modes narratifs constituent des lieux d’investigation.
L’accent est mis sur les processus d’émergence individuels et collectifs qui ont trait au travail d’écriture : récurrence, conception, production, diffusion, ainsi que connaissance du champ littéraire et éditorial en France comme à l’étranger.
Parlante est une revue d'expérimentation tournée vers les arts poétiques, la parole, conçue par les étudiants de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, témoignant de l'extrême vivacité des formes et de leur hybridation (écriture, graphisme, performance, sculpture…). Une ouverture vers la très jeune création au plus près de son émergence. La revue est réalisée en option Design graphique, sous la direction d'Alexandre Balgiu.
Un projet mené par Patrick Beurard-Valdoye et Elsa Boyer.

Contenu :
Workshop de trois jours :
Anne Le trotter
en février (dates à confirmer)

Journées d'études :
Programme 2017 - 2018
15 novembre : Anne Portugal (en sa présence)
13 décembre : Thomas Clerc (en sa présence)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Ouvrages d'Anne Portugal et Thomas Clerc

Support de cours :
Journée d'études en présence de l'auteur, approche des textes de l'auteur, dialogue.

Objectifs pédagogiques :
Par un travail de réflexion commun, approfondir les questions liées au numérique en art et élaborer des projets en cohérence avec les enjeux contemporains d'une telle pratique.
Pour les étudiants en cycle recherche, l'objectif sera de poursuivre et d'approfondir leurs travaux en cours tout en s'inscrivant dans la dynamique commune de l'atelier.

Ce séminaire se déroulera dans les locaux du labo NRV de l'ENSBA/Les Subsistances.

Contenu :
Après un rappel historique des différents moments qui ont balisé les dernières décennies, il s'agira de :
- Connaître les artistes actuels qui privilégient le médium numérique sous toutes ses formes ou ceux qui font appel au numérique de manière singulière, conceptuellement ou techniquement.
- Repérer les œuvres ou les productions numériques signifiantes.
- Répertorier les lieux (institutions, galeries, festivals, site internet, etc.) qui présentent un intérêt pour le numérique ou qui affichent une spécialisation dans le domaine.
- Comprendre les réflexions contemporaines (théoriques, critiques, esthétiques...) liées aux pratiques et à la société numérique.
- S'inscrire par un projet dans ce contexte général en soulevant une problématique originale.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et présentation d'un projet élaboré durant l'année dans le cadre du séminaire.

Bibliographie :
BROWN (Paul), GERE (Charlie), LAMBERT (Nicholas) et MASON (Catherine) (Sous la dir. de), White Heat Cold Logic: British Computer Art 1960-1980, The MIT Press, coll. « Leonardo », Cambridge (MA)/Londres, 2008.
CERTEAU (Michel de), L'invention du quotidien : 1. arts de faire, Gallimard, coll. « Folio/essais », Paris, 1990.
COX (Geoff), Antithesis : The Dialectics of Software Art, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University, Danemark, 2010, http://www.anti-thesis.net/contents/thesis/antithesis.pdf
CRAMER (Florian), Words Made Flesh: Code, Culture, Imagination, Media Design Research, Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy Hogeschool Rotterdam, Rotterdam, 2005, http://www.netzliteratur.net/cramer/wordsmadefleshpdf.pdf
FULLER (Matthew) (Sous la dir. de), Software Studies: A Lexicon, The MIT Press, Cambridge (MA)/Londres, 2008, http://dm.ncl.ac.uk/courseblog/files/2010/02/softwarestudies.pdf
GORIUNOVA (Olga) et SHULGIN (Alexei) (Sous la dir. de), Read_Me. Software Art and Cultures, catalogue Read_Me 2004, University of Aarhus, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus, 2004.
HIMANEN (Pekka), L’éthique du hacker, Exils, Paris, 2001.
LIALINA (Olia) et ESPENSCHIED (Dragan) (Sous la dir. de), Digital Folklore, Merz et Solitude, Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung, Stuttgart, 2009.
MANSOUX (Aymeric) et VALK (Marloes de) (Sous la dir. de), FLOSS + ART, GOTO10, Poitiers, 2008.

(Bibliographie en cours)

Objectifs pédagogiques :
Il s'agira de développer une réflexion et une pratique singulières des images vidéo et cinématographiques dans le contexte de l’art contemporain ; d'enrichir un regard et un point de vue à la fois personnels et construits sur les images en mouvement, de leur conception à leur exposition.

Contenu :
Le studio sera basé sur des projections qui donneront lieu à des échanges collectifs.
Les films/rushes/pièces projetés seront proposés, selon les séances, aussi bien par la professeure que par les étudiant.e.s. Il pourra s’agir de tous types d’images : films dits classiques, films d’artistes, images anonymes ou d’amateurs.
Les étudiant.e.s sont amené.e.s à proposer leur rushes, leurs travaux en cours ou finalisés pour en discuter avec l’ensemble des participant.e.s du studio, pour tester des modes de présentation de leurs pièces, pour évoquer d’éventuels blocages dans le déroulement de leur travail.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- Bertrand Bacqué, Cyril Neyrat, Clara Schulmann et Véronique Terrier Hermann (dir.), « Jeux sérieux. Cinéma et art contemporains transforment l'essai », Mamco et Head Genève, Genève, 2015
- Christa Blümlinger, 'Cinéma de seconde main. Esthétique du remploi dans l'art du film et des nouveaux médias ', Klincksieck, Paris, 2013
- Erik Bullot, 'Sortir du cinéma', Mamco, Genève, 2013
- Aline Caillet, « Dispositifs critiques. Le documentaire, du cinéma aux arts visuels », PUR, 2014
- Michel Chion, « Un art sonore, le cinéma. Histoire, esthétique, poétique », Les cahiers du cinéma, Paris, 2003
- Jean-Louis Comolli, « Voir et pouvoir : cinéma, télévision, fiction, documentaire », Verdier, Paris, 2004
- Daniel Deshays, « Pour une écriture du son », Klincksieck, 2006
- Jean-Luc Godard, « Godard par Godard », Les cahiers du cinéma, Paris, 1998
- Siegfried Kracauer, « Théorie du film. La rédemption de la réalité matérielle », Flammarion, Paris, 2010 (1960 pour l'édition originale)
- Renate Lorenz, 'Art Queer', B42, Paris, 2018
- Anne Marquez, « Godard, le dos au musée. Histoire d'une exposition », Les Presses du Réel, Paris, 2014
- Edgar Morin, « Le cinéma ou l'homme imaginaire », Les Editions de minuit, Paris, 1956
- Walter Murch, « En un clin d'oeil », Capricci, 2011 (pour la traduction française)
- François Niney, « L’épreuve du réel à l’écran, essai sur le principe de réalité documentaire », De Boeck, Bruxelles, 2002
- Catherine Russel, 'Experimental Ethnography, the work of film in the age of video', Duke University Press Durham and London, 1999

Objectifs pédagogiques :
Le studio s’adresse à un groupe d’étudiants concernés par l’écriture : ayant soit déjà une pratique qu’ils désirent approfondir et partager, soit un intérêt qui pourrait déboucher sur une pratique. Il peut aussi s’agir simplement de personnes curieuses de la « chose littéraire », qui ne peut être que stimulante en regard de leur pratique plastique.
L’enjeu pour les étudiants, outre le partage de savoirs, sera la mise en place d’un travail personnel d’écriture. Il sera lui aussi conçu comme une image qu’il s’agira de cristalliser — du dessein mental au « manuscrit », c’est-à-dire au texte dans sa succession et sa construction, et dans la diversité des formes possibles.

Une réflexion est menée sur la relation – parfois la tension – entre narration, forme et medium.
La discontinuité du narratif et l'hétérogénéité du récit, qui caractérisent souvent les arts poétiques, est objet d'attention, ainsi que le système de ponctuation adopté.
L’oralité - l'oralisation - a son importance, autant lorsque nous écoutons les enregistrements de lectures par leurs auteurs (archives historiques ou actualité), que lorsqu’il s’agit de transmettre son propre travail au groupe, et d’en discuter collectivement.
Dire son texte à haute voix, ou le performer, pose de nombreuses questions. Mais aussi lire le texte d'un tiers. Notre capacité à 'lire autrement', à inventer nos modes de lecture, nos rythmes singuliers et notre propre vitesse, tels que l'écriture artistique l'impose souvent, est au centre des préoccupations.
Dans un second temps, la spatialisation et la gestuelle contribuent aussi à l'existence du texte. Il peut être proposé aussi des expériences et « exercices » visant à produire une expression singulière à partir de la réalité environnante.

Il n’y a pas d’exclusivité de genres ou de médiums : prose, vers, récit, journal intime, poésie visuelle, etc. L’appellation d’ « arts poétiques » prend son sens. Elle inclut l'écriture du roman ou en théâtre, dès lors qu'il n'y a pas « forme morte » comme disait Claude Simon.
La recherche de la singularité – dans un souci d’authenticité – est un critère principal.

Contenu :
Il n’y a pas d’exclusivité de genres ou de médiums : prose, vers, récit, journal intime, poésie visuelle, etc. L’appellation d’ « arts poétiques » prend son sens. Elle inclut l'écriture du roman ou en théâtre, dès lors qu'il n'y a pas « forme morte » comme disait Claude Simon.
La recherche de la singularité – dans un souci d’authenticité – est un critère principal.

Mode d'évaluation :
Evaluation à partir de la « production » et de la présence active de l'étudiant.

Bibliographie :
distribuée en début de cours

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et analyser des oeuvres littéraires et des stratégies d'écriture (narratives, poétiques, expérimentales) susceptibles de nourrir la pratique des étudiants.

Contenu :
Ce studio interroge les pratiques d'écriture en les expérimentant, avec un premier temps consacré à la lecture de textes et un second à l'échauffement écrit.
L'axe du studio sera double. Il s'agit, d'une part, de voir ce que la littérature peut produire face aux récits du marketing, des politiques, à tout ce que nous publions sur les réseaux sociaux, en mobilisant les pratiques de la réappropriation, du détournement, du pick up, du cut up, du cut out. D'autre part, il s'agit d'interroger la langue, la grammaire et la syntaxe comme autant de structures de pouvoir ; ces dernières n'étant pas un moyen neutre à notre disposition pour exprimer des états, idées, sentiments, mais plutôt un cadre qui détermine nos manières de percevoir et de ressentir.
Pour explorer ces deux axes, nous mobiliserons aussi bien des textes littéraires que des matériaux non littéraires.

Les étudiants qui suivent le studio sont également invités à présenter un ou des textes (littéraires ou non) à partir desquels ils souhaiteraient expérimenter un échauffement écrit collectif.

Mode d'évaluation :
L'évaluation portera sur une présence régulière, une participation orale (qui peut présenter un travail d'écriture en cours, une expérience de lecture) et une participations aux échauffements d'écriture.

Bibliographie :
La bibliographie sera complétée lors des séances.
Maurice Grevisse ; Anne Portugal ; Emmanuel Hocquard ; Gertrude Stein ; David Foster Wallace ; Ann James Chaton ; Charles Reznikoff ; Elfriede Jelinek, Bruno Schulz ; Christophe Tarkos ; Céline Minard ; Kathy Acker

Support de cours :
Textes et images projetés en cours à partir d'un ordinateur ; textes photocopiés.

Objectifs pédagogiques :
Apprendre à installer son travail dans un espace d'exposition, prendre l'espace à bras le corps. Apprendre à regarder, décrire et analyser ses gestes et ses formes. Apprendre à photographier son travail.

Contenu :
Chaque semaine, les étudiants de 4e et 5e année art, se retrouvent pendant un après-midi dans la salle d'accrochage, afin de sortir les travaux de l'atelier et de les regarder dans un potentiel espace d'exposition. Ce sont des accrochages individuels et collectifs. La parole est autant donnée aux professeurs qu'aux étudiants présents. Il s'agit d'un temps collectuf de regard et d'analyse. Les formes à regarder sont manipulées, afin de rendre ce moment très concret. Il va de soi que tous les médiums sont concernés : vidéo, sculpture, peinture, performance... L'accrochage ici n'est pas considéré comme une fin en soi ; il fait encore partie du processus de travail. Nous ne sommes pas encore dans l'exposition mais à son seuil !

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Paul Thek, Phyllida Barlow, Jessica Stockholder, Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, Guy De Cointet, Henri Moore...

Objectifs pédagogiques :
Lens Art permet, en un seul nom, de rassembler des pratiques très variées autour de la notion d' 'imageur'. Par imageur, on peut entendre appareil photographique, caméra vidéo, caméra S8, scanner, images collectées, archives récupérées ou construites, ainsi que diverses techniques d'impression.
http://studio-photographie.blogspot.fr/
Le studio est construit autour de discussions sur des thèmes spécifiques (voir bibliographie) et surtout autour des travaux proposés. Il s'agit de pousser au maximum l'achèvement des travaux.

Contenu :
Un blog dédié à l'actualité de la recherche photographique ainsi que des enjeux théoriques permet d'ouvrir le débat sur des questions historiques ou liées à des pratiques contemporaines, mais aussi sur les enjeux propres de cet outil qui peuvent dépasser et recouvrir le champ de l'art contemporain (sociologie, ethnologie). Analyse des mutations technologiques opérées depuis une dizaine d'année.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Clément Chéroux, « Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique », « Diplopie, l'image photographie à l'ère des medias globalisés »
- Michael Fried, « La place du spectateur », « Why photography matters as art as never before »
- Michel Poivert, « L'image au service de la révolution », « La photographie contemporaine »
- Rosalind Krauss, « Le photographique, pour une théorie des écarts »
- André Gunthert, « La fabrique des images contemporaines »
- Jeff Wall, « Essais et entretiens »
- Geoffrey Batchen, « Suspending time », « Snapshot, l'histoire de l'art et le tournant ethnographique »
- Olivier Lugon, « Le style documentaire », « Avant la 'forme tableau' » (le grand format dans l'exposition « signs of life »)
- Martin Parr, « Le documentaire conceptuel »

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le studio s'intitule « Modèle – Archétype – Style ».
Le studio est mené conjointement par Armando Andrade Tudela et Nicolas Chardon

L'objectif du studio est de considérer au même titre que les matériaux et les techniques les conditions extérieures d’émergence de l’œuvre d’art.
Le contexte de tout travail est celui que l’artiste produit.

Contenu :
Le studio Modèle – Archétype – Style s’organise en séances de réflexion à partir d’un ouvrage, d’une œuvre ou d’un lieu. Les débats conduisent à intégrer par exemple la généalogie ou la topologie dans l’analyse des œuvres, pour mieux inventer sa propre position.
Une forme publique (fanzine, site internet, exposition) est à construire.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Permettre à l'étudiant de concrétiser et finaliser les éléments issus de la recherche et du développement du projet ou du travail.

Contenu :
Le terme de production vient ici qualifier le travail d'atelier en phase projet et, dans un registre un peu différent, en phase préparatoire du diplôme DNAT.
On peut raisonnablement considérer que dans le cadre d'un projet personnel pleinement orienté du côté d'une activité de recherche, la finesse de la réflexion sur l'économie générale du travail et sa faisabilité d'une part, et, d'autre part,
l'ajustement du niveau de 'l'agir' dans la complémentarité au 'faire', pour la concrétisation des travaux, pièces et objets, conduisent l'étudiant à 'produire' les signes tangibles et manifestes de son projet.
Production donc, tant dans son acception de 'production de l'esprit', au double sens littéral et ici très adapté de 'génération' et de 'formation', que dans son acception de 'production d'objet' tel que tableau, film, etc.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Entretiens individuels et semi-collectifs en atelier.

Objectifs pédagogiques :
Expérimentation dans le domaine du son, de la musique et de la mise en situation des réalisations.

Contenu :
Usages du son au croisement des champs de la musique, des arts visuels et de l'ingénierie sonore ; acquisition des connaissances et compétences liées à la production et à la diffusion des sons ; études particulières liées à l'écoute de la voix parlée ou chantée, dans le cadre de l'interprétation en direct et de la radiophonie. L'essentiel est articulé autour de la production sonore des étudiants. Toutes les propositions sonores sont acceptées (vidéos, installations, improvisations, scène, etc.).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
http://michelchion.com/
http://firstsounds.org/
http://filmsound.org/
http://www.radiofrance.fr/

Support de cours :
http://gillesgrand.free.fr/
http://art45.ensba-lyon.fr/art/art.html

Objectifs pédagogiques :
Le studio s’organise autour du travail en atelier et des productions plastiques des étudiants. L'atelier est à voir comme une continuation du travail théorique et pratique mis en place l'année dernière dans le studio Forme et Construction. La production individuelle de l'étudiant sera discutée collectivement pendant la phase de réalisation en atelier dans le but d'élargir l’éventail des gestes techniques et de créer un lien avec l’analyse théorique et les connaissances dans le domaine de l'art contemporain.

Contenu :
Tout artiste travaille à partir d’un dialogue collectif, d’un savoir-faire et de connaissances partagées. On peut parler de ce partage comme d’une interlocution, telle que Hans Georg Gadamer l’a pensée dans les années 1960 autour de l’objet qui se trouve au centre de la discussion.(Gadamer, Vérité et Méthode éd.fr. 1994) Il remet en doute la notion de vérité objective fondée sur l’expérimentation propre à la science moderne. Pour cela, il remonte aux pères de la chrétienté et à une tout autre idée de vérité, pour montrer que la vérité n’est pas l’objet qui est vérifié et mesuré, mais serait plutôt l’objet qui surgit au moment de la discussion même. Dans un certain sens, la vérité est pour Gadamer dans la relativité de la discussion. Cette approche dit quelque chose de précis pour toutes les formes de recherche, mais elle attribue une place centrale au point de vue subjectif et à la possibilité dialectique de la rencontre entre différentes subjectivités. Le dialogue entre artistes et la définition intersubjective des problématiques sont une forme d’interlocution. Celle-ci tient compte des approches singulières, tout en développant un objet commun en continuelle évolution.

Le studio se concentre sur vos productions plastiques. Selon un calendrier établi à l’avance, chacun va présenter une ou plusieurs productions en cours. Il s'agit de regarder avec attention les gestes de vos productions et de les confronter aux acquis théoriques. Placer un geste, trouver une solution technique sont des actions qui présupposent une distanciation : pourquoi faire et dans quel but. C’est le début de la discussion.
Toute action plastique met en place une approche théorique. Le studio veut porter une attention particulière à cette relation complexe entre la connaissance matérielle, qui est en grande partie automatique et inconsciente, et le travail de verbalisation et de mise en perspective collective, donc historique et théorique du travail. Cette approche veut mettre en évidence la relation spécifique qui se crée entre ce qu'on appelle la forme et la notion de temps dans une perspective collective et donc historique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- B.Rüdiger, “Le temps de la recherche en art”, in Hermès 2015/2 N.72 L’artiste, un chercheur pas comme les autres, C.N.R.S. éditions, Paris 2015.
- E.Parendeau, B.Rüdiger, B.Seror, 'L'interlocution en art' et B.Rüdiger, in Culture et recherche N.130, éd. du Ministère de la Culture et de la Communication.
- Bernhard Rüdiger, « Neuf Rêves écrits sur l'art ; un caprice », Au même titre, Paris et Hopefulmonster, Torino, 2001
- Bernhard Rüdiger, conversation avec Pascal Beausse, « Manhattan Walk : faire un pas de côté, l’histoire, le document, l’icône et l’artiste comme non-reporter », [EUX] Lyon, 2005

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
- confronter l'étudiant à la réalité de parcours professionnels spécifiques dans une logique de désintimidation
- montrer la diversité et multiplicité des économies et des modèles
- dresser une cartographie des acteurs du monde de l'art, mais aussi des positions idéologiques et culturelles

Contenu :
Une journée avec un.e invité.e : écrivain.e, architecte, galeriste, collectionneur.euse, artiste, commissaire, journaliste, producteur.trice, etc. en privilégiant des positions originales et des parcours singuliers dans le champ de l'art et en dehors. L'idée est de proposer une rencontre informelle qui provoque questions et débat, puis, en fonction de l'invité, un mini workshop spécifique ou des rencontres en public avec des travaux d'étudiants

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Partant de l'idée que l’art est un champ de pratiques multiples, irrésolues et problématiques, l'objectif de ce cours est d'en discuter certains enjeux contemporains par tous les biais : expositions, œuvres, figures d'artistes, controverses, structures, idéologies, à travers grands sujets et anecdotes. Plus que de partager du savoir, il s'agit de porter un regard critique, voire moral sur l'art, qui peut aussi s'appliquer à vos pratiques personnelles. Par exemple, poser les questions du 'quoi' et du 'comment', mais aussi du 'pourquoi' produire. A travers des exemples pratiques pris dans l'histoire et dans l'actualité, on abordera les réalités de l’art, avec ses limites, ses contradictions, ses stratégies mais aussi ses utopies, ses idéaux, ses positions admirables, dans un mélange d'amour et d'exigence, de curiosité et de sévérité.

Contenu :
Le cours prend la forme d’un magazine thématique 'live' avec différentes rubriques récurrentes : nécrologie, livre, exposition, chroniques d'invités extérieurs, visite d'atelier billets d'humeur et dossier thématique. Cette forme permet d'aborder des sujets très divers tout en tachant de garder, à chaque numéro une ligne thématique plus ou moins sérendipitique ('Ecosystèmes de l'art', 'Etats d'urgence', 'Halls of Fame', etc.).

Mode d'évaluation :
A définir

Support de cours :
Films, images, sons, rendez-vous skype, etc.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- L. Clandsfield, « Global English (Upper Intermediate, Advanced) », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- J. Berger, « About Looking », Vintage International

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Prélude à la musique privilégiant l'écoute et le dialogue.

Contenu :
Ecoute d'oeuvres musicales historiques ou récentes. Les œuvres sont diffusées dans leur entièreté (elles sont brèves, moins d'un quart d'heure) et de manière répétée (deux ou trois fois). Après chaque écoute, une discussion ouverte permet un échange sur cette audition, le partage des savoirs et la mise en perspective avec les champs de la création et des arts visuels. Aucune connaissance musicale préalable n'est requise.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
http://www.inagrm.com/accueil/collections/portraits-polychromes
http://www.ircam.fr/270.html? et tx_ircamboutique_pi1%5BshowUid%5D=41 et cHash=af12f57aef940c21ace7dd55a07388f2

Support de cours :
http://art45.ensba-lyon.fr/0_art/GG/

Contenu :
Queeriser
Communautés, identités et globalisation

Je propose de penser dans ce cours la manière dont des êtres jusque-là privés des outils de la représentation se sont emparés des technologies de visualisation afin de produire des énonciations contestataires et solidaires. L’enjeu est la production de savoirs partagés créés depuis les marges linguistiques, sexuelles, biologiques et géographiques de l’histoire. Là, dans ces moments de contact, par hacking ou métissage, la réarticulation performative et identitaire du contexte permet d’imaginer que, dans les interstices de la globalisation, il y a des inflexions venues du bas et d’ailleurs, personnelles ou communautaires qui, de la particularité de leurs positions, viennent perturber les arrangements conceptuels préétablis et déranger les organisations habituelles. Mieux, que ces inflexions nous laissent imaginer que dans la réunion des particularités et dans la construction opportune de ces communautés peut s’écrire un vocabulaire nouveau, plus queer, à l’ère de la globalisation.

Mode d'évaluation :
Travail à rendre en fin de semestre.

Bibliographie :
Bibliographie
sélection
- Perry Anderson, The Origins of Postmodernity, Londres / New York, Verso, 1998
- Benedict Anderson, Imagined Communities : Reflections on the Origin and Spread of Nationalism, Londres, Verso, 1983
- Karen Barad, « Intra-actions », interview menée par Adam Kleinmann, Mousse Magazine, no 34, 2012
- Karen Barad, « Nature’s Queer Performativity », Women, Gender and Research, numéro spécial « Feminist materialisms », 2001
- Partha Chatterjee, « Whose Imagined Community ? », Mapping the Nation, Gopal Balakrishnan (dir.), Londres, Verso, 2012
- Beatriz Colomina, « X-Ray Architecture : Illness as Metaphor », Positions, No. 0, Positioning Positions, automne 2008
- Donna Haraway, Manifeste cyborg et autres essais : sciences, fictions, féminismes, anthologie établie par Laurence Allard, Delphine Gardey et Nathalie Magnan, Paris, Exils, « Essais », 2007
- Pedro Lemebel, Hablo por mi diferencia, publié postérieurement dans le volume Loco afán Crónicas de sidario (Santiago, LOM Ediciones) en 1996.
- Ernesto Laclau, « Beyond emancipation », Emancipation(s), Londres, Verso, 1996
- Adrienne Rich, « Notes toward a Politics of Location », Women, Feminist Identity and Society in the 1980’s, Myriam Díaz-Diocaretz et Iris M. Zavala (dir.), Amsterdam / Philadelphie, J. Benjamins, 1985,
- Suely Rolnik, The Politics of Anthropophagy in the Transnational Drift, dans Where to Sit at the Dinner Table, Pedro Neves Marques (éd.), Berlin / Cologne, Archive Book / Akademie der Kunst der Welt, 2014

Objectifs pédagogiques :
A partir des années 50, des artistes s’immiscent dans le modèle éducatif conventionnel et coercitif. Le Black Mountain College et la Freie Internationale Universität (Joseph Beuys et l’écrivain Heinrich Böll) constituent deux lieux de transformation, qui posent les bases d'une éducation moins spécialisée et plus démocratique, à partir de l'expérience artistique.
Les sept conférences-performances sont axées sur ces deux foyers (HEARTH).

Contenu :
Abordant de façon approfondie l’œuvre de Joseph Beuys, on s'intéresse à une phase importante quoique peu commentée : son lien privilégié à l'Irlande (1974-1977). A partir de recherches effectuées aux sources, d’enquêtes et de témoignages souvent inédits, on souligne comment ce contexte linguistique, culturel et politique, impulse des formes et une pensée nouvelles, autant dans l'art (exposition The secret block for a secret person in Ireland ; tableaux noirs ; formes de la parole publique ; actes ; objets), que dans l'éducation (fondation et élaboration des concepts de la Free International University à Dublin, débouchant sur les « cents jours » de la Documenta VI).
L’art, exempla d’investigation, devient aussi révélateur de formes inédites traduites politiquement et pédagogiquement. Le principe de « conférence permanente » est l’occasion du parallèle avec l’Institut de Création permanente de Robert Filliou.
Dans l’enseignement artistique, la transmission, qui s’appuie sur l’expérience, impose souvent des questionnements formels intrinsèques (mode de discours ; forme de la parole parfois performative ; expérimentations visuelles ou poétiques ; partages des savoirs selon le medium). La pensée relève aussi d’un champ morphique. A partir des écrits du philosophe John Dewey (Chicago), puis de l’aventure du Bauhaus, le Black Mountain College, fondé par un pédagogue (J. Rice), un ingénieur (Th. Dreier) et un artiste (J. Albers), met en œuvre ces notions. C'est lors des 'universités d'été' conçues par Josef Albers, poursuivies par le poète Charles Olson, que s’inventent collectivement ces actes et enactments. Dont le premier happening en 1952.
L'art et son double se réfère au Théâtre et son double d'Antonin Artaud. 'Car si le théâtre double la vie, la vie double le vrai théâtre', écrit celui qui dès les années 30, pose les jalons de tels enjeux. Artaud influence les protagonistes de Black Mountain. Il est par ailleurs une présence fantomatique à Dublin, où il s’était rendu pour des motifs culturels, « archéologiques » et mythologiques similaires à ceux de Beuys. C’est l’occasion de montrer comment les arts poétiques alimentent ces pratiques interdisciplinaires, avec pour Joseph Beuys le rôle d’Ulysses et de Finnegans Wake (James Joyce).

Au premier semestre. Première séance vendredi 19 octobre 14h.

Mode d'évaluation :
présence active aux séances

Bibliographie :
catalogues et ouvrages sur Joseph Beuys + Dossier Joseph Beuys, revue Opus Inrternational n°131.
Ouvrages et catalogues sur le Black Mountain College.
Oeuvres de James Joyce ; Oeuvres d'Antonin Artaud.

Support de cours :
conférences avec projections iconographiques, filmiques et sonores. Lectures.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche ACTH, formé par des jeunes artistes diplômés et des doctorants en théorie de l’histoire des arts. Il se propose de développer un travail autour des relations entre certains aspects de l’art contemporain et les « régimes d’historicité » qu’ils mobilisent.

Contenu :
Le problème de forme en art

Le séminaire a traité les années précédentes de la représentation de la violence et a porté son attention sur la dynamique réflexive de l’oscillation entre action violente et contemplation. Le séminaire de l'année dernier sur la figure de Pulcinella et sa position paradoxale, terrestre et comique, toujours aux bords de la société, nous a permis d'aborder le langage de ce masque par la notion freudienne de 'forme régressive'.
L'expérience cognitive du langage et des images est un travail d'élaboration, au sens de la transformation que se produit en nous quand nous formulons ou nous écoutons un récit, quand nous produisons ou nous observons une image. Dans ce moment de trans-laboration, de mise en œuvre complexe d'autres domaines — notamment ceux de la mémoire et de l'expérience antérieure — le langage se construit selon de schémas que nous maitrisons, mais il est aussi le lieu de l'écart, de la différence et de la singularité. On a vu comment la figure de Pulcinella opère de manière créative par un langage qui s'absente, qui s'ignore et qui formule autrement. 'Régresser' est ici une activité de remise en question, de libre association, d'accident inédit, porteur de nouvelles possibilités du langage.
Le séminaire se propose cette année d'explorer un aspect essentiel de l'élaboration et de la régression créative à l'œuvre dans tout invention expressive. Il s'agit de regarder de plus prêt le lien entre écart, absence du langage et ce que les artistes ont appelé le problème de la forme.
On reviendra sur ce que la langue allemande appelle 'die Gestalt', la chose qui se donne à voir pour ce qu’elle est, dans le sens où elle est régie par un ordre, une règle interne qui la rende organique pour celui qui l'observe. Quand est-ce que cet ordre est perçu comme créatif, c'est-a-dire, quand est-ce qu'il est nouveau, inédit? Quel est le rôle d'une culture et de son langage sédimenté dans la production d'une forme inédite? Comment se manifeste l'écart, que-est ce que c'est sa singularité, quel rôle accorder à son incompréhension?
L'horizon de la culture, le biotope à partir duquel nous apercevons les choses a été essentiel dans l'histoire de l'art et a permis à tout artiste de penser les objets et les idées comme des choses organisées selon un ordre nouveau, selon une logique qui est reconnaissable comme différente de nous et tout ce que nous connaissons. Peut l'art être une invention de forme si elle ne se réfère plus à une culture donnée, s'il elle ne travaille plus comme le pensaient les artiste du vingtième siècle, Klee ou Malevich par exemple, à partir de sa propre histoire?
L'élaboration semblerait perdre d'importance dans notre société mondialisée et nous avons pu l'observer dans beaucoup d'évolutions artistiques qui ne s'occupent plus du problème de la forme, qui ne travaillent pas à ce qui est inédit et ont souvent abandonné la dimension de travail de la perception du spectateur. Qu'est-ce que c'est le problème de la forme si on ne peut plus penser l'écart? Est-ce que le rôle de l'art a déjà changé ?

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- AA., “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016.
- AA., Luciano Fabro, habiter l'autonomie, éd. ENBA Lyon, 2009.
- Luciano Fabro, L'art redevient l'art, éd. Imschoot, uitgevers, Gent 1990
- Paul Klee, cours du Bauhaus, Weimar 1921-1922 : contributions à la théorie de la forme picturale, sous la dir. de Margaret Pfenninger, F. Hazan, Paris 2004
- Kazimir Malevič, Le miroir suprématiste, tous les articles parus en russe de 1913 à 1928, avec des documents sur le suprématisme, trad. et annotés par Jean-Claude et Valentine Marcadé, éd. l'Age d'homme, Lausanne 1993
- Kazimir Malevič, La lumière et la couleur, textes de 1918 à 1926, trad. du russe par Jean-Claude Marcadé et Sylviane Siger, éd.l’Age d'homme, Lausanne 1993
- Giulio Paolini, Voix Off, éd. Editions W., Mâcon 1986
- Giulio Paolini, Statement, éd. Annemarie Verna, 1979
- Bernhard Rüdiger, “PPP paradoxe” et “L’œil de Sodome”, in Initiales PPP, Pier Paolo Pasolini N.7, éd. ENSBA Lyon, 2016.

Objectifs pédagogiques :
Créer un lieu et un temps, d'effervescence du savoir et des technologies spécifiques, de veille, de questionnement et d'accompagnement du travail de création à l'ère de la réalité numérique. En particulier étudier et s'emparer des incidences cognitives, esthétiques voir politiques, des accidents, des prolongements, des élargissements qui s'opèrent et aussi des rapports qui s'établissent entre digital et analogique dans l'art et le design.
Autrement dit, il sera question d'analyser et questionner les transformations que ces outils imposent à notre manière de vivre, de penser, de comprendre, de voir, de créer et de produire, et examiner comment ce nouveau paradigme est la source de formes qui en découlent et qui ouvrent de nouveaux champs d'expériences et de production.
Il sera aussi question de trouver des interlocuteurs/collaborateurs/prestataires/diffuseurs pour élaborer et accompagner les projets.

Contenu :
L’ARC sera l’occasion d’aborder ces questions transversales liés à l’utilisation des TICs.- Le travail, intellectuel et opérationnel, engagé, portera en particulier sur les nouvelles narrations, les transformations des modes d’accès au savoir, la “technomagie”, l'interactivité et ses enjeux, la désynchronisation, la convergence, l'Internet des objets, la réalité augmentée voire d'autres champs d'expérimentation déjà apparus et actifs ailleurs en art et en design. Certains projets développés dans ce cadre seront évalués dans les options avec les enseignants responsables.
- L’ARC a pour mode pédagogique la mise en commun et le partage des connaissances, des ressources et des réseaux ainsi que l'autonomie. Quel que soit leur statut (étudiants, enseignants, techniciens, collaborateurs extérieurs… ), chaque participant à l'ARC peut être acteur de cette mutualisation.
- Une fois par mois, les participants du Commons’Lab se réuniront pour une conférence avec des personnalités extérieures le matin et un atelier pratique l'après-midi. Cette série d’invitations permettra de questionner les pratiques actuelles, d’approfondir la veille des outils ou des champs opératoires et de rencontrer des partenaires potentiels. La partie pratique permettra l'expérimentation des outils et la mise en œuvre des projets.
La participation à l'ARC implique une contribution active aux enjeux du Commons’Lab, à la réflexion menée et à l'élaboration de ce qui en découle (activités, communication, actes, etc.).
Le Commons'Lab est un lieu associé où se mettent en œuvre les recherches, les expérimentations et les projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
Bibliographie indicative, d’autres ressources disponibles en ligne :

- Dieter Daniels, Barbara U. Schmidt (dir.), « Artists as Inventors », Ostfildern, Hatje Cantz, 2008
- Zygmunt Bauman, « Le présent liquide », Paris, Seuil, 2007 *
- Peter Lunefeld, « Snap to Grid, « A User's Guide to Digital Arts, Media, and Cultures », Cambridge, MIT Press, 2001*
- Olia Lialina et Dragan Espenschied ( dir.), « Digital Folklore », Stuttgart, Merz Akademie, 2009 *
- Mathieu Triclot; « Philosophie des jeux vidéos », Zones, 2011
- Karen O'Rourke, « Walking and Mapping Artists as Cartographers », The MIT Press, 2013
- Jacob von Uexkûll, « Mondes animaux et monde humain », Pocket 2004
- Anthony Dunne, Hertzian Tales, « Electronic products, aesthetic experience, and critical design », Cambridge, MIT Press, 2005
- Bruce Sterling, « Objets bavards », FYP, 2009
- Frédéric Kaplan, « La métamorphose des objets », FYP, 2009
- Clarisse Herrenschmidt, « Les trois écritures », Gallimard, 2007

- Exposition « Design and the elastic mind », MoMA, NY, 2008
http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2008/elasticmind/index.html
- Exposition « Talk to me », 2011, MoMA, NY
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1080

- Revue OPEN, n° 11, « Hybrid Space, how wireless media mobilize public space », Rotterdam, NAi Publishers, 2006 *
- Revue POLI, n° 3, « Le spectacle de l'écologie », Paris, 2010

http://www.internetactu.net/tag/internet-des-objets/
http://www.pachube.com/
http://www.arduino.cc/

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.
Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
'Que vaudrait la théorie si elle ne servait aussi à inventer la pratique ?'
Pris au sens d’un projet inachevé, celui de la modernité, la post-performance questionne l’âge du « post-médium » en ce début de 21e siècle, entre succession chronologique, postérité ou filiation historique, réemploi (de formes abstraites de leurs contenus) et rupture (comme changement de paradigme ou d’époque).
Apparue à la croisée de la philosophie analytique anglo-saxonne du langage et des champs de l’art et du spectacle, liée à des pratiques de langage, à des actions et à une rupture par rapport à un certain mode de représentation opérée au milieu des années 50, la notion de performance est polysémique. Il s’agira de questionner ce nom, ce qu’il recouvre, et l’évolution de pratiques liées à son usage.
Comment cet art de la performance évolue-t-il et comment évoluera-t-il dans les prochaines années, notamment avec les technologies numériques ? En quoi sommes-nous passés de sa dématérialisation à son « re-enactment »? Que se joue-t-il ici ?
On abordera également les problématiques liées à la trace de la performance, comme l’archivage (oral et vivant), le document, le film, l’objet scénique ou encore la photographie numérique.
Par ailleurs, la question du public comme forme, de l’audience à la fois destinataire et partie prenante (public captif) permettra de questionner une société du spectacle à l’heure du « spectateur émancipé ».

Contenu :
A partir de 8 axes de réflexion, le séminaire alternera les cours théoriques et les exercices pratiques.

1 - Body Politic: les nouveaux genres de la performance.
2 - Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
3 - Le public comme forme: audiomat et soap opéra: nouveaux scripts?
4 - Documenter/recréer: le même mais un autre.
5 - On stage /on line: HIc sed Nunc?
6 - Anarchives: spéculer sur le reste.
7 - Cineperformance.
8 - Espace public, question du commun.

Les Ana-Chroniques de la Post Performance : une autre histoire de la performance à l’âge du post médium (cours en amphi).

Les expériences pratiques en lien avec le programme de recherche Post Performance Future :
- rencontre et séminaire avec des artistes : Fabienne Audéoud, Bridget Gerland, Charlie jeffery
- participation à des projets :
Anniversaire des 40 ans de Beaubourg en février 2017

Les expériences croisées :
Passerelles avec le pôle édition avec conférences-débats.
Disputatio Quolibet : discussions à partir d’un sujet commun.
« Quartels » lectures en groupe inspirées des dispositifs lacaniens.
Utilisation des ateliers de sérigraphie et offset avec la participation d’invités extérieurs, conduisant à une réflexion sur les processus de monstration, de réception et de transmission.

Mode d'évaluation :
Fiche de présence et lectures.

Bibliographie :
Bibliographie complétée en cours :

- Conversation Marie de brugerolle, Marie Canet et Catherine Wood, « Mousse Magazine », 2014
- Anne Bénichou (dir.), « Ouvrir le document », Les presses du Réel, 2010
- « La Performance : entre archives et pratiques contemporaines », PUF de Rennes, Art et société, 2010
- Claire Bishop, « Artificial Hells », Verso, 2012
- Krauss Rolsalind, « Under Blue Cup », 2011

- Catalogues : Hors Limites « L'art et la vie », 1994, Mnam/Centre Pompidou, « The World as a stage », Tate Modern, 2007, « Ne pas jouer avec les choses mortes », Villa Arson, 2008, « Un théâtre sans théâtre », MACBA, 2009, « I was a male Yvonne De Carlo », Musac, Léon, 2011, « A Bigger Splash », Tate Modern, 2012...

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
La Station d’arts poétiques est un programme de recherche théorique et de création dirigé vers l’écriture poétique dans la diversité des formes qu’elle emprunte à l’heure actuelle.
Après une collaboration de plusieurs années avec l'ENS, puis avec le Département Écriture de l'ENSATT, ce programme a élargi celui de l'atelier d'arts poétiques dispensé au sein de l'Ensba Lyon, par des journées d'études abordant en profondeur la pratique et l'approche théorique d'un auteur invité. Un partenariat avec Faculté LESLA - Département des lettres de l'Université Lyon 2 est en cours d'élaboration.
Sont appréhendés et développés par les étudiants des travaux d’écriture, par-delà les genres littéraires institués ou qui l’ont été.
Les arts poétiques fédèrent ainsi une attitude de recherche pouvant avoir trait tout aussi bien au travail du vers, de la prose, de la poésie visuelle, du «docu-poème», du montage, de la performance poétique et sonore, des rapports texte/image : photo, vidéo, film, hypertexte, web (en incluant même la verbalisation restreinte), qu’à celui des formes dialoguées assimilant tout forte de récits, d’essais, et cela dans la diversité des langues et de leurs usages sociaux, du plurilinguisme à la textualisation des idiomes.
Une attention particulière est donnée à l’oralisation des pratiques textuelles.
En cela, il s’agit de faire interagir les pratiques poétiques et les réflexions sur la littérature avec les signes, codes et systèmes des arts plastiques contemporains.
Cette démarche s’inscrit de plus dans une histoire déjà longue des romantismes allemands et anglais jusqu’aux pratiques contemporaines en passant par les expériences du Black Mountain College, marqués par les croisements de genre et la nécessaire induction entre l’acte poétique et sa composante technique et théorique.

L’objectif à moyen terme — inspiré des écoles scandinaves, allemandes et suisses — serait d’accompagner des créateurs et chercheurs dans une réflexion et une connaissance des réseaux d’activité littéraire où la langue et les modes narratifs constituent des lieux d’investigation.
L’accent est mis sur les processus d’émergence individuels et collectifs qui ont trait au travail d’écriture : récurrence, conception, production, diffusion, ainsi que connaissance du champ littéraire et éditorial en France comme à l’étranger.
Parlante est une revue d'expérimentation tournée vers les arts poétiques, la parole, conçue par les étudiants de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, témoignant de l'extrême vivacité des formes et de leur hybridation (écriture, graphisme, performance, sculpture…). Une ouverture vers la très jeune création au plus près de son émergence. La revue est réalisée en option Design graphique, sous la direction d'Alexandre Balgiu.
Un projet mené par Patrick Beurard-Valdoye et Elsa Boyer.

Contenu :
Workshop de trois jours :
Anne Le trotter
en février (dates à confirmer)

Journées d'études :
Programme 2017 - 2018
15 novembre : Anne Portugal (en sa présence)
13 décembre : Thomas Clerc (en sa présence)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Ouvrages d'Anne Portugal et Thomas Clerc.

Support de cours :
Journée d'études en présence de l'auteur, approche des textes de l'auteur, dialogue.

Objectifs pédagogiques :
Par un travail de réflexion commun, approfondir les questions liées au numérique en art et élaborer des projets en cohérence avec les enjeux contemporains d'une telle pratique.
Pour les étudiants en cycle recherche, l'objectif sera de poursuivre et d'approfondir leurs travaux en cours tout en s'inscrivant dans la dynamique commune de l'atelier.

Ce séminaire se déroulera dans les locaux du labo NRV de l'ENSBA/Les Subsistances.

Contenu :
Après un rappel historique des différents moments qui ont balisé les dernières décennies, il s'agira de :
- Connaître les artistes actuels qui privilégient le médium numérique sous toutes ses formes ou ceux qui font appel au numérique de manière singulière, conceptuellement ou techniquement.
- Repérer les œuvres ou les productions numériques signifiantes.
- Répertorier les lieux (institutions, galeries, festivals, site internet, etc.) qui présentent un intérêt pour le numérique ou qui affichent une spécialisation dans le domaine.
- Comprendre les réflexions contemporaines (théoriques, critiques, esthétiques...) liées aux pratiques et à la société numérique.
- S'inscrire par un projet dans ce contexte général en soulevant une problématique originale.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et présentation d'un projet élaboré durant l'année dans le cadre du séminaire.

Bibliographie :
BROWN (Paul), GERE (Charlie), LAMBERT (Nicholas) et MASON (Catherine) (Sous la dir. de), White Heat Cold Logic: British Computer Art 1960-1980, The MIT Press, coll. « Leonardo », Cambridge (MA)/Londres, 2008.
CERTEAU (Michel de), L'invention du quotidien : 1. arts de faire, Gallimard, coll. « Folio/essais », Paris, 1990.
COX (Geoff), Antithesis : The Dialectics of Software Art, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University, Danemark, 2010, http://www.anti-thesis.net/contents/thesis/antithesis.pdf
CRAMER (Florian), Words Made Flesh: Code, Culture, Imagination, Media Design Research, Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy Hogeschool Rotterdam, Rotterdam, 2005, http://www.netzliteratur.net/cramer/wordsmadefleshpdf.pdf
FULLER (Matthew) (Sous la dir. de), Software Studies: A Lexicon, The MIT Press, Cambridge (MA)/Londres, 2008, http://dm.ncl.ac.uk/courseblog/files/2010/02/softwarestudies.pdf
GORIUNOVA (Olga) et SHULGIN (Alexei) (Sous la dir. de), Read_Me. Software Art and Cultures, catalogue Read_Me 2004, University of Aarhus, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus, 2004.
HIMANEN (Pekka), L’éthique du hacker, Exils, Paris, 2001.
LIALINA (Olia) et ESPENSCHIED (Dragan) (Sous la dir. de), Digital Folklore, Merz et Solitude, Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung, Stuttgart, 2009.
MANSOUX (Aymeric) et VALK (Marloes de) (Sous la dir. de), FLOSS + ART, GOTO10, Poitiers, 2008.

(Bibliographie en cours)

Objectifs pédagogiques :
Il s'agira de développer une réflexion et une pratique singulières des images vidéo et cinématographiques dans le contexte de l’art contemporain ; d'enrichir un regard et un point de vue à la fois personnels et construits sur les images en mouvement, de leur conception à leur exposition.

Contenu :
Le studio sera basé sur des projections qui donneront lieu à des échanges collectifs.
Les films/rushes/pièces projetés seront proposés, selon les séances, aussi bien par la professeure que par les étudiant.e.s. Il pourra s’agir de tous types d’images : films dits classiques, films d’artistes, images anonymes ou d’amateurs.
Les étudiant.e.s sont amené.e.s à proposer leur rushes, leurs travaux en cours ou finalisés pour en discuter avec l’ensemble des participant.e.s du studio, pour tester des modes de présentation de leurs pièces, pour évoquer d’éventuels blocages dans le déroulement de leur travail.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- Bertrand Bacqué, Cyril Neyrat, Clara Schulmann et Véronique Terrier Hermann (dir.), « Jeux sérieux. Cinéma et art contemporains transforment l'essai », Mamco et Head Genève, Genève, 2015
- Christa Blümlinger, 'Cinéma de seconde main. Esthétique du remploi dans l'art du film et des nouveaux médias ', Klincksieck, Paris, 2013
- Erik Bullot, 'Sortir du cinéma', Mamco, Genève, 2013
- Aline Caillet, « Dispositifs critiques. Le documentaire, du cinéma aux arts visuels », PUR, 2014
- Michel Chion, « Un art sonore, le cinéma. Histoire, esthétique, poétique », Les cahiers du cinéma, Paris, 2003
- Jean-Louis Comolli, « Voir et pouvoir : cinéma, télévision, fiction, documentaire », Verdier, Paris, 2004
- Daniel Deshays, « Pour une écriture du son », Klincksieck, 2006
- Jean-Luc Godard, « Godard par Godard », Les cahiers du cinéma, Paris, 1998
- Siegfried Kracauer, « Théorie du film. La rédemption de la réalité matérielle », Flammarion, Paris, 2010 (1960 pour l'édition originale)
- Renate Lorenz, 'Art Queer', B42, Paris, 2018
- Anne Marquez, « Godard, le dos au musée. Histoire d'une exposition », Les Presses du Réel, Paris, 2014
- Edgar Morin, « Le cinéma ou l'homme imaginaire », Les Editions de minuit, Paris, 1956
- Walter Murch, « En un clin d'oeil », Capricci, 2011 (pour la traduction française)
- François Niney, « L’épreuve du réel à l’écran, essai sur le principe de réalité documentaire », De Boeck, Bruxelles, 2002
- Catherine Russel, 'Experimental Ethnography, the work of film in the age of video', Duke University Press Durham and London, 1999

Objectifs pédagogiques :
Le studio s’adresse à un groupe d’étudiants concernés par l’écriture : ayant soit déjà une pratique qu’ils désirent approfondir et partager, soit un intérêt qui pourrait déboucher sur une pratique. Il peut aussi s’agir simplement de personnes curieuses de la « chose littéraire », qui ne peut être que stimulante en regard de leur pratique plastique.
L’enjeu pour les étudiants, outre le partage de savoirs, sera la mise en place d’un travail personnel d’écriture. Il sera lui aussi conçu comme une image qu’il s’agira de cristalliser — du dessein mental au « manuscrit », c’est-à-dire au texte dans sa succession et sa construction, et dans la diversité des formes possibles.

Une réflexion est menée sur la relation – parfois la tension – entre narration, forme et medium.
La discontinuité du narratif et l'hétérogénéité du récit, qui caractérisent souvent les arts poétiques, est objet d'attention, ainsi que le système de ponctuation adopté.
L’oralité - l'oralisation - a son importance, autant lorsque nous écoutons les enregistrements de lectures par leurs auteurs (archives historiques ou actualité), que lorsqu’il s’agit de transmettre son propre travail au groupe, et d’en discuter collectivement.
Dire son texte à haute voix, ou le performer, pose de nombreuses questions. Mais aussi lire le texte d'un tiers. Notre capacité à 'lire autrement', à inventer nos modes de lecture, nos rythmes singuliers et notre propre vitesse, tels que l'écriture artistique l'impose souvent, est au centre des préoccupations.
Dans un second temps, la spatialisation et la gestuelle contribuent aussi à l'existence du texte. Il peut être proposé aussi des expériences et « exercices » visant à produire une expression singulière à partir de la réalité environnante.

Il n’y a pas d’exclusivité de genres ou de médiums : prose, vers, récit, journal intime, poésie visuelle, etc. L’appellation d’ « arts poétiques » prend son sens. Elle inclut l'écriture du roman ou en théâtre, dès lors qu'il n'y a pas « forme morte » comme disait Claude Simon.
La recherche de la singularité – dans un souci d’authenticité – est un critère principal.

Contenu :
Il n’y a pas d’exclusivité de genres ou de médiums : prose, vers, récit, journal intime, poésie visuelle, etc. L’appellation d’ « arts poétiques » prend son sens. Elle inclut l'écriture du roman ou en théâtre, dès lors qu'il n'y a pas « forme morte » comme disait Claude Simon.
La recherche de la singularité – dans un souci d’authenticité – est un critère principal.

Mode d'évaluation :
Evaluation à partir de la « production » et de la présence active de l'étudiant

Bibliographie :
distribuée en cours

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et analyser des oeuvres littéraires et des stratégies d'écriture (narratives, poétiques, expérimentales) susceptibles de nourrir la pratique des étudiants.

Contenu :
Ce studio interroge les pratiques d'écriture en les expérimentant, avec un premier temps consacré à la lecture de textes et un second à l'échauffement écrit.
L'axe du studio sera double. Il s'agit, d'une part, de voir ce que la littérature peut produire face aux récits du marketing, des politiques, à tout ce que nous publions sur les réseaux sociaux, en mobilisant les pratiques de la réappropriation, du détournement, du pick up, du cut up, du cut out. D'autre part, il s'agit d'interroger la langue, la grammaire et la syntaxe comme autant de structures de pouvoir ; ces dernières n'étant pas un moyen neutre à notre disposition pour exprimer des états, idées, sentiments, mais plutôt un cadre qui détermine nos manières de percevoir et de ressentir.
Pour explorer ces deux axes, nous mobiliserons aussi bien des textes littéraires que des matériaux non littéraires.

Les étudiants qui suivent le studio sont également invités à présenter un ou des textes (littéraires ou non) à partir desquels ils souhaiteraient expérimenter un échauffement écrit collectif.

Mode d'évaluation :
L'évaluation portera sur une présence régulière, une participation orale (qui peut présenter un travail d'écriture en cours, une expérience de lecture) et une participations aux échauffements d'écriture.

Bibliographie :
La bibliographie sera complétée lors des séances.
Maurice Grevisse ; Anne Portugal ; Emmanuel Hocquard ; Gertrude Stein ; David Foster Wallace ; Ann James Chaton ; Charles Reznikoff ; Elfriede Jelinek, Bruno Schulz ; Christophe Tarkos ; Céline Minard ; Kathy Acker

Support de cours :
Textes et images projetés en cours à partir d'un ordinateur ; textes photocopiés.

Objectifs pédagogiques :
Apprendre à installer son travail dans un espace d'exposition, prendre l'espace à bras le corps. Apprendre à regarder, décrire et analyser ses gestes et ses formes. Apprendre à photographier son travail.

Contenu :
Chaque semaine, les étudiants de 4e et 5e année art, se retrouvent pendant un après-midi dans la salle d'accrochage, afin de sortir les travaux de l'atelier et de les regarder dans un potentiel espace d'exposition. Ce sont des accrochages individuels et collectifs. La parole est autant donnée aux professeurs qu'aux étudiants présents. Il s'agit d'un temps collectuf de regard et d'analyse. Les formes à regarder sont manipulées, afin de rendre ce moment très concret. Il va de soi que tous les médiums sont concernés : vidéo, sculpture, peinture, performance... L'accrochage ici n'est pas considéré comme une fin en soi ; il fait encore partie du processus de travail. Nous ne sommes pas encore dans l'exposition mais à son seuil !

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Paul Thek, Phyllida Barlow, Jessica Stockholder, Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, Guy De Cointet, Henri Moore...

Objectifs pédagogiques :
Lens Art permet, en un seul nom, de rassembler des pratiques très variées autour de la notion d' 'imageur'. Par imageur, on peut entendre appareil photographique, caméra vidéo, caméra S8, scanner, images collectées, archives récupérées ou construites, ainsi que diverses techniques d'impression.
http://studio-photographie.blogspot.fr/
Le studio est construit autour de discussions sur des thèmes spécifiques (voir bibliographie) et surtout autour des travaux proposés. Il s'agit de pousser au maximum l'achèvement des travaux.

Contenu :
Un blog dédié à l'actualité de la recherche photographique ainsi que des enjeux théoriques permet d'ouvrir le débat sur des questions historiques ou liées à des pratiques contemporaines, mais aussi sur les enjeux propres de cet outil qui peuvent dépasser et recouvrir le champ de l'art contemporain (sociologie, ethnologie). Analyse des mutations technologiques opérées depuis une dizaine d'année.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Clément Chéroux, « Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique », « Diplopie, l'image photographie à l'ère des medias globalisés »
- Michael Fried, « La place du spectateur », « Why photography matters as art as never before »
- Michel Poivert, « L'image au service de la révolution », « La photographie contemporaine »
- Rosalind Krauss, « Le photographique, pour une théorie des écarts »
- André Gunthert, « La fabrique des images contemporaines »
- Jeff Wall, « Essais et entretiens »
- Geoffrey Batchen, « Suspending time », « Snapshot, l'histoire de l'art et le tournant ethnographique »
- Olivier Lugon, « Le style documentaire », « Avant la 'forme tableau' » (le grand format dans l'exposition « signs of life »)
- Martin Parr, « Le documentaire conceptuel »

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le studio s'intitule « Modèle – Archétype – Style ».
Le studio est mené conjointement par Armando Andrade Tudela et Nicolas Chardon

L'objectif du studio est de considérer au même titre que les matériaux et les techniques les conditions extérieures d’émergence de l’œuvre d’art.
Le contexte de tout travail est celui que l’artiste produit.

Contenu :
Le studio Modèle – Archétype – Style s’organise en séances de réflexion à partir d’un ouvrage, d’une œuvre ou d’un lieu. Les débats conduisent à intégrer par exemple la généalogie ou la topologie dans l’analyse des œuvres, pour mieux inventer sa propre position.
Une forme publique (fanzine, site internet, exposition) est à construire.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Permettre à l'étudiant de concrétiser et finaliser les éléments issus de la recherche et du développement du projet ou du travail.

Contenu :
Le terme de production vient ici qualifier le travail d'atelier en phase projet et, dans un registre un peu différent, en phase préparatoire du diplôme DNAT.
On peut raisonnablement considérer que dans le cadre d'un projet personnel pleinement orienté du côté d'une activité de recherche, la finesse de la réflexion sur l'économie générale du travail et sa faisabilité d'une part, et, d'autre part,
l'ajustement du niveau de 'l'agir' dans la complémentarité au 'faire', pour la concrétisation des travaux, pièces et objets, conduisent l'étudiant à 'produire' les signes tangibles et manifestes de son projet.
Production donc, tant dans son acception de 'production de l'esprit', au double sens littéral et ici très adapté de 'génération' et de 'formation', que dans son acception de 'production d'objet' tel que tableau, film, etc.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Entretiens individuels et semi-collectifs en atelier.

Objectifs pédagogiques :
Expérimentation dans le domaine du son, de la musique et de la mise en situation des réalisations.

Contenu :
Usages du son au croisement des champs de la musique, des arts visuels et de l'ingénierie sonore ; acquisition des connaissances et compétences liées à la production et à la diffusion des sons ; études particulières liées à l'écoute de la voix parlée ou chantée, dans le cadre de l'interprétation en direct et de la radiophonie. L'essentiel est articulé autour de la production sonore des étudiants. Toutes les propositions sonores sont acceptées (vidéos, installations, improvisations, scène, etc.).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
http://michelchion.com/
http://firstsounds.org/
http://filmsound.org/
http://www.radiofrance.fr/

Support de cours :
http://gillesgrand.free.fr/
http://art45.ensba-lyon.fr/art/art.html

Objectifs pédagogiques :
Le studio s’organise autour du travail en atelier et des productions plastiques des étudiants. La production individuelle de l'étudiant sera discutée collectivement pendant la phase de réalisation en atelier dans le but d'élargir l’éventail des gestes techniques et de créer un lien avec l’analyse théorique et les connaissances dans le domaine de l'art contemporain.

Contenu :
Tout artiste travaille à partir d’un dialogue collectif, d’un savoir-faire et de connaissances partagées. On peut parler de ce partage comme d’une interlocution, telle que Hans Georg Gadamer l’a pensée dans les années 1960 autour de l’objet qui se trouve au centre de la discussion.(Gadamer, Vérité et Méthode éd.fr. 1994) Il remet en doute la notion de vérité objective fondée sur l’expérimentation propre à la science moderne. Pour cela, il remonte aux pères de la chrétienté et à une tout autre idée de vérité, pour montrer que la vérité n’est pas l’objet qui est vérifié et mesuré, mais serait plutôt l’objet qui surgit au moment de la discussion même. Dans un certain sens, la vérité est pour Gadamer dans la relativité de la discussion. Cette approche dit quelque chose de précis pour toutes les formes de recherche, mais elle attribue une place centrale au point de vue subjectif et à la possibilité dialectique de la rencontre entre différentes subjectivités. Le dialogue entre artistes et la définition intersubjective des problématiques sont une forme d’interlocution. Celle-ci tient compte des approches singulières, tout en développant un objet commun en continuelle évolution.

Le studio se concentre sur vos productions plastiques. Selon un calendrier établi à l’avance, chacun va présenter une ou plusieurs productions en cours. Il s'agit de regarder avec attention les gestes de vos productions et de les confronter aux acquis théoriques. Placer un geste, trouver une solution technique sont des actions qui présupposent une distanciation : pourquoi faire et dans quel but. C’est le début de la discussion.
Toute action plastique met en place une approche théorique. Le studio veut porter une attention particulière à cette relation complexe entre la connaissance matérielle, qui est en grande partie automatique et inconsciente, et le travail de verbalisation et de mise en perspective collective, donc historique et théorique du travail. Cette approche veut mettre en évidence la relation spécifique qui se crée entre ce qu'on appelle la forme et la notion de temps dans une perspective collective et donc historique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- B.Rüdiger, “Le temps de la recherche en art”, in Hermès 2015/2 N.72 L’artiste, un chercheur pas comme les autres, C.N.R.S. éditions, Paris 2015.
- E.Parendeau, B.Rüdiger, B.Seror, 'L'interlocution en art' et B.Rüdiger, in Culture et recherche N.130, éd. du Ministère de la Culture et de la Communication.
- Bernhard Rüdiger, « Neuf Rêves écrits sur l'art ; un caprice », Au même titre, Paris et Hopefulmonster, Torino, 2001
- Bernhard Rüdiger, conversation avec Pascal Beausse, « Manhattan Walk : faire un pas de côté, l’histoire, le document, l’icône et l’artiste comme non-reporter », [EUX] Lyon, 2005

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
- confronter l'étudiant à la réalité de parcours professionnels spécifiques dans une logique de désintimidation
- montrer la diversité et multiplicité des économies et des modèles
- dresser une cartographie des acteurs du monde de l'art, mais aussi des positions idéologiques et culturelles

Contenu :
Une journée avec un.e invité.e : écrivain.e, architecte, galeriste, collectionneur.euse, artiste, commissaire, journaliste, producteur.trice, etc. en privilégiant des positions originales et des parcours singuliers dans le champ de l'art et en dehors. L'idée est de proposer une rencontre informelle qui provoque questions et débat, puis, en fonction de l'invité, un mini workshop spécifique ou des rencontres en public avec des travaux d'étudiants