Objectifs pédagogiques :
Enrichir et asseoir les connaissances artistiques liées à l’environnement anglo-saxon et les pratiques de la langue orale. Les cours d'anglais ont pour objectif d'améliorer l'aisance orale des étudiants dans des situations et contextes essentiellement liés au monde de l'art et à leurs études artistiques

Contenu :
Exposés (présentation d’un artiste et de l’une de ses oeuvres)
Etudes de vidéos, de photographies, de textes portant sur un artiste, un designer, un architecte...

Exercices sur le vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Bibliographie :
« The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
Cabinet Magazine, issue 42, forgetting, Summer 2011
Garbage Warrior, Oliver Hodge, 2009
Rikimbili, Cité du design Saint-Etienne, 2009

Support de cours :
Extraits de journaux, revues d'art / design et de livres, conférences filmées, documentaires

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Découvrir l’histoire de l’art en tant que discipline sous l’angle d’une histoire de l’art (en l’occurrence une histoire de l’art possible des avant-gardes en Europe de la première moitié du XXe siècle)
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Susciter le désir de voir, et de voir encore
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres…)
Ensuite, le feu. Paula Modersohn-Becker (1903) : « [Les tableaux] doivent devenir encore plus surprenants. Il doit y avoir en eux un souffle, un pressentiment et une étrangeté, comme dans la nature telle qu’elle nous apparaît dans les instants où notre regard se porte, sincère et clair, sur l’essence singulière des choses. »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Art en théorie, 1900-1990 : une anthologie (Charles Harrison et Paul Wood éds.), Paris, éd. Hazan, 1997
- Catherine Gonnard et Élisabeth Lebovici, Femmes artistes, artistes femmes : Paris, de 1880 à nos jours, Paris, éd. Hazan, 2007
- Catalogue Les réalismes. 1919-1939, Paris, Centre Pompidou, 1980

Support de cours :
Cours magistral, participation toutefois requise

Objectifs pédagogiques :
Dans ce cours théorique et pratique, l'étudiant.e est invité.e à découvrir le champ des humanités numériques (de l'anglais « Digital Humanities »).

Contenu :
Plus généralement, il s'agira de s'interroger et de voir en quoi l'informatique impacte les manières de faire et d'expérimenter l'art aujourd'hui.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Sitographie :
Ressources cours : http://www.twitter.com/enbanf
« Erreur d’impression. Publier à l’ère du numérique » : http://espacevirtuel.jeudepaume.org/erreur-dimpression-1674/
Open Source Publishing : http://osp.kitchen


- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Support de cours :
Cours magistral augmenté d'exemples pratiques.

Objectifs pédagogiques :
Accompagner de jeunes artistes dans la construction de leur espace de recherche et dans la fabrication de leurs outils conceptuels et esthétiques dans un monde en mutation.
Apprendre à penser ensemble les questions artistiques et les enjeux économiques, technologiques et sociaux.
Apprendre à questionner les imaginaires contemporains dans la perspective de mettre à jour les impensés issus de la fabrication des représentations coloniales.
Apprendre à se décentrer sans s'approprier.
Construire des relations d’instruction réciproque, évolutives et dynamiques autour d’un objet de recherche et des formes singulières émanant de la proposition artistique.

Contenu :
A partir de la lecture approfondie des ouvrages clés des études décoloniales, il s’agit d’analyser la fabrication des représentations qui impactent encore de nos jours les imaginaires collectifs et de questionner les héritages respectifs à travers le concept de 'non innocence'. Une attention particulière est portée sur la recherche décoloniale sud-américaine concernant les questions de pouvoir, de genre et écologiques.
Cette démarche est nourrie et mise en regard des travaux d'artistes qui développent des démarches transversales croisant art contemporain, technologies numériques, économie et mobilisations afin de déconstruire les représentations médiatiquement dominantes et imaginent des reconfigurations inédites. Une large part est faite aux propositions spéculatives et aux travaux d’artistes qui proposent de reprendre les filiations antécoloniales pour imaginer et adresser des questions contemporaines : comment rendre compte de la matérialité des technologies qui se sont largement construites sur le mythe de leur immatérialité ? Est-il possible de se réapproprier le vocabulaire scientifique et technologique confisqué par l'imaginaire de la silicon valley pour en re-ouvrir les sens et les potentialités ?

Mode d'évaluation :
Présence et participation

Objectifs pédagogiques :
Construire les traces de sa méthode, enregistrer et apprendre à organiser ce qui sert à réfléchir, à travailler.
Donner à voir ses approches, même si celles-ci sont incertaines ou en esquisses.
Savoir montrer les 'dessous' du travail.

Contenu :
Les questions les plus actuelles seront mises en échos, en dialogues avec les expériences passées.
Regards sur les processus de recherche des artistes, les notes, les écrits, les incertitudes, les projets non-réalisés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel collégial.

Bibliographie :
- « Les Carnets de Léonard de Vinci », préface de Paul Valéry, Gallimard
- « Passages : Victor Burgin », catalogue d'exposition Musée d'Art Moderne de Villeneuve d'Ascq

Support de cours :
Ateliers collectifs et cours magistral.

Objectifs pédagogiques :
× Connaître et identifier les fondements historiques d’une pratique définie par de nombreux contrats (social, moral, économique, esthétique, technique et avant tout politique) : le design.
× Questionner les liens historiques qui unissent avant-gardes artistiques et pionnier·ère·s du design.
× Révéler des lignées de concepteur·rice·s, des avancées techniques, des mutations sociales significatives afin de mieux comprendre les dynamiques qui animent aujourd’hui le design.
× Acquérir des méthodes d’analyse et un regard critique.

Contenu :
Les racines du design industriel à l’épreuve de la caricature.

Ce cours propose d’analyser une sélection d’images et de textes satiriques dépeignant à très gros traits la naissance du design industriel, comme autant de clés de compréhension et de jalons historiques majeurs.

En 1914, lors d’un débat assez confidentiel organisé à Cologne, des artistes menés par Henry van de Velde refusent de soumettre les formes qu’ils conçoivent aux normes industrielles et par là même de sacrifier leur individualité sur « l’autel du type », ainsi que l’aurait souhaité l’architecte Hermann Muthesius. Un caricaturiste, Karl Arnold, a tourné en dérision cette querelle dans Simplicissimus, un journal satirique à grand tirage : « Van de Velde propose une chaise individualiste, Muthesius une chaise standard et le menuiser réfléchit à une chaise pour s’asseoir. » Quelques années auparavant, les sources d’inspiration d’Adolf Loos, auteur d’un très polémique essai intitulé « Ornement et crime », avaient elles aussi été sévèrement moquées. Un dessin représentant l’architecte viennois en train de contempler une plaque d’égout est ainsi légendé : « L’homme vraiment moderne se promène dans la rue, plongé dans une réflexion sur l’art. Il s’arrête soudain pétrifié. Il a trouvé ce qu’il cherchait depuis si longtemps. » De la fantasmagorie médiévale de William Morris au rationalisme radical des maîtres du Bauhaus en passant par le « style Nouille » de Hector Guimard, les œuvres, controverses et idées fondatrices du design industriel ont fait l’objet de nombreuses caricatures au statut ambigu. Tout en tâchant de discréditer leur sujet, celles-ci révèlent en effet la progressive percée dans le quotidien d’une pratique encore avant-gardiste.

Mode d'évaluation :
En continu

Bibliographie :
GIEDION Sigfried, La Mécanisation au pouvoir : contribution à l'histoire anonyme, Centre Pompidou, CCI, 1980 (1948).
HAYDEN Dolores, The Grand Domestic Revolution: A History of Feminist Designs for American Homes, Neighborhoods, and Cities, MIT Press, 1981.
JARRIGE François, Technocritiques, du refus des machines à la contestation des technosciences, La Découverte, 2014.
MORRIS William, L’Âge de l’ersatz et autres textes contre la civilisation moderne, Paris, Encyclopédie des nuisances, 1996.
RICHARD Lionel, Comprendre le Bauhaus, Gollion, Infolio, 2009.
SCHIVELBUSCH Wolfgang, La Nuit désenchantée : à propos de l'histoire de l'éclairage artificiel au XIXe siècle, Paris, Le Promeneur, 1993 (1988).

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier a une double finalité : initier les étudiant.es aux formes de l’écrit propres aux champs de l’art et du design et les accompagner dans l’exercice d’écriture. Il s’agira de découvrir des textes classiques plus ou moins anciens, de se familiariser avec les formes de l’écrit dans les champs de l'art et du design, et plus largement dans le champ culturel contemporain : écrits théoriques, communiqués de presses, articles de presses, paratextes divers, etc.

Contenu :
On souhaite, pendant le premier semestre, aborder à l'occasion de chaque cour, une nouvelle figure de l'artiste contemporain, qui emprunte à une profession non-artistique ses caractéristiques : l'artiste comme historien, l'artiste comme militant, l'artiste comme soignant, l'artiste comme pédagogue, etc.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.
Notation : présence et production textuelle.

Bibliographie :
- Giorgio Vasari, Vie des artistes
-

Support de cours :
Les cours seront articulés en ateliers, accompagnés de quelques cours généraux.
Des visites d'exposition seront organisées.

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et développer l'activité de recherche d'informations et la constitution d'une base de données nécessaires à l'élaboration d'une méthode de travail et à la mise en place d'une problématique individuelle.

Contenu :
Le travail de documentation fait partie intégrante des enseignements théoriques et plastiques. Ses orientations et contenus sont directement liés à l'enseignement en question et aux décisions quant à la constitution même du travail de l'étudiant.
Ainsi, si la collection d'informations s'avère un moment indispensable à toute démarche de création (l'archive comme matière), en design tout autant qu'en art, il est tout aussi important de se poser la question des modalités de production d'informations et d'archives de cette démarche même (la matière comme archive), quand celle-ci ne va pas jusqu'à se superposer à elle pour construire un travail d'auteur qui se veuille 'documentariste'.
À noter que le travail de documentation est pour partie constitué d'éléments exogènes aux champs de la création et, qu'il peut, de par la nature de leur traitement, permettre d'interroger les limites de ces derniers.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Au semestre 1, cet enseignement est pleinement intégré aux différents cours et ateliers.

Objectifs pédagogiques :
Le programme pour l’atelier IMAGES/ ESPACES est construit sur la dynamique de la recherche et de l’expérimentation prolifique.
C’est un lieu où la transmission pédagogique n’est pas dissociable de la pratique.
Le travail dans l’atelier est un temps particulier et régulier de mise en commun des recherches.
Il s’agit d’apprendre à présenter son travail au sein du groupe et la rencontre individualisée en est le développement.

Contenu :
Le temps d’enseignement est construit en trois axes distincts :
Suites/Séries/Séquences ; ce sont des projets qui reposent sur l’approfondissement de l’expérimentation.
La confrontation aux expositions et aux œuvres est le préalable indispensable à la construction d’un socle de connaissances artistiques.
Nous travaillerons à saisir les écarts entre les intentions et les faits ; pendant et après l’accrochage toutes les semaines paires.

Mode d'évaluation :
L’évaluation est continue :
Assiduité, engagement personnel, qualités sémantiques, progressions des réalisations et précisions dans les spatialisations.

Bibliographie :
- François Soulages et Marc Tamisier, « Photographie contemporaine et art contemporain; l'image et les images », Klincksieck
- Régis Durand, « Habiter l’image », Marval, 1994
- « Art conceptuel, une entologie », MIX, 2008
-« L'expérience des images », Marc Augé, Georges Didi-Huberman, Umberto Eco, INA Editions, 2011
-«Architecture radicale» Iac, Seuil, 2001

Support de cours :
Nous examinerons les réalisations chaque semestre autour d’un archivage et d’une alternative éditoriale. L’ensemble comprendra des images et des textes issus des carnets de recherches.
Cette production exprimera les temps forts d’un parcours, d’un cheminement et les prémisses d’une position engagée.

Objectifs pédagogiques :
Initiation au design d'espace en année propédeutique

Contenu :
Ici l’horizon

La thématique centrale renvoie à des questions bien connues de l’architecture qui sont celles de l’articulation des échelles différentes, la relation au contexte géographique et humain, les tissages entre les usages projetés et émergents. Ou comment à partir du corps penser une structure qui le dépasse, comment à partir du geste se mettre en lien et trouver sa place - et de là une place pour une inscription matérielle qui va venir s'ajouter. Il s'agit de penser la forme comme ouverture, de la penser avec le vide qu'elle active, les nouvelles relations spatiales qu'elle crée. Comment par le projet habiter le monde - et cela est forcément radical. Notamment parce que cela pose les questions de l'altérité et du commun, de la relation de nos pratiques à une culture matérielle - voire des formes de consommation.

Le projet d’initiation mené sur 5 séances visera à projeter une structure minimale habitable/habitante, très simple en elle-même mais en lien avec la subtilité d'un contexte et un site, à la fonder à travers une ou des actions et à la décrire à travers des fragments, traces ou signes à échelles 1 associés à des « pratiques d’imaginations » comme plans, croquis, photomontages, maquettes, cartes et toutes autres formes de représentation et de narration.
Ici, la pratique de projet est posé dans sa dimension de projetation, c'est à dire la capacité à raconter, par le projet, quelque chose qui pourrait exister ici, mais qui n'existe pas encore.
Ce travail se déploiera dans le site du défilé de Saône dans lequel est inscrite l'ENSBA, ce qui permettra une pratique d'arpentage et d'attention sensible, avec l'inscription physique comme expérience fondatrice d'une proposition. Les étudiant·es ont le choix de mener ce travail de manière collective ou individuelle.

Mode d'évaluation :
présence obligatoire/RDV à chaque séance - contrôle continu - accrochage lors de la dernière séance

Bibliographie :
'Être au monde - quelle expériene commune?' Philippe DESCOLA et Tim INGOLD - Débat présenté par Miche LUSSAULT- Presses Universitaires de Lyon, 2014
'La pensée paysagère' Augustin BERQUE, 2016 - Le site d'Augustin BERQUE est très bien aussi
'No man's land ; l'homme a-t-il encore sa place ?' Collectif, dirigé par Marion LAVAL-JEANTET, 2019
'Lieu' Tacita DEAN et Jeremy MILLAR, 2005

«Architecture Radicale» - Frédéric MIGAYROU -­  Institut D'art Contemporain-IAC Villeurnanne, 2001
Le film 'Les visionnaires-Une autre histoire de l'architecture ' de Julien DONADA, 2013

« La Poétique de l'espace » Gaston BACHELARD 1957
« La dimension cachée » Edward T. HALL, 1966

« The Manhattan transcripts», - Bernard TSCHUMI, 1995
« New-York delire » -Rem KOOLHAAS, 1978
« La structure et l'objet »- Jean-François PIRSON, 1984
« Penser l’architecture »- Peter ZUMTHOR , 2006
« Danses tracées: dessins et notation des chorégraphes»- Laurence LOUPPE, 1991

Romans
 -Philippe Vasset 'La conjuration' Fayard, 2013
- Jean Echenoz 'L'occupation des sols', Les éditions de minuit, 1988
-Bernard CLAVEL« Pirates du Rhône » (1957), Poche , 2003
-Bruce Chatwin « Le chant des pistes », Grasset, 1988
-Richard Mc Guire « Ici » roman graphique, Gallimard, 2015

Support de cours :
des éléments sont donnés lors de la séance introductive

Objectifs pédagogiques :
Cette Initiation se construit autour d’un temps théorique de découverte de l’histoire du design graphique et de ses nombreuses facettes -- notamment au travers de ses correspondances et manifestations dans le champ artistique -- articulé à des expériences pratiques interrogeant les formes, outils et supports du design graphique aujourd’hui.

Contenu :
Ce cours a pour thème *l'écoute graphique*, proposant par le biais d'une correspondance avec le domaine acoustique de développer une attention et une curiosité active vis-à-vis des formes graphiques et éditoriales présentes dans notre environnement. Il s'agit d'encourager le développement d'une conscience sensible, d'un regard critique et d'un appétit décloisonné pour les aspects culturels et techniques du territoire étendu que l'on nomme *graphisme*. Au programme : observation et expérimentation avec une variété d'outils de traitement du texte et de l'image, au carrefour des sens et des idées, à la découverte des supports des processus de production, de diffusion et de transmission du travail graphique.

Mode d'évaluation :
Présence et participation.

Bibliographie :
Anni Albers, *On Weaving*, Middletown, CT: Wesleyan University Press, 1965
John Berger, *Ways of seeing*, London: Penguin Books, 2008
Sara De Bondt et Catherine de Smet, *Graphic Design: History in the Writing*, Occasional Papers, London, 2012
Robert Bringhurst, *The Elements of Typographic Style*, Vancouver: Hartley and Marks Publishers, 2013
Johanna Drucker, *The Alphabetic Labyrinth*, London: Thames and Hudson, 1995
Maryam Fanni, Matilda Flodmark et Sara Kaaman, *Natural Enemies of Books*, London: Occasional Papers, 2020
Karl Gerstner, *Designing Programmes*, Zurich: Lars Müller Publishers, 2009
Anthony Huberman (ed.), *For the Blind Man in the Dark Room Looking for the Black Cat That Isn't There*, Contemporary Art Museum St Louis, 2009
Anja Kajser et Rebecca Stephany (eds.), *Glossary of Undisciplined Design*, Leipzig: Spector Books, 2021
Richard Kostelanetz (ed.), *Text-Sound Texts*, NY: William Morrow et Co., 1980
Louis Lüthi. *The Self-Reflexive Page*, Amsterdam: Roma Publications, 2010
Hans Rudolf Lutz, *Today’s Hieroglyphs*, Sulgen: Niggli Verlag, 2009
Saki Mafundikwa, *Afrikan Alphabets*, West New York, NJ: M. Batty, 2004
James F. O’Brien. Design by Accident, Dover Publications, New York, 1968
Pauline Oliveros, *Software for People: Collected Writings 1963-80*, Baltimore: Smith Publications, 1984
Ruben Pater, *The Politics of Design*, Amsterdam: BIS Publishers, 2016

Objectifs pédagogiques :
Découvrir le design textile de manière expérimentale.
Élargir son champs des possibles grâce au support tissu.
Travailler en groupe sur un projet et communiquer dessus.
Appréhender la surface tissu, sa matière, utiliser des techniques libres sur la matière.
Définir la notion de collection.

Contenu :
Aider l'élève à travailler des nouvelles techniques liées au médium tissu.
Découvrir des contemporains utilisant ce médium dans le champs de l'art et du design.

Mode d'évaluation :
Notation au projet

Bibliographie :
Bibliographie adaptée projet, et selon les besoins de l'élève.

Objectifs pédagogiques :
Les initiations techniques et technologiques se déroulent lors de l'année 1 et ont pour premier objectif la découverte et la connaissance du fonctionnement des pôles technologiques de l'école. Celles-ci se déroulent sous forme de stages où l'étudiant est conduit à acquérir les compétences minimum nécessaires à l’expérimentation plastique et à l'apprentissage des processus de création.

Contenu :
Les initiations consistent en l'apprentissage des outils et leur mise en pratique autour de médias ou de techniques spécifiques. Les initiations se déroulent dans les différents pôles technologiques de l'école et sont conduites par des équipes de professeurs de l'année 1 en collaboration avec les professeurs responsables des pôles et les différents techniciens.
Elles sont en résonance avec les divers champs de la création contemporaine et concernent des domaines tels qu'informatique, photographie argentique, photographie numérique, estampes (édition et multiple), volume et sculpture, etc.

Une présentation des contenus est proposée afin de percevoir l’articulation entre pratique et théorie et les enjeux historiques. Le travail pratique en atelier est guidé par un ou plusieurs enseignants référents.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier se propose de poursuivre avec énergie et mobilité le travail d'initiation engagé en début de première année dans les différents pôles techniques de l'école. Il s'agira de développer une pratique expérimentale de l'image – qu'elle soit photographique, imprimée ou dessinée – associée à des connaissances théoriques, et d'ouvrir ainsi un champ riche de travail pour chaque étudiant dans le domaine transdisciplinaire des arts graphiques. Nous prendrons en compte les « arts à la machine » (et notamment la caméra) comme des instruments de perception et de jeu, pour, je l'espère, en faire peu à peu des outils capables de produire des situations d'expériences. Ce projet ne se fera pas sans une grande attention à vos processus artistiques, à vos intérêts artistiques individuels et collectifs, à vos gestes et aux formes qui en découleront. Ils constitueront, en atelier, le socle de discussions communes.

Contenu :
Le travail de documentation fait déjà aujourd'hui partie de la transmission de votre pratique ; il participe aussi de toute recherche théorique sérieuse que l'on soit historien, scientifique ou artiste. Qu'est-ce qu'un document ? Comment une image, une reproduction d'oeuvre documente-elle un propos ? Nous nous intéresserons aussi aux enjeux du travail d’articulation d’une iconographie et à ses possibles mise-en-forme, en examinant notamment des tentatives diverses (livre d'artistes, éditions, films-essais, etc).
La photographie numérique et argentique, le montage vidéo, le montage photographique et le collage ou encore les techniques de la gravure et de l’impression seront des pratiques abordées en relation avec les trois pôles techniques de l’école : édition, images-mouvement, photographie. Des exercices collectifs et individuel pourront être proposés. L'atelier proposera ainsi une introduction à des problématiques propre au design graphique (le montage d'image) et au design textile (l'impression).

Mode d'évaluation :
Participation active à l'atelier et aux cours proposés, contrôle continu au regard de la qualité des travaux rendus et de l'évolution de la pratique et bilan semestriel

Bibliographie :
- Henri Focillon, Maîtres de l'estampes, Paris, Flammarion (coll.Images et Idées), 1969.
- Jean-François Chevrier, Entre les beaux-arts et les médias : photographie et art moderne, Paris, Éd. L'arachnéen, 2010, Les relations du corps, Éd. L'arachnéen, 2010, et Œuvre et activité, Éd. L'arachnéen, 2015
- Pierre Reverdy, Note éternelle du présent, écrits sur l'art (1923-1960), Paris, Flammarion, 1973
- Olivier Boulnois, Au delà de l'image, Une archéologie visuel au Moyen-Âge, Ve-XVIe siècle, Paris, Éd. du Seuil, 2018
- Charles Baudelaire, « Le public moderne et la photographie » et « le peintre de la vie moderne » dans le « Salon de 1859 », Critique d'art, Paris, Gallimard (coll.Folio essais n°183), 1992
- Jeff Wall, Essais et entretiens, 1984-2001, Paris, Ensba Éd., 2001
- « Le parti pris du document, littérature, photographie, cinéma et architecture au XXe siècle », revue Communication n°71, Éd. du Seuil, 2001
- Steen Eiler Rasmussen, Découvrir l'architecture, Paris, Le linteau, 2002
- Fanny Béguery et Adrien Malcor, Enfantillages outillés, un atelier sur la machine,Paris, Éd. L'arachnéen, 2016

Objectifs pédagogiques :
Ce cours apprend aux étudiants à reconnaître et à manipuler les éléments fondamentaux du dessin : la ligne, le volume, la forme, la composition et de l'espace. L'accent est mis sur le fait de voir activement et de travailler avec précision à partir de l'observation. Les élèves explorent une variété de matériaux et de méthodes, tout en travaillant directement à partir de l'observation, y compris la nature morte, le modèle vivant, l'espace architectural intérieur/extérieur et le monde naturel. Les travaux portent sur des questions techniques et conceptuelles liées à l'histoire de l'art et la pratique de l'art contemporain. Par l'observation intense, le dessin et la critique, les élèves développeront une pratique du dessin qui combine la pensée technique, expérimentale et critique.

Contenu :
· La capacité de dessiner à partir de l'observation.
· Articulation des préoccupations picturales de base, comme la ligne, le contour, la forme, la masse, la composition, l'espace.
· Comprendre l’importance du dessin à travers l’histoire de l’art.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu. Bilan semestriel

Bibliographie :
Drawing on the Right Side of the Brain: The Definitive, 4th Edition (Betty Edwards)
Josef Albers: To Open Eyes (Frederick A. Horowitz)
Drawing Lessons from the Great Masters (Robert Beverly Hale)
Contemporary Drawing: From the 1960s to Now (Katherine Stout)
John Berger: On Drawing

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s’agit d’encourager le maximum d’expérimentation et de mobilité possible en structurant le travail pictural. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d’établir un projet, mais simplement de prendre conscience — lors des discussions et dans votre pratique entre les séances — des conséquences et des possibilités de vos choix formelles et de pousser le travail plus loin.

Contenu :
Au premier semestre, nous allons explorer et analyser les possibilités de combinaison de matériaux propres au champ pictural : liants, pigments et supports. Nous ferons un travail spécifique sur la couleur en reprenons ensemble des exercices inventés par le peintre allemand, immigré aux Etats-unis pendant la deuxième guerre mondial, Josef Albers.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Albers, J. (2010). Interaction of Color. Yale University Press.
Danilowitz, B., et Horowitz, F. A. (2009). Josef Albers : To Open Eyes. Phaidon Press.
Lippard, L. (1976). Eva Hesse. New York University Press.
Wall, J., (2018). Essais et entretiens. ed. Beaux-arts de Paris.
Wacker, N. (1984). La Peinture a Partir Du Materiau Brut Et Le Role De La Technique Dans La Creation D'Art. s.n..

Objectifs pédagogiques :
« Je plains les hommes qui n’ont pas rêvé, au moins une fois dans leur vie,
de se changer en l’un quelconque des divers objets qui les entourent : table,
chaise, animal, tronc d’arbre, feuille de papier. Ils n’ont aucun désir de sortir
de leur peau… » Michel Leiris, entrée « Métamorphose » du « Dictionnaire
critique » de la revue Documents (1929-1931) Cette citation de Michel Leiris sera
notre point de départ pour inventer, le temps d’un semestre, une pratique
expérimentale de la sculpture.

Contenu :
_ Le cours met en tension pratique de la performance et pratique sculpturale. Expérimentations avec les objets de la citation de Michel Leiris. Exemple : la « chaise ». Les étudiant.e.s sont invité.e.s à élaborer des gestes et diverses manipulations (suite au visionnage d’extraits de captation de pièces de La Ribot). De ce moment découlent l’écriture de textes et la réalisation de « sculptures pour chaises ».
_Notre cours devrait permettre aux étudiant.e.s de tester, d’emprunter et d’élaborer des méthodes de travail évolutives; celles-ci peuvent prendre pour point de départ des oeuvres ou déclarations d’artistes et créaturz de tout genre. Nous travaillons notamment à partir du processus de recherche que Mike Kelley décrit à propos de sa vidéo Blind Country, coréalisée avec Ericka Beckman.
-Tous les 15 jours, chacun.e à son tour partage des documents d’expérience élaborés en réponse à des instructions que j’ai proposées pour la séance. Collectivement, nous regardons, analysons, associons.
-Mises en espace: commencer par échanger en cercle pour envisager les façons d’investir l’espace collectivement. Chacun.e décrit sa pièce à l’oral, et ses désirs de déploiement. Tester des configurations, des situations, des points d’accroche présents dans le lieu, des modes de fixation, sans utiliser le mobilier habituellement présent dans la salle. Après un temps d’installation où les étudiant.e.s s’entraident et font des photographies, le groupe analyse l’ensemble des propositions.

Mode d'évaluation :
Les étudiant.e.s devront élaborer une recherche pratique à partir du cadre expérimental proposé. Les échanges critiques seront permanents.

Bibliographie :
Michel Leiris, Maria La Ribot, Didier Anzieu, Mike Kelley, Ericka Beckman, Paul B. Preciado, David Hammons, Lygia Pape, Xavier Leroy, Henrik Olesen, Charlotte Posenenske, Violette A, Constantin Brancusi, Marcel Duchamp, Pina Bausch, Jérôme Bel…

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Enrichir et asseoir les connaissances artistiques liées à l’environnement anglo-saxon, les stratégies d'écriture et d'écoute. Les cours d'anglais ont pour objectif d'améliorer l'aisance orale des étudiants dans des situations et contextes essentiellement liés au monde de l'art et à leurs études artistiques

Contenu :
Exposés (présentation d’un artiste et de l’une de ses oeuvres)
Etudes de vidéos, de photographies, de textes portant sur un artiste, un designer, un architecte...

Exercices sur le vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Bibliographie :
Cabinet Magazine, issue 41 infrastructure, Spring 2011
Burroughs W, Junkie, New York, 1953
The Saatchi 100, 53:23 mins, Illuminations, 2003

Support de cours :
Cours collectif, interventions individuelles, extraits de journaux, revues d'art / design et de livres, conférences filmées, documentaires

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Découvrir l’histoire de l’art en tant que discipline sous l’angle d’une histoire de l’art (en l’occurrence une histoire de l’art possible des avant-gardes en Europe de la première moitié du XXe siècle)
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Susciter le désir de voir, et de voir encore
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres…)
Ensuite, le froid. Max Beckmann (1920) : « Je ne hais rien autant que la sentimentalité. Notre existence ébranlée me brûle. Plus est forte ma décision de fixer les choses indicibles de la vie, plus je serre les lèvres, tout à ma volonté froide de saisir cette monstrueuse et palpitante vitalité, de la supprimer et de l’étrangler, de l’emprisonner dans des lignes et des plans aussi nets comme du verre. »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Art en théorie, 1900-1990 : une anthologie (Charles Harrison et Paul Wood éds.), Paris, éd. Hazan, 1997
- Catherine Gonnard et Élisabeth Lebovici, Femmes artistes, artistes femmes : Paris, de 1880 à nos jours, Paris, éd. Hazan, 2007
- Catalogue Les réalismes. 1919-1939, Paris, Centre Pompidou, 1980

Support de cours :
Cours magistral, participation toutefois requise

Objectifs pédagogiques :
Dans ce cours théorique et pratique, l'étudiant.e est invité.e à découvrir le champ des humanités numériques (de l'anglais « Digital Humanities »).

Contenu :
Plus généralement, il s'agira de s'interroger et de voir en quoi l'informatique impacte les manières de faire et d'expérimenter l'art aujourd'hui.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Sitographie :
Ressources cours : http://www.twitter.com/enbanf
« Erreur d’impression. Publier à l’ère du numérique » : http://espacevirtuel.jeudepaume.org/erreur-dimpression-1674/
Open Source Publishing : http://osp.kitchen


- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Support de cours :
Cours magistral augmenté d'exemples pratiques.

Objectifs pédagogiques :
Dans la perspective de l’examen du semestre 2, le projet-mémoire est une première approche d'un travail théorique personnel. Il consiste en l'élaboration d'un document portant sur les références artistiques de l'étudiant et son inscription personnelle dans le champ de la création ; il aborde l’énonciation d'une problématique et d’une pensée en relation avec la pratique plastique.

Contenu :
À partir des cours et séminaires ainsi que des recherches personnelles, l'étudiant choisira quelques notions qui lui paraissent importantes. Il est essentiel d'établir entre ces notions et l'iconographie choisie des liens qui permettent à l'étudiant d'envisager un champ de recherche à développer. Le projet/mémoire se compose d’un texte écrit accompagné d'images qui témoignent d'une recherche iconographique personnelle et d’un travail sur sa forme plastique. Cet ensemble doit être mis en forme de façon construite. Il devra permettre au jury d'évaluer à la fois la compréhension des lectures et des cours et la capacité d'établir des liens entre eux et les pratiques plastiques en vue de la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel dans le cadre de l'examen de fin d'année.

Support de cours :
Cours collectif et entretiens individuels.

Objectifs pédagogiques :
Donner aux étudiant.e.s des clés de compréhension théorique de leur pratique artistique et du milieu dans lequel elle s'inscrit.

Contenu :
Dans ce cours de deux heures, on traitera à partir de textes situés et analysés des questions philosophiques contemporaines. Il s’agira de faire connaître et d’expliquer les outils conceptuels permettant de penser, à titre d’exemples, le contemporain (lui-même) ou encore, l’hypothèse de l’anthropocène, la critique de l’appropriation culturelle, la question de l’identité (en explorant par exemple les féminismes, la figure de la sorcière mais aussi l’intersectionnalité). Autant de notions qui s’imposent à notre temps et dont il est utile, pour qui veut y inventer des propositions artistiques et poétiques, de connaître les soubassements philosophiques.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu (assiduité) + note de fiche de lecture

Bibliographie :
C. GREENBERG, Art et culture, trad. franç., Macula, Paris, 1988
S. GUILBAUT, « La Terrifiante Liberté du pinceau, Le Boston Institute of Contemporary Art et l'art moderne », in Voir, ne pas voir, faut voir, Jacqueline Chambon, Nîmes, 1993
Y. MICHAUD, L'Art à l'état gazeux, essai sur le triomphe de l'esthétique (2003), Hachette Littérature, Paris, 2004
C. MILLET, L'Art contemporain, histoire et géographie (1997), Flammarion, Paris, 2006.
※ Le marché de l'art contemporain
H.-S. BECKER, Les Mondes de l'art, ibid., 1988
H. BELLET, Le marché de l'art s'écroule demain à 18 h 30, Nil, Paris, 2001
F. BENHAMOU, L'Économie du star-system, Odile Jacob, Paris, 2002
J. BENHAMOU-HUET, Art Business (2), Assouline, Paris, 2007
L. BOLTANSKI et E. CHIAPPELLO, Le Nouvel Esprit du capitalisme, Gallimard, Paris, 1999
W. D. GRAMPP, Pricing the Priceless : Art, Artists and Economics, Basic Books, New York, 1989
X. GREFFE, Artistes et marchés, La Documentation française, Paris, 2007
N. HEINICH, L'Élite artiste, Gallimard, 2005
L. KARPIK, L'Économie des singularités, ibid., 2007
P.-M. MENGER, « L'Hégémonie parisienne. Économie et politique de la gravitation artistique », in Annales E.S.C., nov.-déc. 1993 ; Portrait de l'artiste en travailleur. Métamorphoses du capitalisme, La République des Idées-Seuil, Paris, 2003 ; Le Travail créateur, Seuil-Gallimard, 2009
C. MILLET, L'Art contemporain. Histoire et géographie, coll. Champs, Flammarion, 2006
R. MOULIN, L'Artiste, l'institution et le marché, ibid., 1997 ; Le Marché de l'art. Mondialisation et nouvelles technologies, Champs arts, 2009
N. MOUREAU et D. SAGOT-DUVAUROUX, Le Marché de l'art contemporain, La Découverte, Paris, 2006
A. QUEMIN, L'Art contemporain international : entre les institutions et le marché, Jacqueline Chambon-Artprice, Paris - Saint-Romain-au-Mont-d'Or, 2002
« L'Art dans la mondialisation », in Questions internationales, no 42, La Documentation française, Paris, 2010
J-M. SCHMITT, Le Marché de l'art, ibid., 2008
K. SIEGEL et P. MATTICK, Question d'art. Argent, trad. M. Hechter et M.-H. Dumas, Thames et Hudson, Londres, 2005.

Objectifs pédagogiques :
Construire les traces de sa méthode, enregistrer et apprendre à organiser ce qui sert à réfléchir, à travailler.
Donner à voir ses approches, même si celles-ci sont incertaines ou en esquisses.
Savoir montrer les 'dessous' du travail.

Contenu :
Les questions les plus actuelles seront mises en échos, en dialogues avec les expériences passées.
Regards sur les processus de recherche des artistes, les notes, les écrits, les incertitudes, les projets non-réalisés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel collégial.

Bibliographie :
- « Les Carnets de Léonard de Vinci », préface de Paul Valéry, Gallimard
- « Passages : Victor Burgin », catalogue d'exposition Musée d'Art Moderne de Villeneuve d'Ascq

Support de cours :
Ateliers collectifs et cours magistral.

Objectifs pédagogiques :
× Connaître et identifier les fondements historiques d’une pratique définie par de nombreux contrats (social, moral, économique, esthétique, technique et avant tout politique) : le design.
× Questionner les liens historiques qui unissent avant-gardes artistiques et pionnier·ère·s du design.
× Révéler des lignées de concepteur·rice·s, des avancées techniques, des mutations sociales significatives afin de mieux comprendre les dynamiques qui animent aujourd’hui le design.
× Acquérir des méthodes d’analyse et un regard critique.

Contenu :
Les racines du design industriel à l’épreuve de la caricature.

Ce cours propose d’analyser une sélection d’images et de textes satiriques dépeignant à très gros traits la naissance du design industriel, comme autant de clés de compréhension et de jalons historiques majeurs.

En 1914, lors d’un débat assez confidentiel organisé à Cologne, des artistes menés par Henry van de Velde refusent de soumettre les formes qu’ils conçoivent aux normes industrielles et par là même de sacrifier leur individualité sur « l’autel du type », ainsi que l’aurait souhaité l’architecte Hermann Muthesius. Un caricaturiste, Karl Arnold, a tourné en dérision cette querelle dans Simplicissimus, un journal satirique à grand tirage : « Van de Velde propose une chaise individualiste, Muthesius une chaise standard et le menuiser réfléchit à une chaise pour s’asseoir. » Quelques années auparavant, les sources d’inspiration d’Adolf Loos, auteur d’un très polémique essai intitulé « Ornement et crime », avaient elles aussi été sévèrement moquées. Un dessin représentant l’architecte viennois en train de contempler une plaque d’égout est ainsi légendé : « L’homme vraiment moderne se promène dans la rue, plongé dans une réflexion sur l’art. Il s’arrête soudain pétrifié. Il a trouvé ce qu’il cherchait depuis si longtemps. » De la fantasmagorie médiévale de William Morris au rationalisme radical des maîtres du Bauhaus en passant par le « style Nouille » de Hector Guimard, les œuvres, controverses et idées fondatrices du design industriel ont fait l’objet de nombreuses caricatures au statut ambigu. Tout en tâchant de discréditer leur sujet, celles-ci révèlent en effet la progressive percée dans le quotidien d’une pratique encore avant-gardiste.

Mode d'évaluation :
En continu

Bibliographie :
GIEDION Sigfried, La Mécanisation au pouvoir : contribution à l'histoire anonyme, Centre Pompidou, CCI, 1980 (1948).
HAYDEN Dolores, The Grand Domestic Revolution: A History of Feminist Designs for American Homes, Neighborhoods, and Cities, MIT Press, 1981.
JARRIGE François, Technocritiques, du refus des machines à la contestation des technosciences, La Découverte, 2014.
MORRIS William, L’Âge de l’ersatz et autres textes contre la civilisation moderne, Paris, Encyclopédie des nuisances, 1996.
RICHARD Lionel, Comprendre le Bauhaus, Gollion, Infolio, 2009.
SCHIVELBUSCH Wolfgang, La Nuit désenchantée : à propos de l'histoire de l'éclairage artificiel au XIXe siècle, Paris, Le Promeneur, 1993 (1988).

Objectifs pédagogiques :
Il s'agit pour l'étudiant·e de porter son attention sur des pratiques artistiques et culturelles contemporaines (tous domaines et médiums confondus) et de cerner, au travers de leur comparaison, les différentes façons dont ces pratiques abordent des objets similaires. La préparation du mémoire sera l'occasion d'effectuer un travail de recherche documentaire et iconographique.

Contenu :
La première partie du second semestre sera consacrée à l'accompagnement de la préparation et rédaction des mémoires. Il sera conduit par groupes de discussion afin que les étudiant.e.s échangent sur les phases de recherche et de rédaction. Les cours de la fin de l'année seront consacrés au visionnage de films et à la lecture de textes permettant une approche historique, sociologique et philosophique de la question de l'institution.

Mode d'évaluation :
Notation sur la présence et la participation.

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et développer l'activité de recherche d'informations et la constitution d'une base de données nécessaires à l'élaboration d'une méthode de travail et à la mise en place d'une problématique individuelle.

Contenu :
Le travail de documentation fait partie intégrante des enseignements théoriques et plastiques. Ses orientations et contenus sont directement liés à l'enseignement en question et aux décisions quant à la constitution même du travail de l'étudiant.
Ainsi, si la collection d'informations s'avère un moment indispensable à toute démarche de création (l'archive comme matière), en design tout autant qu'en art, il est tout aussi important de se poser la question des modalités de production d'informations et d'archives de cette démarche même (la matière comme archive), quand celle-ci ne va pas jusqu'à se superposer à elle pour construire un travail d'auteur qui se veuille 'documentariste'.
À noter que le travail de documentation est pour partie constitué d'éléments exogènes aux champs de la création et, qu'il peut, de par la nature de leur traitement, permettre d'interroger les limites de ces derniers.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Au semestre 2, cet enseignement est pleinement intégré aux différents cours et ateliers.

Objectifs pédagogiques :
Introduction aux options art et design de l'école ; approche des différentes démarches, thématiques et contenus et méthodes de travail à travers documentation, références et expérimentation.

Contenu :
Au cours d'une série de workshops proposés par les options art et design, l'accent est mis sur les différences d'approche méthodologique et les enjeux significatifs de chaque option. Un travail de documentation et un travail final se construit en résonance avec les contraintes et thématiques plastiques proposées.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu pendant la durée du workshop et synthèse lors du bilan semestriel dans le cadre de l'examen de fin d'année.

Bibliographie :
Les références bibliographiques changent en fonction des intervenants, elles sont communiquées avant chaque workshop.

Objectifs pédagogiques :
L’intégration progressive d’un travail d’articulation des formes entre elles dans votre pratique et une prise en considération des enjeux des situations spatiales dans le travail en atelier.

Contenu :
Pour ce travail, vous pouvez mobiliser tous les travaux des cours pratiques et éventuellement les images et documents de votre iconographie.

Mode d'évaluation :
collégiale

Objectifs pédagogiques :
L’atelier est le lieu où les formes liées aux pratiques de l’image sont étudiées :
- Ressentir les relations entre ce qui est observé et l’espace construit des images.
- Construire une relation au monde par l’observation et sa transformation dans un projet sensible.
- Apprendre à chercher, à développer, à inventer, à expérimenter des formes en relation avec le temps, l’espace et le corps.

Contenu :
À partir des travaux dirigés ; le cours sera centré sur la production d'images bi ou tridimensionnelles.
La photographie, la vidéo, le dessin, l’installation… Seront les médiums non exclusifs de cette approche, mais tous interrogeront nôtre relation aux images.
Quelles décisions suis-je amené(e) à prendre au cours du processus ? Comment ? Quels sont les outils que j’utilise ? Pourquoi ? Quelles décisions sont prises au cours de la présentation ?
Les différentes étapes permettront d’analyser et de différencier les statuts de l’image.

Mode d'évaluation :
L’évaluation est continue :
Assiduité, engagement personnel, qualités sémantiques, progressions des réalisations et précisions dans les spatialisations.

Bibliographie :
- François Soulages et Marc Tamisier, « Photographie contemporaine et art contemporain; l'image et les images », Klincksieck
- Régis Durand, « Habiter l’image », Marval, 1994
- « Art conceptuel, une entologie », MIX, 2008
-« L'expérience des images », Marc Augé, Georges Didi-Huberman, Umberto Eco, INA Editions, 2011
-«Architecture radicale» Iac, Seuil, 2001

Support de cours :
Nous examinerons les réalisations chaque semestre autour d’un archivage et d’une alternative éditoriale. L’ensemble comprendra des images et des textes issus des carnets de recherches.
Cette production exprimera les temps forts d’un parcours, d’un cheminement et les prémisses d’une position engagée.

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier se propose de poursuivre avec énergie et mobilité le travail d'initiation engagé en début de première année dans les différents pôles techniques de l'école. Il s'agira de développer une pratique expérimentale de l'image – qu'elle soit photographique, imprimée ou dessinée – associée à des connaissances théoriques, et d'ouvrir ainsi un champ riche de travail pour chaque étudiant dans le domaine transdisciplinaire des arts graphiques. Nous prendrons en compte les « arts à la machine » (et notamment la caméra) comme des instruments de perception et de jeu, pour, je l'espère, en faire peu à peu des outils capables de produire des situations d'expériences. Ce projet ne se fera pas sans une grande attention à vos processus artistiques, à vos intérêts artistiques individuels et collectifs, à vos gestes et aux formes qui en découleront. Ils constitueront, en atelier, le socle de discussions communes.

Contenu :
Le travail de documentation fait déjà aujourd'hui partie de la transmission de votre pratique ; il participe aussi de toute recherche théorique sérieuse que l'on soit historien, scientifique ou artiste. Qu'est-ce qu'un document ? Comment une image, une reproduction d'oeuvre documente-elle un propos ? Nous nous intéresserons aussi aux enjeux du travail d’articulation d’une iconographie et à ses possibles mise-en-forme, en examinant notamment des tentatives diverses (livre d'artistes, éditions, films-essais, etc).
La photographie numérique et argentique, le montage vidéo, le montage photographique et le collage ou encore les techniques de la gravure et de l’impression seront des pratiques abordées en relation avec les trois pôles techniques de l’école : édition, images-mouvement, photographie. Des exercices collectifs et individuel pourront être proposés. L'atelier proposera ainsi une introduction à des problématiques propre au design graphique (le montage d'image) et au design textile (l'impression).

Mode d'évaluation :
Participation active à l'atelier et aux cours proposés, contrôle continu au regard de la qualité des travaux rendus et de l'évolution de la pratique et bilan semestriel

Bibliographie :
- Henri Focillon, Maîtres de l'estampes, Paris, Flammarion (coll.Images et Idées), 1969.
- Jean-François Chevrier, Entre les beaux-arts et les médias : photographie et art moderne, Paris, Éd. L'arachnéen, 2010, Les relations du corps, Éd. L'arachnéen, 2010, et Œuvre et activité, Éd. L'arachnéen, 2015
- Pierre Reverdy, Note éternelle du présent, écrits sur l'art (1923-1960), Paris, Flammarion, 1973
- Olivier Boulnois, Au delà de l'image, Une archéologie visuel au Moyen-Âge, Ve-XVIe siècle, Paris, Éd. du Seuil, 2018
- Charles Baudelaire, « Le public moderne et la photographie » et « le peintre de la vie moderne » dans le « Salon de 1859 », Critique d'art, Paris, Gallimard (coll.Folio essais n°183), 1992
- Jeff Wall, Essais et entretiens, 1984-2001, Paris, Ensba Éd., 2001
- « Le parti pris du document, littérature, photographie, cinéma et architecture au XXe siècle », revue Communication n°71, Éd. du Seuil, 2001
- Steen Eiler Rasmussen, Découvrir l'architecture, Paris, Le linteau, 2002
- Fanny Béguery et Adrien Malcor, Enfantillages outillés, un atelier sur la machine,Paris, Éd. L'arachnéen, 2016

Objectifs pédagogiques :
Ce cours apprend aux étudiants à reconnaître et à manipuler les éléments fondamentaux du dessin : la ligne, le volume, la forme, la composition et de l'espace. L'accent est mis sur le fait de voir activement et de travailler avec précision à partir de l'observation. Les élèves explorent une variété de matériaux et de méthodes, tout en travaillant directement à partir de l'observation, y compris la nature morte, le modèle, l'espace architectural intérieur/extérieur et le monde naturel. Les travaux portent sur des questions techniques et conceptuelles évoquées par l'histoire de l'art et la pratique de l'art contemporain. Par l'observation intense, le dessin et la critique, les élèves développeront une pratique du dessin qui combine la pensée technique, expérimentale et critique.

Contenu :
· La capacité de dessiner à partir de l'observation.
· Articulation des préoccupations picturales de base, comme la ligne, le contour, la forme, la masse, la composition, l'espace.
· Comprendre l’importance du dessin à travers l’histoire de l’art.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu. Bilan semestriel

Bibliographie :
Drawing on the Right Side of the Brain: The Definitive, 4th Edition (Betty Edwards)
Josef Albers: To Open Eyes (Frederick A. Horowitz)
Drawing Lessons from the Great Masters (Robert Beverly Hale)
Contemporary Drawing: From the 1960s to Now (Katherine Stout)
John Berger: On Drawing

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit de poser les fondations qui permettront le maximum d’expérimentation et de mobilité possible dans le champs pictural dans vos années d'études.
Plutôt que de circonscrire un territoire ou d’établir un projet, nus chercherons à prendre le plus possible conscience des conséquences et des possibilités de vos choix formelles et de pousser le travail plus loin.

Contenu :
Ce semestre, nous allons étudier ensemble des modèles picturaux complexes, éloignés, dans leurs structures et leurs formes, des images enregistrées qui sont omniprésentes dans notre culture contemporaine.
Lors des séances collectives, nous regarderons attentivement les gestes et les choix qui constituent le travail de chacun.e en nous efforçant de décrire le plus précisément possible ce que l’on voit.
Il vous sera demandé de travailler par variations pour gagner en précision, et de mettre en place une dynamique de travail régulier en atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Blake, W. (2001). William Blake : The Complete Illuminated Books. Thames et Hudson.
Clark, T. J. (2006). The Sight of Death : An experiment in art writing. Yale University Press.
Clark, T. J. (1999). Farewell to an Idea : Episodes from a history of modernism. Yale University Press.

Objectifs pédagogiques :
Suivre des traces sonores, en inventer lorsqu’elles sont introuvables, pour tisser des entrelacs sensibles par ce qui s’entend et ce qui se voit. Une considération des sons, du design sonore et de la musique selon des exemples choisis, historiques, typiques et actuels.

Contenu :
A partir de documents sonores révélant une pratique ou un usage singulier tenter une diversification de l’attention et du discours critique. L’étude de cas consiste à étendre et à distinguer la sensibilité appliquée au visuel dans le domaine du sonore.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
- Encyclopédies de la musique
- Livres numériques gratuits :
http://michelchion.com/books/free

Support de cours :
Adresses URL ou liens vers des pages proposant des documents sonores.
Exemples :
https://inagrm.com/fr
http://ressources.ircam.fr
http://www.ubu.com/sound/

Objectifs pédagogiques :
L'objectif de ce cours est de mettre en place une pratique de la sculpture par le faire. La force collective et la discussion seront au cœur de cet enseignement. Nous nous attarderons à dérouler le fil d'une penser en forme et dans l'espace en étant attentif à chaque étapes de son élaboration.

Contenu :
Comment on produit, comment on habite, comment on transgresse ?
Dans cet atelier, nous explorerons la sculpture dans sa relation à l'espace en posant le corps comme le médiateur.
L'atelier , le geste et l'énergie que cela convoque nous permettrons d'explorer des bases de la sculpture : tension, résistance et déploiement. Ainsi, nous nous demanderons comment une production pourra être menée au vue les conditions actuelles.

Mode d'évaluation :
En bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Les étudiants seront amenés à observer précisément leurs stratégies de travail, d'affiner leur critères de comparaison et donc de choix, de préciser leur gestes, d'inventer des stratégies et des règles de jeu.

Contenu :
Dans les poches, sur la table, dans le sac.

Tout un chacun porte sur soi un certain nombre d'objets - sauf en dormant. Ces objets sont souvent hétéroclites, répondent à des besoins différents, par fois contradictoires, mais ils sont liés par le fait de servir une même personne. Ainsi un premier critère de leur cohabitation est établie.
Un geste plastique très simple consiste à agencer ces objets sur une surface donné et de varier cet agencement. Ainsi, les objets peuvent générer un nombre illimité de formes. Le cours consistera à tenter d'épuiser (évidemment impossible) les possibilités d'agencement inhérentes à un groupe d'objets défini ( chaque agencement sera documenté). A la fin de chaque séance un ou deux étudiants monteront la documentation du travail du jour et tenteront d'argumenter leur choix ou leur manière d'avancer.  

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
L’atelier consiste à appréhender l’écriture de façon utile au parcours des étudiant.e.s autant que de façon sincère, par le choix d’une approche centrée sur la sensibilité. Qu’est-ce qu’écrire et parler de façon sensible ? Comment trouver et convoquer des modèles d’écriture, qui soient tant théoriques, littéraires, musicaux, cinématographiques que manifestes ? Cet atelier a ainsi vocation à permettre à chacun.e de conduire des recherches propres sur sa sensibilité personnelle au monde, aux autres et à sa propre pratique et mettre en œuvre cette sensibilité à travers une série d’exercices d’écriture pratiqués lors des différentes séances. L’enjeu de ce cours est d’apprendre à éviter les discours pré-fabriqués, les clichés et les évidences et de forger un rapport fluide, franc et précis à l’expression, orale comme écrite.

Contenu :
Des textes modèles sont proposés pour engager la composition de l’anthologie de textes

Mode d'évaluation :
Réalisation d’une anthologie personnelle
Production de travaux écrits

Objectifs pédagogiques :
Mieux comprendre et analyser les textes (de portée critique, artistique, littéraire, historique, articles de presse).
Affiner la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Développer l'expression orale informelle dans des contextes divers.
Utiliser des supports d'internet tels que 'Voicethread' pour faire des présentations de ses travaux.

Contenu :
Analyse de textes suivi par des présentations et discussions.
Analyse de films, enregistrement sonores et d'autres supports en rapport avec le monde de l'art.
Visites d'expositions avec l'objectif d'analyser et de parler des œuvres présentées.
Présentations des travaux (écrit, oral, outils d'internet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit.
Bilan semestriel.

Bibliographie :
J. Gaiger, « Art of the Twentieth Century », Yale University Press
'Ways of Seeing', John Berger, Penguin Modern Classics
'On Photography', Susan Sontag, Penguin Modern Classics
'CTRL [SPACE], Rhetorics of Surveillance from Bentham to Big Brother', MIT Press

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 à partir de Fluxus et de l’art conceptuel
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres…)
Ensuite, l’éclat de rire. Alison Knowles : « Le premier exécutant entre en scène avec un tube de crème pour les mains, de marque Nivea s’il y en a de disponible. Il se verse la crème sur les mains, et se les masse devant le micro. Les autres exécutants entrent en scène un par un et font la même chose. Puis ils s’assemblent devant le micro pour faire une messe de massage de mains. Ils sortent dans l’ordre inverse à celui dans lequel ils sont entrés, sur un signe du premier exécutant. »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Fluxus dixit. Une anthologie vol. 1 (dir. Nicolas Feuillie), Paris, Les presses du réel, 2002
- Art conceptuel, une entologie (dir. G. Hermann, F. Reymond et F. Vallos), Paris, éd. MIX, 2008
- Helena Reckitt, Peggy Phelan, Art et féminisme, Paris, éd. Phaidon, 2005
- Robert Filliou, Histoire chuchotée de l’art, 1963

Support de cours :
Cours magistral, participation toutefois requise

Objectifs pédagogiques :
À travers un point d’entrée en particulier - représenter les mondes du travail en Occident depuis la fin des années 1960 -, l’enjeu de ce cours est d’apprendre à lire l’histoire de l’art à l’aune d’auteur.ice.s des sciences humaines et sociales, dont la pensée a compté dans la production artistique de la deuxième moitié du XXe siècle et, réciproquement, dont les théories permettent d’éclairer sous un jour nouveau la manière d’écrire l’histoire de l’art. Pour cela est développé un cours tout au long de l’année dont chaque séance est articulée à une thématique et innervée par la pensée d’un.e ou plusieurs auteur.ice.s (histoire, sociologie, philosophie, économie et histoire de l’art).

Contenu :
Des séances de cours articulées à des sujets anhistoriques : le sommeil, la révolte, le vêtement, etc. Chacune de ces thématiques donne lieu à la découverte d’un corpus d’œuvres contemporaines.

Mode d'évaluation :
Participation en cours, assiduité
Rendu écrit en fin d’année

Bibliographie :
Mainz Valerie et Pollock Griselda (dir.), Work and the Image, 2000 : introductions aux volumes 1 et 2 : Work and the Image. I. Work, Craft and Labour, Aldershot, Ashgate, 2000, p. 1-12 ; Work and the Image II. Work in Modern Times. Visual Meditations and Social Processes, Aldershot, Ashgate, p. 1-10.
Molesworth Helen, “Work Ethic”, dans Molesworth Helen (éd.), Work Ethic, Baltimore, Baltimore Museum of Art, 2003, p. 25-51.
Nochlin Linda, « L’image des femmes au travail (1978/1999) », dans Dumont Fabienne (éd.), La rébellion du Deuxième Sexe. L'histoire de l'art au crible des théories féministes anglo-américaines (1970-2000), Dijon, Presses du Réel, 2011, p. 199-224.
Sigler Friederike, “Introduction: All That Matters is Work”, dans Sigler Friederike, WORK, Londres, Whitechapel Gallery, Cambridge, The MIT Press, 2017, p. 14-25.

Support de cours :
Cours magistral, participation requise

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un amphi pour les exposés des étudiants.

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production, il est consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition...).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Au début ça n’a pas de sens, ça se fait.
Au fur et à mesure les indices s’amoncellent :
Lignes perdues, mots griffonnés, croquis volants, images coupées, scènes en boucles, archives, documents, objets collectionnés, relevés précis, schémas sans logique, découpes radicales, sons entêtants…
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers : mettre en place une pratique de la factographie.

Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
Il commence à la ligne et se développe à l’échelle de ce qu’il décide de nous montrer.
C’est cette durée entre le réel de ce qui m’intéresse et la mise en oeuvre de ce que j’en extrais que nous vivrons comme l’expérience d’un projet à construire.
Ensemble nous construirons des hypothèses que nous tenterons de vérifier à la logique des murs, des regards incertains, des situations inventées.
Nous alternerons séances de fabrications et séances d’accrochages in situ ou en extérieur, la coexistence de nos points de vues sera un moteur certain à l’élaboration des positions des uns, des unes, des autres.

Pas de médium spécifique, tout est possible, mais un gout prononcé pour le dessin dans toute ses acceptations, de l’écriture au délié le plus libre :
Le dessin est un outil d’élaboration de langages visuels et un objet protéiforme et mouvant.
On peut lui assigner des rôles d’observation, d’analyse, de construction ou de réalisation. Il peut aussi bien prendre en charge la représentation de tout ce qui préexiste, prépare ou échappe aux autres pratiques que devenir un dénouement ou un aboutissement. On peut également s’interroger sur ce qu’est le dessin lorsqu’il n’est pas considéré comme une finalité ou une étape de recherche, lorsqu’il est une activité plutôt qu’un objet ?
Pour conserver cette conception complexe et ouverte du dessin, les étudiants devront engager une réflexion propre sur le(s) rôle(s) qu’ils donnent à cette pratique au sein de leurs projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Cours sur les documents numériques, de la conception à la conservation.

Apprentissage des enjeux liés à l'écologie et à l'éthique des oeuvres numériques (logiciels Open Source, droits d'auteurs...).
Initiation et perfectionnement aux logiciels d'édition multimédia à travers différents exercices.

Contenu :
Découverte, analyse et pratique des oeuvres numériques, plus particulièrement celles réalisées pour le réseau Internet (netart).
Ce cours se propose de dresser un panorama des pratiques numériques dans le domaine de la documentation d'artiste et la PAO, mais aussi la DAO et CAO .
Le cours se propose de donner les bases nécessaires aux étudiants pour envisager une pratique critique liée aux outils d'édition contemporains.
Quels supports pour quels usages ?
Chaque exercice permettra d’explorer les logiciels ou les langages convoqués par des contraintes particulières.
L'utilisation de logiciels et de formats libres sera encouragée. Les étudiants seront sollicités pour effectuer une veille informatique et artistique sur le réseau Internet : évolution des approches graphiques et éditoriales, évolution des logiciels et langages informatiques, évolution des pratiques liées aux différents supports numériques, édition numérique (livres d'artistes numériques...), etc...

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et rendu personnel.

Bibliographie :
Sitographie :
Ressources cours : http://www.twitter.com/enbanf
« Erreur d’impression. Publier à l’ère du numérique » : http://espacevirtuel.jeudepaume.org/erreur-dimpression-1674/
Open Source Publishing : http://osp.kitchen


- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.

Connaître les supports et techniques.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
Depuis une pratique déjà affirmée de l’édition ou partant d’une autre pratique — dessinée, photographique, filmique, textuelle —, ébauches de travaux, carnets de notes, pièces déjà réalisées ou projets abandonnés par ailleurs, il s’agit de penser et réaliser une ou plusieurs éditions imprimées sur papier ou numériques.
Afin de trouver la forme appropriée à chaque projet, sont abordées les composantes d’une édition d’artiste et la singularité propre à ce médium à part entière.
Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est nécessaire, tant pour une première approche des outils — sérigraphie, offset, jet d’encre grand format, laser, façonnage — qu’un usage approfondi.
En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
D’octobre à janvier, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Christoph Keller et Michael Lailach, « Kiosk – Modes of Multiplication: A Sourcebook on Independent Art Publishing 1999-2009 », JRP/Ringier, 2009
« L'effet papillon, 1989-2007 », Centre d'édition contemporaine, Genève, 2008
Jörg Adolph et Gereon Wetzel, « How to Make a Book with Steidl », dvd, 2011; « How to Make a Book with Carlos Saura et Steidl », dvd, 2017

Support de cours :
Actualité d’éditeur.icess, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : artothèque de la Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Offprint, Paris; Multiple Art Days, Paris; Missread, Berlin; New York Art Book Fair

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
L’atelier consiste à appréhender l’écriture de façon utile au parcours des étudiant.e.s autant que de façon sincère, par le choix d’une approche centrée sur la sensibilité. Qu’est-ce qu’écrire et parler de façon sensible ? Comment trouver et convoquer des modèles d’écriture, qui soient tant théoriques, littéraires, musicaux, cinématographiques que manifestes ? Cet atelier a ainsi vocation à permettre à chacun.e de conduire des recherches propres sur sa sensibilité personnelle au monde, aux autres et à sa propre pratique et mettre en œuvre cette sensibilité à travers une série d’exercices d’écriture pratiqués lors des différentes séances. L’enjeu de ce cours est d’apprendre à éviter les discours pré-fabriqués, les clichés et les évidences et de forger un rapport fluide, franc et précis à l’expression, orale comme écrite.

Contenu :
Des textes modèles sont proposés pour engager la composition de l’anthologie de textes

Mode d'évaluation :
Réalisation d’une anthologie personnelle
Production de travaux écrits

Objectifs pédagogiques :
Mieux comprendre et analyser les textes (de portée critique, artistique, littéraire, historique, articles de presse).
Affiner la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Développer l'expression orale informelle dans des contextes divers.
Utiliser des supports d'internet tels que 'Voicethread' pour faire des présentations des travaux.

Contenu :
Analyse de textes avec présentation et discussion.
Analyse de films, enregistrement sonores et d'autres supports en rapport avec le monde de l'art.
Visites d'expositions avec l'objectif d'analyser et de parler des œuvres présentées.
Présentation de travaux (écrit, oral, outils d'internet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit.
Bilan semestriel

Bibliographie :
'The Oxford Guide to English Usage', Oxford University Press
M. Swan, « Intermediate Language Practice », Macmillan
'Back to the Drawing Board', Ed Ruscha Art and Design, Yale University Press

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 à partir de Fluxus et de l’art conceptuel
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres…)
Ensuite, le pied-de-nez. John Baldessari : « Démonter toutes mes peintures, toutes mes œuvres, etc. Pulvériser, atomiser, transformer en matière comestible et mélanger à de la nourriture, des cookies, etc. Donner à manger aux invités d’un événement artistique »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Fluxus dixit. Une anthologie vol. 1 (dir. Nicolas Feuillie), Paris, Les presses du réel, 2002
- Art conceptuel, une entologie (dir. G. Hermann, F. Reymond et F. Vallos), Paris, éd. MIX, 2008
- Helena Reckitt, Peggy Phelan, Art et féminisme, Paris, éd. Phaidon, 2005
- Robert Filliou, Histoire chuchotée de l’art, 1963

Support de cours :
Cours magistral, participation toutefois requise

Objectifs pédagogiques :
À travers un point d’entrée en particulier - représenter les mondes du travail en Occident depuis la fin des années 1960 -, l’enjeu de ce cours est d’apprendre à lire l’histoire de l’art à l’aune d’auteur.ice.s des sciences humaines et sociales, dont la pensée a compté dans la production artistique de la deuxième moitié du XXe siècle et, réciproquement, dont les théories permettent d’éclairer sous un jour nouveau la manière d’écrire l’histoire de l’art. Pour cela est développé un cours tout au long de l’année dont chaque séance est articulée à une thématique et innervée par la pensée d’un.e ou plusieurs auteur.ice.s (histoire, sociologie, philosophie, économie et histoire de l’art).

Contenu :
Des séances de cours articulées à des sujets anhistoriques : le sommeil, la révolte, le vêtement, etc. Chacune de ces thématiques donne lieu à la découverte d’un corpus d’œuvres contemporaines.

Mode d'évaluation :
Participation en cours, assiduité
Rendu écrit en fin d’année

Bibliographie :
Mainz Valerie et Pollock Griselda (dir.), Work and the Image, 2000 : introductions aux volumes 1 et 2 : Work and the Image. I. Work, Craft and Labour, Aldershot, Ashgate, 2000, p. 1-12 ; Work and the Image II. Work in Modern Times. Visual Meditations and Social Processes, Aldershot, Ashgate, p. 1-10.
Molesworth Helen, “Work Ethic”, dans Molesworth Helen (éd.), Work Ethic, Baltimore, Baltimore Museum of Art, 2003, p. 25-51.
Nochlin Linda, « L’image des femmes au travail (1978/1999) », dans Dumont Fabienne (éd.), La rébellion du Deuxième Sexe. L'histoire de l'art au crible des théories féministes anglo-américaines (1970-2000), Dijon, Presses du Réel, 2011, p. 199-224.
Sigler Friederike, “Introduction: All That Matters is Work”, dans Sigler Friederike, WORK, Londres, Whitechapel Gallery, Cambridge, The MIT Press, 2017, p. 14-25.

Support de cours :
Cours magistral, participation requise

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage d'une méthode critique d'analyse d'oeuvres numériques.
Apprentissage des enjeux liés à la conservation des oeuvres numériques, sites Internet, photographie numérique... (indexation,conservation et valorisation des créations...).
Apprentissage des enjeux liés à l'écologie et à l'éthique des oeuvres numériques (logiciels Open Source, droits d'auteurs...).
Initiation et perfectionnement aux logiciels d'édition multimédia à travers différents exercices.
Edition numérique (livres d'artistes numériques...).
Initiation au fonctionnement du Commons'Lab (3D, impression 3D...)
Acquisition d'une culture net art.

Contenu :
Le studio propose de dresser un panorama des pratiques artistiques liées au réseau Internet de ces 20 dernières années.
Découverte, analyse et pratique des oeuvres numériques, plus particulièrement celles réalisées pour le réseau Internet.

Tous connecté ? Web 2.0, Web sémantique, Internet mobile, livre numérique, Arduino, réalité augmentée ou puces RFID...autant de champs d'expression et de réflexion à disposition des artistes.

Ce studio se propose d'offrir aux étudiants les bases nécessaires pour envisager une pratique numérique en cohérence avec leurs différents projets artistiques.

Chaque exercice permettra d’explorer les logiciels ou les langages convoqués par des contraintes particulières. Ces exercices individuels et de groupe devront répondre à des sujets liés à l’actualité culturelle, sociale... La réactivité, à l’image de ce qu’il se passe sur les réseaux, sera valorisée. L'utilisation de logiciels et de formats libres sera encouragée. Les étudiants seront sollicités pour effectuer une veille informatique et artistique sur le réseau Internet : évolution des approches graphiques et éditoriales, évolution des logiciels et langages informatiques, évolution des pratiques liées aux différents supports numériques.
Les étudiants seront aussi invités à pratiquer des outils pour apprendre à maitriser leur communication sur le réseau (PAO, liste de diffusion...).
Ce studio est impliqué dans la programmation de l'ARC @ le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et rendu personnel.

Bibliographie :
- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Webographie :
Ressources du cours consultables à cette adresse : http://www.twitter.com/enbanf
http://www.poptronics.fr http://culturevisuelle.org/icones/

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un amphi pour les exposés des étudiants.

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production, il est consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition...).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Au début ça n’a pas de sens, ça se fait.
Au fur et à mesure les indices s’amoncellent :
Lignes perdues, mots griffonnés, croquis volants, images coupées, scènes en boucles, archives, documents, objets collectionnés, relevés précis, schémas sans logique, découpes radicales, sons entêtants…
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers : mettre en place une pratique de la factographie.

Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
Il commence à la ligne et se développe à l’échelle de ce qu’il décide de nous montrer.
C’est cette durée entre le réel de ce qui m’intéresse et la mise en oeuvre de ce que j’en extrais que nous vivrons comme l’expérience d’un projet à construire.
Ensemble nous construirons des hypothèses que nous tenterons de vérifier à la logique des murs, des regards incertains, des situations inventées.
Nous alternerons séances de fabrications et séances d’accrochages in situ ou en extérieur, la coexistence de nos points de vues sera un moteur certain à l’élaboration des positions des uns, des unes, des autres.

Pas de médium spécifique, tout est possible, mais un gout prononcé pour le dessin dans toute ses acceptations, de l’écriture au délié le plus libre :
Le dessin est un outil d’élaboration de langages visuels et un objet protéiforme et mouvant.
On peut lui assigner des rôles d’observation, d’analyse, de construction ou de réalisation. Il peut aussi bien prendre en charge la représentation de tout ce qui préexiste, prépare ou échappe aux autres pratiques que devenir un dénouement ou un aboutissement. On peut également s’interroger sur ce qu’est le dessin lorsqu’il n’est pas considéré comme une finalité ou une étape de recherche, lorsqu’il est une activité plutôt qu’un objet ?
Pour conserver cette conception complexe et ouverte du dessin, les étudiants devront engager une réflexion propre sur le(s) rôle(s) qu’ils donnent à cette pratique au sein de leurs projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.
Connaître les supports et techniques.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
Depuis une pratique déjà affirmée de l’édition ou partant d’une autre pratique — dessinée, photographique, filmique, textuelle —, ébauches de travaux, carnets de notes, pièces déjà réalisées ou projets abandonnés par ailleurs, il s’agit de penser et réaliser une ou plusieurs éditions imprimées sur papier ou numériques.
Afin de trouver la forme appropriée à chaque projet, sont abordées les composantes d’une édition d’artiste et la singularité propre à ce médium à part entière.
Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est nécessaire, tant pour une première approche des outils — sérigraphie, offset, jet d’encre grand format, laser, façonnage — qu’un usage approfondi.
En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
De janvier à mai, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Fort accent mis sur l'exposition et la diffusion.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Christoph Keller et Michael Lailach, « Kiosk – Modes of Multiplication: A Sourcebook on Independent Art Publishing 1999-2009 », JRP/Ringier, 2009
« L'effet papillon, 1989-2007 », Centre d'édition contemporaine, Genève, 2008
Jörg Adolph et Gereon Wetzel, « How to Make a Book with Steidl », dvd, 2011; « How to Make a Book with Carlos Saura et Steidl », dvd, 2017

Support de cours :
Actualité d’éditeurs, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Multiple Art Days, Paris; Offprint, Paris; Missread, Berlin; New York Art Book Fair

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Faciliter l'intégration des étudiants dans la vie universitaire ou professionnelle et sociale du pays d’accueil dans le cadre d'un séjour à l'étranger.
Prendre conscience des différentes étapes d'adaptation généralement rencontrées lors du séjour et au retour, et tenter d’apprendre à les gérer.

Contenu :
Rédaction d’un CV, d’une lettre de motivation, dégager des pistes de recherche, rédiger et parler de ses travaux et de leurs enjeux.
Apprendre à concevoir un portfolio (choix iconographiques, rédaction).
Améliorer la prononciation en anglais.
Maitriser un vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique.
Développer l'aisance orale pour la présentation des travaux.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu associé à une présentation orale et un examen écrit lors des deux bilans semestriels.

Bibliographie :
'How to Write About Contemporary Art', Gilda Williams, Thames et Hudson
'Confident Public Speaking : How to Communicate Effectively', C. Godefroy, Piatkus Books
S. Barnet, 'A Short Guide to Writing About Art'
M. Curtis, 'Oxford Guide to Plain English'

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 à partir de Fluxus et de l’art conceptuel
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres…)
Ensuite, l’éclat de rire. Alison Knowles : « Le premier exécutant entre en scène avec un tube de crème pour les mains, de marque Nivea s’il y en a de disponible. Il se verse la crème sur les mains, et se les masse devant le micro. Les autres exécutants entrent en scène un par un et font la même chose. Puis ils s’assemblent devant le micro pour faire une messe de massage de mains. Ils sortent dans l’ordre inverse à celui dans lequel ils sont entrés, sur un signe du premier exécutant. »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Fluxus dixit. Une anthologie vol. 1 (dir. Nicolas Feuillie), Paris, Les presses du réel, 2002
- Art conceptuel, une entologie (dir. G. Hermann, F. Reymond et F. Vallos), Paris, éd. MIX, 2008
- Helena Reckitt, Peggy Phelan, Art et féminisme, Paris, éd. Phaidon, 2005
- Robert Filliou, Histoire chuchotée de l’art, 1963

Support de cours :
Cours magistral, participation toutefois requise

Objectifs pédagogiques :
La définition classique d'un séminaire ('Groupe d'étudiants effectuant un travail pratique de recherche sous la direction d'un enseignant; ensemble des séances de ce groupe'. http://www.cnrtl.fr/lexicographie/s%C3%A9minaire) sera ici inversée : loin que l'enseignant dirige un 'enseignement', chaque étudiant.e de 3ème année sera invité à produire un texte de recherche, qui soit personnel, et dont la présentation comptera pour la validation du DNA. Il s'agira d'une production théorique sur sujet libre, idéalement réalisé à partir d'un choix d'oeuvres ou objets culturels éventuellement disparates. Plusieurs ateliers permettront, au cours de l'année, d'accompagner à la production du texte personnel en question : définition d'un sujet, discussion sur des types d'approches possibles, lectures partagées, etc. Il s'agira, alors cette fois dans le sens correct du terme 'séminaire', d'en retranscrire les possibles enseignements.

Mode d'évaluation :
bilan semestriel + présence en cours

Objectifs pédagogiques :
À travers un point d’entrée en particulier - représenter les mondes du travail en Occident depuis la fin des années 1960 -, l’enjeu de ce cours est d’apprendre à lire l’histoire de l’art à l’aune d’auteur.ice.s des sciences humaines et sociales, dont la pensée a compté dans la production artistique de la deuxième moitié du XXe siècle et, réciproquement, dont les théories permettent d’éclairer sous un jour nouveau la manière d’écrire l’histoire de l’art. Pour cela est développé un cours tout au long de l’année dont chaque séance est articulée à une thématique et innervée par la pensée d’un.e ou plusieurs auteur.ice.s (histoire, sociologie, philosophie, économie et histoire de l’art).

Contenu :
Des séances de cours articulées à des sujets anhistoriques : le sommeil, la révolte, le vêtement, etc. Chacune de ces thématiques donne lieu à la découverte d’un corpus d’œuvres contemporaines.

Mode d'évaluation :
Participation en cours, assiduité
Rendu écrit en fin d’année

Bibliographie :
Mainz Valerie et Pollock Griselda (dir.), Work and the Image, 2000 : introductions aux volumes 1 et 2 : Work and the Image. I. Work, Craft and Labour, Aldershot, Ashgate, 2000, p. 1-12 ; Work and the Image II. Work in Modern Times. Visual Meditations and Social Processes, Aldershot, Ashgate, p. 1-10.
Molesworth Helen, “Work Ethic”, dans Molesworth Helen (éd.), Work Ethic, Baltimore, Baltimore Museum of Art, 2003, p. 25-51.
Nochlin Linda, « L’image des femmes au travail (1978/1999) », dans Dumont Fabienne (éd.), La rébellion du Deuxième Sexe. L'histoire de l'art au crible des théories féministes anglo-américaines (1970-2000), Dijon, Presses du Réel, 2011, p. 199-224.
Sigler Friederike, “Introduction: All That Matters is Work”, dans Sigler Friederike, WORK, Londres, Whitechapel Gallery, Cambridge, The MIT Press, 2017, p. 14-25.

Support de cours :
Cours magistral, participation requise

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier a pour finalité d’accompagner l’étudiant·e dans la production d’un texte explicatif sur sa recherche plastique. Il lui servira notamment pour ses demandes ERASMUS et son portfolio. Il s’agira de cerner les problématiques qu’aborde ce travail et la spécificité des moyens mis en œuvre pour y parvenir.

Contenu :
Cet atelier d’écriture se fera à partir de commandes répétés et ponctuelles de textes de formats divers de ton et de style non artistiques (tweet, argumentaire, etc.). Il s’agira de réaliser des exercices de style.

Mode d'évaluation :
Production textuelle et assiduité.

Bibliographie :
Raymond Queneau, Exercices de style
Pierre Bayard, Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ?

Objectifs pédagogiques :
Sensibiliser les étudiant.e.s à la documentation de leur pratique.

Réfléchir et concevoir les moyens de rendre compte de la recherche et de la production. Seront ainsi considérés l’écriture, la captation et l'apport de documents sources.

Une attention particulière sera portée à l’adéquation entre les moyens employés et l’objectif de la documentation, ce qu’elle tend à montrer et veut mettre en avant. En n'imposant aucun formatage, nous tenterons de trouver avec chaque étudiant.e comment documenter un corpus, d’une pratique et d’une démarche.

Contenu :
Chaque séance du premier semestre est ouverte par la présentation de livres, catalogues, portfolios et documents d'artistes choisis en fonction de leur exemplarité, leur diversité, leur singularité.

‘La documentation’ a pour finalité la production d’un portfolio, pièce obligatoire du passage du Dna. Sont donc abordées les notions de mise en page, d'impression et de diffusion.

Mode d'évaluation :
Participation aux séances pour la constitution d'un portfolio.

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un amphi pour les exposés des étudiants.

Objectifs pédagogiques :
Comme à l’apparition de tout nouveau médium, les artistes se sont emparés, depuis plusieurs années, de la sphère du numérique pour l’explorer comme « nouvelle frontière ». L’idée est d’investir cette réalité, non comme outil, mais comme espace de projet - d’utopie. Trouver des « données » spécifiques qui permettront d’élaborer des projets de réalités [diffé-rentes], (la réalité augmentée par exemple !).

Contenu :
La lecture d’œuvres, associée à une approche théorique, sera un des temps de travail pour comprendre où se situe le 'numérique' et comment s’emparer de ses éléments singuliers et de ses territoires connexes. Le studio propose aussi de s’aventurer dans des projets sans pré-requis. Il s’agira dans un deuxième temps d’en définir les conditions de production (économie des compétences et des contingences) et de mettre en œuvre, si possible, des réalisations.
Ce studio est impliqué dans la programmation de l'ARC @ le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, projet personnel et bilan semestriel.

Bibliographie :
Chaos Computer Club https://fr.wikipedia.org/wiki/Chaos_Computer_Club

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production, il est consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition...).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Au début ça n’a pas de sens, ça se fait.
Au fur et à mesure les indices s’amoncellent :
Lignes perdues, mots griffonnés, croquis volants, images coupées, scènes en boucles, archives, documents, objets collectionnés, relevés précis, schémas sans logique, découpes radicales, sons entêtants…
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers : mettre en place une pratique de la factographie.

Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
Il commence à la ligne et se développe à l’échelle de ce qu’il décide de nous montrer.
C’est cette durée entre le réel de ce qui m’intéresse et la mise en oeuvre de ce que j’en extrais que nous vivrons comme l’expérience d’un projet à construire.
Ensemble nous construirons des hypothèses que nous tenterons de vérifier à la logique des murs, des regards incertains, des situations inventées.
Nous alternerons séances de fabrications et séances d’accrochages in situ ou en extérieur, la coexistence de nos points de vues sera un moteur certain à l’élaboration des positions des uns, des unes, des autres.

Pas de médium spécifique, tout est possible, mais un gout prononcé pour le dessin dans toute ses acceptations, de l’écriture au délié le plus libre :
Le dessin est un outil d’élaboration de langages visuels et un objet protéiforme et mouvant.
On peut lui assigner des rôles d’observation, d’analyse, de construction ou de réalisation. Il peut aussi bien prendre en charge la représentation de tout ce qui préexiste, prépare ou échappe aux autres pratiques que devenir un dénouement ou un aboutissement. On peut également s’interroger sur ce qu’est le dessin lorsqu’il n’est pas considéré comme une finalité ou une étape de recherche, lorsqu’il est une activité plutôt qu’un objet ?
Pour conserver cette conception complexe et ouverte du dessin, les étudiants devront engager une réflexion propre sur le(s) rôle(s) qu’ils donnent à cette pratique au sein de leurs projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
A partir des travaux de Erwin Panofsky et Max Imdahl nous réfléchirons sur la stratification des couches d'information, et donc de lecture, d'une oeuvre d'art. La prise en compte de ces couches nécessite une définition de la distance que le spectateur souhaite entretenir avec cette même oeuvre. Le studio constitue une tentative de comprendre ce “choix de distance” comme outil de travail plastique.

Contenu :
Chaque séance sera centrée sur UN travail d'UN(E) étudiant(e) ou UNE Oeuvre à choisir dans des Institutions lyonnaises.
Sur la base d'un description minutieuse (voir ergoteuse) – et donc lente – par l'ensemble des participants du studio, nous allons tenter une analyse / lecture critique du phénomène plastique en question, non pas dans le but de son “amélioration”, sa “correction”, sa “déconstruction” ou son “enrichissement”, mais dans l'optique de nommer sa place dans le monde. Il s'agit d'une tentative -évidemment vouée à l'échec- d'épuisement des informations contenues dans un phénomène plastique, et des possibilités de sa liaison au monde

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.
Opérer un rapprochement avec le film.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
– Faire le choix d’un film d’artiste;
– En donner une description écrite;
– D’un ou plusieurs éléments de ces deux premières étapes, produire une édition papier.

Films et éditions pourront donner lieu en fin d’année à une exposition.

Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est recommandée, tant pour une approche des outils qu’un usage approfondi.

En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
D’octobre à janvier, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Rémy Zaugg, Constitution d'un tableau – Journal – 1963-1968/1988, Les presses du réel

Support de cours :
Actualité d’éditeur.ice.s, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : artothèque de la Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Offprint, Paris; Multiple Art Days, Paris; Missread, Berlin; Wiels Art Book Fair, Bruxelles; New York Art Book Fair

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Faciliter l'intégration des étudiants dans la vie universitaire ou professionnelle et sociale du pays d’accueil dans le cadre d'un séjour à l'étranger.
Prendre conscience des différentes étapes d'adaptation généralement rencontrées lors du séjour et au retour, et tenter d’apprendre à les gérer.

Contenu :
Rédaction d’un CV, d’une lettre de motivation, dégager des pistes de recherche, rédiger et parler de ses travaux et de leurs enjeux.
Apprendre à concevoir un portfolio (choix iconographiques, rédaction).
Améliorer la prononciation en anglais.
Maitriser un vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique.
Développer l'aisance orale pour la présentation des travaux.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu associé à une présentation orale et un examen écrit lors des deux bilans semestriels.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- « Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
- C. Godefroy, S. Godefroy , « Confident Public Speaking : How to Communicate Effectively », Piatkus Books
- S. Barnet, « A Short Guide to Writing About Art »
- M. Curtis, « Oxford Guide to Plain English »

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 à partir de Fluxus et de l’art conceptuel
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres…)
Ensuite, le pied-de-nez. John Baldessari : « Démonter toutes mes peintures, toutes mes œuvres, etc. Pulvériser, atomiser, transformer en matière comestible et mélanger à de la nourriture, des cookies, etc. Donner à manger aux invités d’un événement artistique »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Fluxus dixit. Une anthologie vol. 1 (dir. Nicolas Feuillie), Paris, Les presses du réel, 2002
- Art conceptuel, une entologie (dir. G. Hermann, F. Reymond et F. Vallos), Paris, éd. MIX, 2008
- Helena Reckitt, Peggy Phelan, Art et féminisme, Paris, éd. Phaidon, 2005
- Robert Filliou, Histoire chuchotée de l’art, 1963

Support de cours :
Cours magistral, participation toutefois requise

Objectifs pédagogiques :
La définition classique d'un séminaire ('Groupe d'étudiants effectuant un travail pratique de recherche sous la direction d'un enseignant; ensemble des séances de ce groupe'. http://www.cnrtl.fr/lexicographie/s%C3%A9minaire) sera ici inversée : loin que l'enseignant dirige un 'enseignement', chaque étudiant.e de 3ème année sera invité à produire un texte de recherche, qui soit personnel, et dont la présentation comptera pour la validation du DNA. Il s'agira d'une production théorique sur sujet libre, idéalement réalisé à partir d'un choix d'oeuvres ou objets culturels éventuellement disparates. Plusieurs ateliers permettront, au cours de l'année, d'accompagner à la production du texte personnel en question : définition d'un sujet, discussion sur des types d'approches possibles, lectures partagées, etc. Il s'agira, alors cette fois dans le sens correct du terme 'séminaire', d'en retranscrire les possibles enseignements.

Mode d'évaluation :
bilan semestriel + présence en cours

Objectifs pédagogiques :
À travers un point d’entrée en particulier - représenter les mondes du travail en Occident depuis la fin des années 1960 -, l’enjeu de ce cours est d’apprendre à lire l’histoire de l’art à l’aune d’auteur.ice.s des sciences humaines et sociales, dont la pensée a compté dans la production artistique de la deuxième moitié du XXe siècle et, réciproquement, dont les théories permettent d’éclairer sous un jour nouveau la manière d’écrire l’histoire de l’art. Pour cela est développé un cours tout au long de l’année dont chaque séance est articulée à une thématique et innervée par la pensée d’un.e ou plusieurs auteur.ice.s (histoire, sociologie, philosophie, économie et histoire de l’art).

Contenu :
Des séances de cours articulées à des sujets anhistoriques : le sommeil, la révolte, le vêtement, etc. Chacune de ces thématiques donne lieu à la découverte d’un corpus d’œuvres contemporaines.

Mode d'évaluation :
Participation en cours, assiduité
Rendu écrit en fin d’année

Bibliographie :
Mainz Valerie et Pollock Griselda (dir.), Work and the Image, 2000 : introductions aux volumes 1 et 2 : Work and the Image. I. Work, Craft and Labour, Aldershot, Ashgate, 2000, p. 1-12 ; Work and the Image II. Work in Modern Times. Visual Meditations and Social Processes, Aldershot, Ashgate, p. 1-10.
Molesworth Helen, “Work Ethic”, dans Molesworth Helen (éd.), Work Ethic, Baltimore, Baltimore Museum of Art, 2003, p. 25-51.
Nochlin Linda, « L’image des femmes au travail (1978/1999) », dans Dumont Fabienne (éd.), La rébellion du Deuxième Sexe. L'histoire de l'art au crible des théories féministes anglo-américaines (1970-2000), Dijon, Presses du Réel, 2011, p. 199-224.
Sigler Friederike, “Introduction: All That Matters is Work”, dans Sigler Friederike, WORK, Londres, Whitechapel Gallery, Cambridge, The MIT Press, 2017, p. 14-25.

Support de cours :
Cours magistral, participation requise

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier a pour finalité d’accompagner l’étudiant·e dans la production d’un texte explicatif sur sa recherche plastique. Il lui servira notamment pour ses demandes ERASMUS et son portfolio. Il s’agira de cerner les problématiques qu’aborde ce travail et la spécificité des moyens mis en œuvre pour y parvenir.

Contenu :
Cet atelier d’écriture se fera à partir de commandes répétés et ponctuelles de textes de formats divers de ton et de style non artistiques (tweet, argumentaire, etc.). Il s’agira de réaliser des exercices de style.

Mode d'évaluation :
Production textuelle et assiduité.

Bibliographie :
Raymond Queneau, Exercices de style
Pierre Bayard, Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ?

Objectifs pédagogiques :
Sensibiliser les étudiant.e.s à la documentation de leur pratique.

Réfléchir et concevoir les moyens de rendre compte de la recherche et de la production. Seront ainsi considérés l’écriture, la captation et l'apport de documents sources.

Une attention particulière sera portée à l’adéquation entre les moyens employés et l’objectif de la documentation, ce qu’elle tend à montrer et veut mettre en avant. En n'imposant aucun formatage, nous tenterons de trouver avec chaque étudiant.e comment documenter un corpus, d’une pratique et d’une démarche.

Contenu :
Chaque séance du premier semestre est ouverte par la présentation de livres, catalogues, portfolios et documents d'artistes choisis en fonction de leur exemplarité, leur diversité, leur singularité.

‘La documentation’ a pour finalité la production d’un portfolio, pièce obligatoire du passage du Dna. Sont donc abordées les notions de mise en page, d'impression et de diffusion.

Mode d'évaluation :
Participation aux séances pour la constitution d'un portfolio.

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Support de cours :
Les ateliers du Pôle Volume de l' école.
Un amphi pour les exposés des étudiants.

Objectifs pédagogiques :
Comme à l’apparition de tout nouveau médium, les artistes se sont emparés, depuis plusieurs années, de la sphère du numérique pour l’explorer comme « nouvelle frontière ». L’idée est d’investir cette réalité, non comme outil, mais comme espace de projet - d’utopie. Trouver des « données » spécifiques qui permettront d’élaborer des projets de réalités [diffé-rentes], (la réalité augmentée par exemple !).

Contenu :
La lecture d’œuvres, associée à une approche théorique, sera un des temps de travail pour comprendre où se situe le 'numérique' et comment s’emparer de ses éléments singuliers et de ses territoires connexes. Le studio propose aussi de s’aventurer dans des projets sans pré-requis. Il s’agira dans un deuxième temps d’en définir les conditions de production (économie des compétences et des contingences) et de mettre en œuvre, si possible, des réalisations.
Ce studio est impliqué dans la programmation de l'ARC @ le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, projet personnel et bilan semestriel.

Bibliographie :
Chaos Computer Club https://fr.wikipedia.org/wiki/Chaos_Computer_Club

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production, il est consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition...).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Au début ça n’a pas de sens, ça se fait.
Au fur et à mesure les indices s’amoncellent :
Lignes perdues, mots griffonnés, croquis volants, images coupées, scènes en boucles, archives, documents, objets collectionnés, relevés précis, schémas sans logique, découpes radicales, sons entêtants…
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers : mettre en place une pratique de la factographie.

Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
Il commence à la ligne et se développe à l’échelle de ce qu’il décide de nous montrer.
C’est cette durée entre le réel de ce qui m’intéresse et la mise en oeuvre de ce que j’en extrais que nous vivrons comme l’expérience d’un projet à construire.
Ensemble nous construirons des hypothèses que nous tenterons de vérifier à la logique des murs, des regards incertains, des situations inventées.
Nous alternerons séances de fabrications et séances d’accrochages in situ ou en extérieur, la coexistence de nos points de vues sera un moteur certain à l’élaboration des positions des uns, des unes, des autres.

Pas de médium spécifique, tout est possible, mais un gout prononcé pour le dessin dans toute ses acceptations, de l’écriture au délié le plus libre :
Le dessin est un outil d’élaboration de langages visuels et un objet protéiforme et mouvant.
On peut lui assigner des rôles d’observation, d’analyse, de construction ou de réalisation. Il peut aussi bien prendre en charge la représentation de tout ce qui préexiste, prépare ou échappe aux autres pratiques que devenir un dénouement ou un aboutissement. On peut également s’interroger sur ce qu’est le dessin lorsqu’il n’est pas considéré comme une finalité ou une étape de recherche, lorsqu’il est une activité plutôt qu’un objet ?
Pour conserver cette conception complexe et ouverte du dessin, les étudiants devront engager une réflexion propre sur le(s) rôle(s) qu’ils donnent à cette pratique au sein de leurs projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
A partir des travaux de Erwin Panofsky et Max Imdahl nous réfléchirons sur la stratification des couches d'information, et donc de lecture, d'une oeuvre d'art. La prise en compte de ces couches nécessite une définition de la distance que le spectateur souhaite entretenir avec cette même oeuvre. Le studio constitue une tentative de comprendre ce “choix de distance” comme outil de travail plastique.

Contenu :
Chaque séance sera centrée sur UN travail d'UN(E) étudiant(e) ou UNE Oeuvre à choisir dans des Institutions lyonnaises.
Sur la base d'un description minutieuse (voir ergoteuse) – et donc lente – par l'ensemble des participants du studio, nous allons tenter une analyse / lecture critique du phénomène plastique en question, non pas dans le but de son “amélioration”, sa “correction”, sa “déconstruction” ou son “enrichissement”, mais dans l'optique de nommer sa place dans le monde. Il s'agit d'une tentative -évidemment vouée à l'échec- d'épuisement des informations contenues dans un phénomène plastique, et des possibilités de sa liaison au monde

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.
Opérer un rapprochement avec le film.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
Continuation de la proposition de rapprochement avec le film, développée au premier semestre, ou production libre.

Films et éditions pourront donner lieu en fin d’année à une exposition.

Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est recommandée, tant pour une approche des outils qu’un usage approfondi.

En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
De janvier à mai, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Fort accent mis sur la diffusion.
Proposition d’une exposition de films et d’éditions.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Rémy Zaugg, Constitution d'un tableau – Journal – 1963-1968/1988, Les presses du réel
Christoph Keller et Michael Lailach, « Kiosk – Modes of Multiplication: A Sourcebook on Independent Art Publishing 1999-2009 », JRP/Ringier, 2009
« L'effet papillon, 1989-2007 », Centre d'édition contemporaine, Genève, 2008
Jörg Adolph et Gereon Wetzel, « How to Make a Book with Steidl », dvd, 2011; « How to Make a Book with Carlos Saura et Steidl », dvd, 2017

Support de cours :
Actualité d’éditeur.ice.s, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : artothèque de la Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Offprint, Paris; Multiple Art Days, Paris; Missread, Berlin; Wiels Art Book Fair, Bruxelles; New York Art Book Fair

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
L'épreuve du diplôme national d'art, d'une durée de trente minutes, prend la forme d'un entretien avec le jury comprenant la présentation par l'étudiant d'un projet plastique accompagné par une sélection de travaux plastiques et d'un document écrit sélectionné parmi ceux réalisés pendant les semestres 5 et 6.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).
Être capable d'écrire des applications pour des résidences ainsi des applications dans d'autres institutions/écoles.

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
'How to Write About Contemporary Art', Gilda Williams, Thames et Hudson
20th Century Words, Oxford University Press
'Berger On Drawing', J. Berger, Occasional Press
Allen Ginsberg 'Collected Poems - 1947-1997', Penguin

Support de cours :
The studio as a space of presentation, discussion and debate

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
A la jonction de l’anthropologie du visuel, de la sociologie et de la biologie, HA22 (92-2022) prospecte les bases et les intrications des formes du vivant, des productions humaines et des correspondances polymorphes (géo-spatio-temporelles). Pour une écologie de l’esprit, une science nouvelle. A partir de fondamentaux et de textes clefs, il s’agira de relire et relier des champs entrelacés par les pratiques artistiques du 21è siècle.
En 2022-23 la trame sera celle des nouveaux matérialismes, d'une histoire de l'art en strates, non linéaire et critique.

Contenu :
Cours magistral, textes de références, à partir de comparaison et de présentation d’artistes et d'oeuvres.
En partant de l'actualité contemporaine et de figures clefs de celles-ci, qui en sont les acteurs, on s'interrogera sur des notions de style, d'image, de production et de formes. Métahistorique, l'histoire de l'art est un outil vivant qui évolue et se situe par rapport aux contextes. Au-delà des chronologies linéaires, et des listes on fera appel à la pluralité des approches , afin d'envisager des histoires des arts.

Mode d'évaluation :
Présence régulière.

Bibliographie :
Une bibliographie sera donnée dans le cours, textes fondamentaux et écrits d'artistes.

Support de cours :
Projections images, films, textes. Visites d'expositions et d'ateliers encouragées.

Objectifs pédagogiques :
Accompagner de jeunes artistes dans la construction de leur espace de recherche et dans la fabrication de leurs outils conceptuels et esthétiques dans un monde en mutation.
Apprendre à penser ensemble les questions artistiques et les enjeux économiques, technologiques et sociaux.
Apprendre à questionner les imaginaires contemporains dans la perspective de mettre à jour les impensés issus de la fabrication des représentations coloniales.
Apprendre à se décentrer sans s'approprier.
Construire des relations d’instruction réciproque, évolutives et dynamiques autour d’un objet de recherche et des formes singulières émanant de la proposition artistique.

Contenu :
A partir de la lecture approfondie des ouvrages clés des études décoloniales, il s’agit d’analyser la fabrication des représentations qui impactent encore de nos jours les imaginaires collectifs et de questionner les héritages respectifs à travers le concept de 'non innocence'. Une attention particulière est portée sur la recherche décoloniale sud-américaine concernant les questions de pouvoir, de genre et écologiques.
Cette démarche est nourrie et mise en regard des travaux d'artistes qui développent des démarches transversales croisant art contemporain, technologies numériques, économie et mobilisations afin de déconstruire les représentations médiatiquement dominantes et imaginent des reconfigurations inédites. Une large part est faite aux propositions spéculatives et aux travaux d’artistes qui proposent de reprendre les filiations antécoloniales pour imaginer et adresser des questions contemporaines : comment rendre compte de la matérialité des technologies qui se sont largement construites sur le mythe de leur immatérialité ? Est-il possible de se réapproprier le vocabulaire scientifique et technologique confisqué par l'imaginaire de la silicon valley pour en re-ouvrir les sens et les potentialités ?

Contenu :
Puisant chaque deux semaines dans l’actualité du moment, celle des expositions mais également l’actualité éditoriale sous toutes ses formes (essais, littérature, publications online, podcasts, etc.), le cours « Nouveaux Modèles » n’a pas pour autant l’ambition d’expliquer le présent, mais plutôt d’aider à identifier la pluralité des directions nouvelles qui s’y esquissent. Le cours porte une attention particulière à la manière dont le vocabulaire, ou le lexique de l’art et de la pensée contemporaines se renouvelle : quels sont les mots, les notions, les concepts, qui résonnent, surgissent, renaissent, s’actualisent et que l’on prendra comme autant d’indices, ou de pistes à suivre dans ce cours qui se pense davantage comme une enquête collective que comme un agrégateur de nouvelles.

Mode d'évaluation :
Assiduité - Participation à la discussion

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Créer un lieu et un temps, d'effervescence du savoir et des technologies spécifiques, de veille, de questionnement et d'accompagnement du travail de création à l'ère de la réalité numérique. En particulier étudier et s'emparer des incidences cognitives, esthétiques voir politiques, des accidents, des prolongements, des élargissements qui s'opèrent et aussi des rapports qui s'établissent entre digital et analogique dans l'art et le design.
Autrement dit, il sera question d'analyser et questionner les transformations que ces outils imposent à notre manière de vivre, de penser, de comprendre, de voir, de créer et de produire, et examiner comment ce nouveau paradigme est la source de formes qui en découlent et qui ouvrent de nouveaux champs d'expériences et de production.
Il sera aussi question de trouver des interlocuteurs/collaborateurs/prestataires/diffuseurs pour élaborer et accompagner les projets.

Contenu :
L’ARC sera l’occasion d’aborder ces questions transversales liés à l’utilisation des TICs.- Le travail, intellectuel et opérationnel, engagé, portera en particulier sur les nouvelles narrations, les transformations des modes d’accès au savoir, la “technomagie”, l'interactivité et ses enjeux, la désynchronisation, la convergence, l'Internet des objets, la réalité augmentée voire d'autres champs d'expérimentation déjà apparus et actifs ailleurs en art et en design. Certains projets développés dans ce cadre seront évalués dans les options avec les enseignants responsables.
- L’ARC a pour mode pédagogique la mise en commun et le partage des connaissances, des ressources et des réseaux ainsi que l'autonomie. Quel que soit leur statut (étudiants, enseignants, techniciens, collaborateurs extérieurs… ), chaque participant à l'ARC peut être acteur de cette mutualisation.
- Une fois par mois, les participants du Commons’Lab se réuniront pour une conférence avec des personnalités extérieures le matin et un atelier pratique l'après-midi. Cette série d’invitations permettra de questionner les pratiques actuelles, d’approfondir la veille des outils ou des champs opératoires et de rencontrer des partenaires potentiels. La partie pratique permettra l'expérimentation des outils et la mise en œuvre des projets.
La participation à l'ARC implique une contribution active aux enjeux du Commons’Lab, à la réflexion menée et à l'élaboration de ce qui en découle (activités, communication, actes, etc.).
Le Commons'Lab est un lieu associé où se mettent en œuvre les recherches, les expérimentations et les projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
Bibliographie indicative, d’autres ressources disponibles en ligne :

- Dieter Daniels, Barbara U. Schmidt (dir.), « Artists as Inventors », Ostfildern, Hatje Cantz, 2008
- Zygmunt Bauman, « Le présent liquide », Paris, Seuil, 2007 *
- Peter Lunefeld, « Snap to Grid, « A User's Guide to Digital Arts, Media, and Cultures », Cambridge, MIT Press, 2001*
- Olia Lialina et Dragan Espenschied ( dir.), « Digital Folklore », Stuttgart, Merz Akademie, 2009 *
- Mathieu Triclot; « Philosophie des jeux vidéos », Zones, 2011
- Karen O'Rourke, « Walking and Mapping Artists as Cartographers », The MIT Press, 2013
- Jacob von Uexkûll, « Mondes animaux et monde humain », Pocket 2004
- Anthony Dunne, Hertzian Tales, « Electronic products, aesthetic experience, and critical design », Cambridge, MIT Press, 2005
- Bruce Sterling, « Objets bavards », FYP, 2009
- Frédéric Kaplan, « La métamorphose des objets », FYP, 2009
- Clarisse Herrenschmidt, « Les trois écritures », Gallimard, 2007

- Exposition « Design and the elastic mind », MoMA, NY, 2008
http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2008/elasticmind/index.html
- Exposition « Talk to me », 2011, MoMA, NY
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1080

- Revue OPEN, n° 11, « Hybrid Space, how wireless media mobilize public space », Rotterdam, NAi Publishers, 2006 *
- Revue POLI, n° 3, « Le spectacle de l'écologie », Paris, 2010

http://www.internetactu.net/tag/internet-des-objets/

Objectifs pédagogiques :
Prélude à la musique privilégiant l'écoute et le dialogue

Contenu :
Ecoute d'oeuvres musicales historiques ou récentes. Les œuvres sont diffusées dans leur entièreté (elles sont brèves, moins d'un quart d'heure) et de manière répétée (deux ou trois fois). Après chaque écoute, une discussion ouverte permet un échange sur cette audition, le partage des savoirs et la mise en perspective avec les champs de la création et des arts visuels. Aucune connaissance musicale préalable n'est requise.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
http://www.inagrm.com/accueil/collections/portraits-polychromes
http://www.ircam.fr/270.html? et tx_ircamboutique_pi1%5BshowUid%5D=41 et cHash=af12f57aef940c21ace7dd55a07388f2

Support de cours :
http://art45.ensba-lyon.fr/0_art/GG/

Objectifs pédagogiques :
Les journées d'étude sont organisées en forme de séminaire à partir des travaux menés par l'unité de recherche Art Contemporain et Temps de l'Histoire. Des artistes et théoricien.es invité.es portent un regard singulier sur les thématiques développées par l'unité de recherche autour des relations entre de productions d’art contemporain et les « régimes d’historicité » qu’ils mobilisent.

Contenu :
Le contenu des journées d'études est fixé par la personnalité invitée et envoyé aux participants.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
La bibliographie est fixé par la personnalité invitée et envoyé aux participants.

Objectifs pédagogiques :
Les journées d’études sont organisées en forme de séminaire dont une partie peut-être ouvert (à d’autres étudiants, à un public). Les huit axes de la recherche sont abordés selon le sujet de l’année.
1/ Body Politic
2/ On stage/On line:
3/ Re-enactement, restaging, remake?
4/ Archives spéculatives/Archives prospectives/Archives pensées à lʼorigine.
5/ Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
6/ Le public comme forme.
7/ Performer le film/filmer la performance.
8/Dessins/Scripts/Pop up: the world as a script.

Pour 2020-2021, on poursuivra la question de théâtralité/performance « White Cube/Black Box » ainsi que le film de performance « Performer le film, filmer la performance ».

Contenu :
les contenus sont fixés en accord avec les personnalités invitées et partagés avec les participants.

Mode d'évaluation :
contrôle continu

Bibliographie :
Des textes ou extraits d’ouvrage sont adressés en amont aux participants.

Objectifs pédagogiques :
Station d'arts poétiques

La Station d’arts poétiques est un programme de recherche et de création dirigé vers l’écriture et l'oralité poétiques, dans la diversité des formes.
Après une collaboration de plusieurs années avec l'ENS Lyon qui débuta en 2006, puis avec le Département Écriture de l'ENSATT, ce programme se caractérise par trois journées d'études abordant en profondeur la pratique et l'approche théorique d'auteur*es invité*es, et par un workshop.
La confrontation des pratiques d'étudiant*es avec celle d'auteur*es confirmé*es, est déterminante et stimulante.
Il peut s'agir tout aussi bien du vers, de la prose, du récit, de la poésie visuelle, du «docu-poème», du montage, de la performance poétique et sonore, ou encore des rapports texte/image/son : photo, vidéo, film, chant, hypertexte, et cela dans la diversité des langues et de leurs usages sociaux, du multilinguisme, et des langages vernaculaires.
Une attention particulière est donnée à l’oralisation des pratiques textuelles. En cela, il s’agit de faire interagir les pratiques poétiques et les réflexions qui en découlent, avec celles des arts plastiques contemporains et celles du son. La journée d'études s'achève par une lecture ou une performance par l'auteur*e dans le grand-amphithéâtre.
L’objectif à moyen terme — inspiré des écoles scandinaves, allemandes (Leipzig) et suisses (Biel/Bern), ou jadis du Black Mountain College — serait d’accompagner des créateurs dans une réflexion et une connaissance des réseaux d’activité littéraire, où la langue et les modes narratifs constituent des lieux d’investigation.
L’accent est mis sur les processus d’émergence individuels et collectifs qui ont trait au travail d’écriture, ainsi que connaissance du champ littéraire et éditorial en France comme à l’étranger.
Des lectures et performances poétiques ont lieu régulièrement lors des D.N.S.E.P. Des scènes et plateformes en public ont été régulièrement proposées aux étudiant*es ou ancien*es étudiant*es (ENS Lyon ; Maison de la Poésie Paris ; Périphéries du Marché de la Poésie ; projets à venir avec le C.I.P.Marseille).
Un projet piloté par Patrick Beurard-Valdoye et Agnès Gayraud, accompagné par Derek Byrne (pour les années 3 design d'espace et design graphique)

Contenu :
Programme 2021 - 2022
Journées d'études :
mercredi 17 novembre : Élodie Petit (en sa présence)
mercredi 15 décembre : Vincent Barras (en sa présence)
mercredi 23 février : David Christoffel (en sa présence)
Workshop : 21-23 mars
conduit par : mars 2022

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Ouvrages des auteures invitées

Support de cours :
Journée d'études en présence de l'auteur, approche des textes de l'auteur, dialogue, confrontation avec les textes des étudiants et la ou le poète

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.
Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche Art Contemporain et Temps de l'Histoire. Il se propose de développer chez l’étudiant un point de vue d'artiste fondé sur une méthodologie théorique spécifique. Le séminaire s’organise autour de l’étude d’une œuvre particulière en convoquant les différents « régimes d’historicité » que cet objet met au travail.

Contenu :
Le problème de la forme en art 5


Le parcours de ces dernières années

Le séminaire a traité les années précédentes de la relation entre art et violence et a porté son attention sur ces moments particuliers où le langage et la perception sont suspendus. L'expérience cognitive du langage et des images est un travail d'élaboration, au sens de la transformation que se produit en nous quand nous formulons ou nous écoutons un récit, quand nous produisons ou nous observons une image. Dans ce moment de trans-laboration, de mise en œuvre complexe d'autres domaines — notamment ceux de la mémoire et de l'expérience antérieure — le langage se construit selon de schémas que nous maitrisons. Or la violence, comme aussi le rire, sont le lieu de l'écart, de la différence et de la singularité, ils produisent une dynamique réflexive d'une nature différente. Dans un moment d'absence de ce qu'est à narrer et de ce qui est visible, la dynamique réflexive se construit par une oscillation extrême entre aveuglement et contemplation. Le rire plus particulièrement nous a permis d'aborder le langage produit dans cette situation de suspension par la notion freudienne de 'forme régressive' grâce à l'étude de la figure de Pulcinella et sa position paradoxale face à son public. Ce masque de la tradition du théâtre de rue napolitaine est en même temps comique et sérieux, tellurique et infernal, innocent et savant, il est le lieu ou le point d'oscillation. Il est toujours aux bords de ce qui peut faire langage, mais qui échappe à toute formulation. Polichinelle est porteur de nouvelles possibilités du langage, car il est le masque de la 'régression' du langage inédit et non dit.
Nous avons exploré un aspect essentiel de l'élaboration et de la régression créative à l'œuvre dans tout invention expressive, portant notre attention à cet écart entre absence du langage et ce que les artistes ont appelé le problème de la forme.
On est revenus sur ce que dans la langue allemande on appelle 'die Gestalt', la chose qui se donne à voir pour ce qu’elle est, dans le sens où elle est régie par un ordre, une règle interne qui la rende organique pour celui qui l'observe. Quand est-ce que cet ordre est perçu comme créatif, c'est-a-dire, quand est-ce qu'il est nouveau, inédit? Quel est le rôle d'une culture et de son langage sédimenté dans la production d'une forme inédite? Comment se manifeste l'écart, que-est ce que c'est sa singularité, quel rôle accorder à son incompréhension?
L'horizon de la culture, le biotope à partir duquel nous apercevons les choses a été essentiel dans l'histoire de l'art et a permis à tout artiste de penser les objets et les idées comme des choses organisées selon un ordre nouveau, selon une logique qui est reconnaissable comme différente de nous et tout ce que nous connaissons. Comment produire une forme en art, comment inventer si elle ne se réfère plus à une culture donnée, s'il elle ne travaille plus comme le pensaient les artiste du vingtième siècle, Klee ou Malevich par exemple, à partir de sa propre histoire?
L'élaboration semblerait perdre d'importance dans notre société mondialisée et nous avons pu l'observer dans beaucoup d'évolutions artistiques qui ne s'occupent plus du problème de la forme, qui ne travaillent pas à ce qui est inédit et ont souvent abandonné la dimension de travail de la perception du spectateur. Qu'est-ce que c'est le problème de la forme si on ne peut plus penser l'écart? Est-ce que le rôle de l'art a déjà changé ?


Les enjeux théoriques du séminaire

'La critique comme principe de sélection, de discernement et distribution ou redistribution nécessite un critère et une faculté capable de discerner. Si la critique présuppose une résolution et une forme d’ordre, elle présuppose aussi des conditions et limites susceptibles d’un débordement, écrit Jean-Luc Nancy dans Critique, crise, cri (revue en ligne Diacritik voir bibliographie).
La critique, dans le sens développé par philosophie moderne allemande (celle d'après la Révolution française) présuppose l'idée de sujet pensant et agissant et est en art à l'origine de l'idée moderne de spectateur. Un individu qui est capable de ressentir ce que transmet une œuvre et qui justement par son expérience esthétique du monde peut aussi prendre position, agir et réagir de façon singulière. C'est l'idée développée par Schiller à propos du rôle de l'éducation esthétique pour qu'un individu puisse développer une conscience éthique et politique du monde.
Nous sommes entrées aujourd'hui dans une nouvelle ère, où la pensée critique ne semble plus nécessaire pour faire expérience du monde. Assignés à un rôle, une position sociale et topographique dans le monde, à un genre et à une condition politique, nous sommes en condition de 'criticabilité', non pas à partir de ce que nous expérimentons du monde développant une attitude de jugement, mais à partir d'une condition donnée qui n'est pas à interroger car assigné. Ce débat public est présent dans toutes les sphères de notre société. Qu'elle est l'influence de ce changement radicale sur ce qu'on appelle art? Qu'est ce qu'est une forme si le sujet n'est plus en condition d'expérience et de jugement?
On essaiera d'aborder cette vaste problématique à partir de quelques œuvres symptomatiques récentes et de la fin du siècle dernier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- Jean-Luc Nancy, Critique, crise, cri (unser Zeitalter ist nicht mehr das eigentliche Zeitalter der Kritik) https://diacritik.com/2016/05/13/jean-luc-nancy-critique-crise-cri-unser-zeitalter-ist-nicht-mehr-das-eigentliche-zeitalter-der-kritik/
- Michel Foucault, QU’EST-CE QUE LA CRITIQUE ? [CRITIQUE ET AUFKLÄRUNG] Bulletin de la Société française de Philosophie. Compte rendu de la séance du 27 mai 1978 https://docs.google.com/viewer?a=v et pid=forums et srcid=MDU5MTc5ODQ1NDc2NTQ4MTI0MzkBMTgzNjk4NDg1MzkxNDI4MTA0OTQBZUdrMGZlRVlOWlVKATAuMQEBdjI
- Friedrich von Schiller, Lettres sur l’éducation esthétique de l’homme(1795-1796), http://classiques.uqac.ca/classiques/schiller_friedrich_von/lettres_sur_education/schiller_lettres_sur_education.pdf
- AAVV, “Découper le temps en son lieu. Parcours expérimental / Cutting out Time in its Place. Experimental journey,” B.Rüdiger (dir.), éd. ENSBA Lyon, avec Y.Annicchiarico, A.Bonnard, J.Lauro‐Mariani.
- AAVV, “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, G. Careri et B.Rüdiger (dir.)éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016.
- Bernhard Rüdiger, “PPP paradoxe” et “L’œil de Sodome”, in Initiales PPP, Pier Paolo Pasolini N.7, éd. ENSBA Lyon, 2016.
- Bernhard Rüdiger, Natura abhorret a vacuo” Initiales N.1 GM dédié à la figure de George Maciunas ; éd. ENSBA Lyon, 2012.

Objectifs pédagogiques :
Acquérir une meilleure connaissance d'un contexte, capacité à nommer et situer ce qu'on produit, élaborer les outils théoriques et factuels pour structurer une pensée.

L'héritage et les impacts de la performance sur les arts visuels.

Que vaudrait la théorie si elle ne servait aussi à inventer la pratique ?'
Pris au sens d’un projet inachevé, celui de la modernité, la post-performance questionne l’âge du « post-médium » en ce début de 21e siècle, entre succession chronologique, postérité ou filiation historique, réemploi (de formes abstraites de leurs contenus) et rupture (comme changement de paradigme ou d’époque).
Apparue à la croisée de la philosophie analytique anglo-saxonne du langage et des champs de l’art et du spectacle, liée à des pratiques de langage, à des actions et à une rupture par rapport à un certain mode de représentation opérée au milieu des années 50, la notion de performance est polysémique. Il s’agira de questionner ce nom, ce qu’il recouvre, et l’évolution de pratiques liées à son usage.
Comment cet art de la performance évolue-t-il et comment évoluera-t-il dans les prochaines années, notamment avec les technologies numériques ? En quoi sommes-nous passés de sa dématérialisation à son « re-enactment »? Que se joue-t-il ici ?
PERFOURNIR: On abordera également les problématiques liées aux formes produites par la performance: objets scéniques, mobilier, écrits.
la trace de la performance, comme l’archivage (oral et vivant), le document, le film, l’objet scénique ou encore la photographie numérique.
Par ailleurs, la question du public comme forme, de l’audience à la fois destinataire et partie prenante (public captif) permettra de questionner une société du spectacle à l’heure du « spectateur émancipé ».

Cette année l'accent sera mis sur les objets de la performance: le PERFOURNIR: formes et vocabulaire: objets scéniques, sets, stage mais aussi textes: scripts pour la performance, à partir de workshops et d'analyse d'oeuvres, de présentations de travaux. Le cours se déroulera de façon polysémique et polyforme à partir de séquences. Un cours théorique, à partir du chapitrage en 8 axes, des exercices pratiques (voix, marche, déplacements, écoute, placements, travail de groupe...) toujours en lien avec l'objet du cours, un texte de référence philosophique ou critique, ou littéraire.

Une pédagogie innovante: des moments de 'cours inversé' permettront aux étudiants de tester leur mémoire (sur la base du Théâtre de la Mémoire mais aussi des moments de réflexivité par rapport à la question de la connaissance.
Un entrainement à l'oralité lors de séance collectives de lectures de textes jouant sur l'espace scénique et cénique, à partir du Divised Theater, sera mis en place.

Perfournir: les objets de la performance.
Obsolète, Objets dysfonctionnels, OOO.
Post Performance Painting.
Puppets: le théâtre et son double.

Contenu :
A partir de 8 axes de réflexion, le séminaire alternera les cours théoriques et les exercices pratiques.

1 - Body Politic: les nouveaux genres de la performance.
2 - Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
3 - Le public comme forme: audiomat et soap opéra: nouveaux scripts?
4 - Documenter/recréer: le même mais un autre.
5 - On stage /on line: HIc sed Nunc?
6 - Anarchives: spéculer sur le reste.
7 - Cineperformance.
8 - Espace public, question du commun.

Les Ana-Chroniques de la Post Performance : une autre histoire de la performance à l’âge du post médium (cours en amphi).

Les expériences pratiques en lien avec le programme de recherche Post Performance Future :
- workshop Voix Invisibles, 2 , 4-7 novembre, avec Edyta Jarzab, qui donnera une conférence le 5 novembre, restitution publique participative le 7 novembre au Réfectoire des Nonnes.
- séminaire: Set et Jeu: Ericka Beckman, début février.
- projet Tableaux Vivants, second semestre, à confirmer (Musée des Beaux Arts).

Les expériences croisées :
Passerelles avec le LaBo NRV avec conférences-débats, un workshop avec Jennifer Lacey.
La répétition : expérience de lecture cuisine, Comme un Mardi , à la cuisine, en construction (avec Elsa Boyer).
Disputatio Quolibet : discussions à partir d’un sujet commun: Sans Contact : comment jouir à l'ère du capteur ?
« Quartels » lectures en groupe inspirées des dispositifs de partage.
Utilisation des studio son et vidéo, avec la participation d’invités extérieurs, conduisant à une réflexion sur les processus de monstration, de réception et de transmission.

Mode d'évaluation :
Fiche de présence et lectures, présentation de travaux, travail en binômes ponctuels, Instagram ralenti.

Bibliographie :
Bibliographie complétée en cours :

- Andrea Fraser, Museum Highlights, 2002, MIT Press
- Anne Bénichou (dir.), « Ouvrir le document », Les presses du Réel, 2010
- Krauss Rolsalind, « Under Blue Cup », 2011
- Five Sisters, Blog Log case study, If I Can't Dance I won't be Parto f Your Revolution, 2013
- Claire Bishop, « Artificial Hells », Verso, 2012
- Conversation Marie de brugerolle, Marie Canet et Catherine Wood, « Mousse Magazine », 2014
- It needed to be tender and to be whipped, recueil d'écrits à propos de Julie Béna, 2016
- Cally Spooner, Scripts, 2014
- Post Performance Future, CH2, Mousse Magazine #66, may june 2018;

Catalogues :
- Hors Limites « L'art et la vie », 1994, Mnam/Centre Pompidou,
- Out of Action, 1998 , MOCA Los Angeles
« The World as a stage », Tate Modern, 2007, « Ne pas jouer avec les choses mortes », Villa Arson, 2008, « Un théâtre sans théâtre », MACBA, 2009, « I was a male Yvonne De Carlo », Musac, Léon, 2011, « A Bigger Splash », Tate Modern, 2012...

Objectifs pédagogiques :
Par un travail de réflexion commun, approfondir les questions liées au numérique en art et élaborer des projets en cohérence avec les enjeux contemporains d'une telle pratique.
Pour les étudiants en cycle recherche, l'objectif sera de poursuivre et d'approfondir leurs travaux en cours tout en s'inscrivant dans la dynamique commune de l'atelier.

Ce séminaire se déroulera dans les locaux du labo NRV de l'ENSBA Lyon.

Contenu :
Après un rappel historique des différents moments qui ont balisé les dernières décennies, il s'agira de :
- Connaître les artistes actuels qui privilégient le médium numérique sous toutes ses formes ou ceux qui font appel au numérique de manière singulière, conceptuellement ou techniquement.
- Repérer les œuvres ou les productions numériques signifiantes.
- Répertorier les lieux (institutions, galeries, festivals, site internet, etc.) qui présentent un intérêt pour le numérique ou qui affichent une spécialisation dans le domaine.
- Comprendre les réflexions contemporaines (théoriques, critiques, esthétiques...) liées aux pratiques et à la société numérique.
- S'inscrire par un projet dans ce contexte général en soulevant une problématique originale.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et présentation d'un projet élaboré durant l'année dans le cadre du séminaire.

Bibliographie :
BROWN (Paul), GERE (Charlie), LAMBERT (Nicholas) et MASON (Catherine) (Sous la dir. de), White Heat Cold Logic: British Computer Art 1960-1980, The MIT Press, coll. « Leonardo », Cambridge (MA)/Londres, 2008.
COX (Geoff), Antithesis : The Dialectics of Software Art, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University, Danemark, 2010, http://www.anti-thesis.net/contents/thesis/antithesis.pdf
CRAMER (Florian), Words Made Flesh: Code, Culture, Imagination, Media Design Research, Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy Hogeschool Rotterdam, Rotterdam, 2005, http://www.netzliteratur.net/cramer/wordsmadefleshpdf.pdf
FULLER (Matthew) (Sous la dir. de), Software Studies: A Lexicon, The MIT Press, Cambridge (MA)/Londres, 2008, http://dm.ncl.ac.uk/courseblog/files/2010/02/softwarestudies.pdf
GORIUNOVA (Olga) et SHULGIN (Alexei) (Sous la dir. de), Read_Me. Software Art and Cultures, catalogue Read_Me 2004, University of Aarhus, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus, 2004.
HIMANEN (Pekka), L’éthique du hacker, Exils, Paris, 2001.
KITTLER (Friedrich ), Gramophone, Film, Typewriter, Les Presses du Réel, Dijon/Paris, 2018.
LIALINA (Olia) et ESPENSCHIED (Dragan) (Sous la dir. de), Digital Folklore, Merz et Solitude, Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung, Stuttgart, 2009.
MAIGRET (Nicolas) et ROSZKOWSKA (Maria), The Pirate Book, Aksioma, Ljubljana, 2015.
MANSOUX (Aymeric) et VALK (Marloes de) (Sous la dir. de), FLOSS + ART, GOTO10, Poitiers, 2008.
STERLING (Bruce), 'An Essay on the New Aesthetic', Wired, 2 avril 2012, https://www.wired.com/2012/04/an-essay-on-the-new-aesthetic/
VIERKANT (Artie), The Image Object Post-Internet, http://jstchillin.org/artie/pdf/The_Image_Object_Post-Internet_us.pdf

(Bibliographie en cours)

Objectifs pédagogiques :
L’exercice d’accrochage se veut un moment d’échange qui vise à exposer le travail dans l’espace et dans la parole pour que son autonomie de pensée et sa singularité puissent émerger.

Contenu :
Coordonné par un ou une professeure l’exercice d’accrochage est un moment de travail collégiale entre plusieurs étudiant.es et différents professeur.es et intervenant.es.
Il s’agit « d’accrocher » le travail en cours. Par accrochage on entend la mise en exposition du travail et de son auteur.e. Il s’agit de mettre en œuvre l’organisation spatiale et collégiale du travail, de préciser les intentions et les raisons. Cet exercice collégiale se construit en amont, se projette et se discute en étroite collaboration entre étudiant.es. Il s’expose au regard, à l’écoute et à la discussion d’un auditoire composé de toutes et tous les étudiant.es et d’un nombre de professeur.es et intervenant.es.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Permettre à l'étudiant de concrétiser et finaliser les éléments issus de la recherche et du développement du projet ou du travail.

Contenu :
Le terme de production vient ici qualifier le travail d'atelier en phase projet et, dans un registre un peu différent, en phase préparatoire du diplôme DNAT.
On peut raisonnablement considérer que dans le cadre d'un projet personnel pleinement orienté du côté d'une activité de recherche, la finesse de la réflexion sur l'économie générale du travail et sa faisabilité d'une part, et, d'autre part,
l'ajustement du niveau de 'l'agir' dans la complémentarité au 'faire', pour la concrétisation des travaux, pièces et objets, conduisent l'étudiant à 'produire' les signes tangibles et manifestes de son projet.
Production donc, tant dans son acception de 'production de l'esprit', au double sens littéral et ici très adapté de 'génération' et de 'formation', que dans son acception de 'production d'objet' tel que tableau, film, etc.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Entretiens individuels et semi-collectifs en atelier.

Objectifs pédagogiques :
Renforcer sa conscience critique et son positionnement en connaissance des enjeux du milieu de l’art contemporain et des problématiques sociétales actuelles.

Poser la question de « l’engagement » artistique aujourd’hui et trouver les formes les plus justes pour en traduire les enjeux.

Contenu :
Studio Arpentage est pensé comme une structure ouverte aux propositions et nécessités des étudiant.es.

Il propose un temps pour l’esprit critique durant lequel l’on questionne les contextes dans lesquels l'artiste intervient, où l’on envisage « l’après-école », où l’on remet en jeu la valeur des formes de production. Il se constitue comme un studio abordant de nombreuses questions liées à la professionnalisation de façon assez large: réalité du monde de l'art et ses alternatives.


Descriptions des séances:

Lundis: Séances Reality:

Une séance sur deux sera dédiée à l’échange autour de la réalité du paysage artistique français et international, temps pendant lequel, entre autres, les questions du droit et de l’économie de l’artiste seront abordées. Il s’agit d’un format de discussion informel, ou tout sujet peut être discuté, marché de l’art, prix des œuvres, salaires des artistes … Des formats différents pourront être mis en place, arpentage de livres, études de contrats, jeux de rôle, analyses de cas pratiques, invitations de personnalités extérieures, etc. Certaines invitations se poursuivront également dans le contexte la Masterclasses les vendredi des mêmes semaines.

Mardis: Séances Alternatives:

Cette séance sera consacrée aux recherches d’alternatives au monde de l’art tel qu’il existe aujourd’hui et cela au travers de différentes invitations.

Dans cette séance nous continuerons à discuter du statut des artistes, en analysant les diverses postures du refus évoquées l'année passée, et en poursuivant les recherches sur les possibilités d'autonomie des travailleur-euses de l'art (création de coopérative par exemple).

A confirmer:

Johana Blanc: Artiste en résidence à la bf15.
Sabrina Soyer: retour sur la mutuelle des artistes, 2 an après.
Octopus: coopérative de régisseur-euse.
Mathieu Clainchart: Artiste, enseignnt à Annecy : création de syndicat.
Wage America.
Membres du post diplome.


Programmation à compléter avec les étudiant.es.



Infos pratiques:

Le studio aura lieu sur 2 sessions de 3h par mois (soit 6h réparties sur une semaine par mois) à 17h les lundi et mardi à partir de décembre.
Étant aux États-Unis en octobre et novembre, les sessions se feront en visio.

Rdv première session d'introduction le 10 Octobre à 19h En visio. Dates suivantes a confirmer.


Plus de la moitié des séances de l’année auront lieu à l’extérieur de l’école.

Toutes les pratiques sont les bienvenues, tout le monde peut venir pour assister aux sessions souhaitées.
Oulimata Gueye et les membres du post diplômes assisteront à certaines sessions durant l’année. Les diplomé.es sont comme toujours bienvenues.

Mode d'évaluation :
À définir avec les étudiant.es.

Bibliographie :
Maria Eichhorn, Cady Noland, Andrea Fraser, Hito Steyerl, Michael Asher, Ben Kinmont, Maurizio Lazzarato, Yves Citton, Chantal Mouffe, Giorgio Agamben, Georges Bataille, Grégoire Chamayou, Pierre-Michel Menger, Arundhati Roy, Wage, Wage for Wage Against, Art Worker’s coalition, Aurélien Catin…

Support de cours :
Voir description du contenu.
Les participant.es au workshop communiquent via what’s app ainsi que via l’application discord.

Objectifs pédagogiques :
Guider les étudiants dans la recherche d’œuvres qui, comme l’a dit le grand cinéaste et écrivain chilien Raul Ruiz, ne répondent pas à la question «de quoi parle ce film ?» mais sont, au contraire, des monstres uniques, chacun habitant des formes qui n’ont jamais existé auparavant, adaptées uniquement aux idées, aux sentiments et aux gestes proposés et définis par l’œuvre elle-même.
Mettre l’accent sur les pratiques qui permettent aux conditions dans lesquelles quelque chose est fait, et aux nombreux processus potentiels employés (la matérialité), de devenir des éléments formels essentiels de l’œuvre. Encourager les étudiants à rejeter l’idée que l’image en mouvement doit être plus didactique ou intellectuellement intelligible que les autres médias, en résistant à l’idée que la forme n’est qu’un simple réceptacle pour le contenu. Je mettrais donc l’accent, avant tout, sur le processus artistique.

Contenu :
Au cours de ma carrière de travail avec des étudiant.e.s artistes, j’ai développé de nombreuses méthodes pratiques pour décentrer ou défamiliariser des
modes de production artistique restrictifs et hérités, afin d’arriver à de nouveaux langages formels nécessaires à une œuvre donnée, nouvelle.
Il s’agit notamment de pratiques de prise de conscience radicale et d’écoute profonde (y compris
les exercices proposés par Pauline Oliveros, Simone Forti et Peter Hutton, entre autres), d’une praxis féministe centrée sur des domaines autrefois jugés peu sérieux ou frivoles par un ordre symbolique masculin (journaux intimes, bricolage, histoires pour enfants, désir), et de l’étude du goût et de la moralité esthétique dans le but de produire consciemment un « art autre, pour ainsi dire ‘mauvais’ ».

Mode d'évaluation :
Présence, engagement et respect des autres.

Bibliographie :
So Far November 2022- Janvier 2023 this has been the contents // Jusqu'à présent, de novembre 2022 à janvier 2023, le contenu a été le même ::
Tropical Malady, Apichatpong Weerasethakul, 2004
That Obscure Object of Desire, Luis Buñuel, 1977
Vivir para Vivir/Live to Live, Laida Lertxundi, 2015
Raúl Ruíz, Poetics of Cinema, 2006
The Emancipated Spectator, Jacques Rancière 2004
Polycephaly in D, Michael Robinson, 2021
Memorias del Subdesarrollo - Memories of Underdevelopment
Tomás Gutierrez Alea 1968
Vanalyne Green, Saddle Sores, 1999
Alex Bag Untitled Fall, 1995
I love Dick, Chris Kraus, 1997
SEI SHONOGON, PILLOW BOOK
Peggy Ahwesh- From Romance to Ritual
Sophie Calle, Double Blind
Sadie Benning - Compilation
My Best Thing, Frances Stark, 2011 excerpt
Notes on Gesture, Giorgio Agamben
Simone Weil, Gravity and Grace. 1947
How to do Nothing, Jenny Odell, 2019
Radical Attention, Julia Bell, 2020
Audre Lorde, Sister Outsider
Nostalgia, Hollis Frampton, 1971
Om, John Smith, 1986
Red Hollywood, Thom Andersen and Noel Burch, 1996
Bas Jan Ader Selected Works, 1971
MGM, Jack Goldstein, 1975
Official Welcome, Andrea Fraser, 2003
Collapse of the Expanded Field, 2007, Alex Hubbard
Heads in the Dark, 2009, Alex Hubbard
Me Broni Ba, Akosua, Adoma, Owusu, 2009
Mount Sond, Shambhavi Kaul, 2013
Onions, Angie Keefer- from here recommend:
All that Heaven Allows, Douglas Sirk (film)
Why Fred Sandback Makes me Cry, Andrea Fraser

Objectifs pédagogiques :
Accompagner les étudiant.e.s dans leur réflexion sur la place du son, de la mise en son, de l'accrochage sonore ou de la performance vocale dans leurs travaux, au croisement entre pratiques savantes et populaires.

Contenu :
Le studio CANTOS (d’après le canto, qui signifie en poésie la partie principale d’un long poème, et vient étymologiquement de cantus en latin, le chant, la chanson) mettra en pratique des hypothèses de composition du texte et du son : voix proférées, field recordings, agencement de samples. Il fera la part belle à la technique de l’enregistrement et aux possibilités de transformation du signal qu’il offre, en pré ou en post-production. Sans jamais perdre de vue le jeu possible entre ce que se dit, à la marge ou au bord de ce que peuvent être une chanson ou un poème, CANTOS jouera sur ce qui résonne.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
A Voice and Nothing More, Mladen Dolar, trad. éd. Nous, 2011
Le son et la voix entretien avec Michel Chion, L’Harmattan
Dire/chanter : passages : Etudes musicologiques, ethnomusicologiques et poétiques (XXe et XXIe siècles) (Français), 2014
Tacet n° 03 – De l'espace sonore, Numéro dirigé par Yvan Etienne, Bertrand Gauguet et Matthieu Saladin, 2014
Une Histoire de la modernité sonore, Jonathan Sterne, La rue musicale / La Découverte
The Rest is noise :à l'écoute du XXe siècle, Alex Ross, Actes Sud, 2010
Unsound, Undead, éd. Steve Goodman, Tobi Heys, Eleni Ikoniadou, Urbanomic, 2019
L’expérience de l’expérimentation, dirigé par Matthieu Saladin, Les presses du réel
Avant-Gardes sonores en architecture, Carlotta Daro, Les presses du réel
Dialectique de la pop, Agnès Gayraud, La Découverte, 2018

Support de cours :
Studio de 3h tous les quinze jours. Matériel : microphones pédaliers, samplers, etc.

Objectifs pédagogiques :
Lens Art évoque l’invention de la lentille optique, de la camera obscura, prises comme point d'entrée de la photographie. Lens Art permet aussi, en un seul nom, de rassembler des pratiques très variées autour de la notion d' imageur,(caméra vidéo, caméra S8, scanner), ce qui ne nous empêche pas de parler d'images collectées, d'archives récupérées, de prise de vue automatisée, ou de photographie sans appareil.

Contenu :
Si l'actualité le justifie, le début du cours est consacré à l'actualité des expositions et des publications.
Le studio se construit, se nourrit des propositions des participants, de leur interaction. Les références se construisent autour des centres d'intérêt des participants et participantes. les projets éditoriaux, la « photographie horizontale », sont encouragés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Ariella Azoulayla série des 'unlearning' (photographie, instant décisif, expertise), blog Wintertur Foto Museum
- Geoffrey Batchen, 'Suspending time', 'Snapshot, l'histoire de l'art et le tournant ethnographique'
- Nathalie Boulouch 'Histoire de la photographie couleur'
- Clément Chéroux 'Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique', 'Diplopie, l'image photographie à l'ère des medias globalisés'
'Snap + Share: Transmitting Photographs from Mail Art to Social Networks'
- Sylvain Dreyer 'URSS 1929, factographie, naissance d'un genre?'
- Michael Fried 'La place du spectateur', 'Why photography matters as art as never before'
- Jacqueline Guittard 'Roland Barthes: la photographie ou l'épreuve de l'écriture'
- André Gunthert 'La fabrique des images contemporaines'
- Julie Jones, Michel Poivert 'Histoires de la photographie'
- Rosalind Krauss 'Le photographique, pour une théorie des écarts'
- Luce Lebart 'Mold is Beautiful', 'Gold and Silver', 'CNRS'
- Olivier Lugon 'Le style documentaire', 'Avant la forme tableau' (le grand format dans l'exposition 'signs of life')
- Michel Poivert 'L'image au service de la révolution', 'La photographie contemporaine'
- Martin Parr 'Le documentaire conceptuel'
- Katrina Sluis 'Photography must be curated!' blog Wintertur Foto Museum
- Jeff Wall 'Essais et entretiens' 'liquid photography'

Roy Arden / Taysir Batniji / Iain Baxter /Valérie Belin / Laurence Bonvin / Mohamed Bourrouissa / Barbara Breitenfellner / Florence Chevalier / Gaëlle Cintré / Documentation Céline Duval / Sandrine Elberg / Roe Ethridge / Roni Horn / Harald Fernagu / Michel François / Paul Armand Gette / Lola Gonzales / Agnes Geoffray / Stephen Gill / Paul Graham / Andreas Gursky / Annette Kelm / Erik Kessells / Martin Kippenberger / Pierre Leguillon / Jochen Lempert / Thomas Mailaender /Jean-Charles Massera / Masaccio et Drowilal / Gustav Metzger / Gianni Motti / Boris Mikhailov / Jean-Luc Moulène / Luc Moulet / Peter Piller /Marco Poloni/ Paul Pouvreau / Julien Prévieux / Josephine Pryde / Walid Raad / Pablo Réol / Maya Rochat /Torbjorn Rodland / Thomas Ruff / Vivian Sassen / Joachim Schmid / Bruno Serralongue / Malik Sidibé / Roman Signer / Jules Spinatsch / John Stezaker / Hiroshi Sugimoto / Batia Sutter / Taroop et Glabel /Peter Tillessen / Patrick Tosani / Yves Trémorin / Anaëlle Vanel / Jeff Wall / and more

Objectifs pédagogiques :
En partant de connaissances fondamentales sur les lois spécifiques de la peinture et de son histoire, j'incite les étudiants à jeter un regard critique sur leur propre pratique : l'élargissement de la notion de peinture et la discussion qui s'ensuit, qui inclut également d'autres champs comme par exemple l'art conceptuel ou la critique institutionnelle, doivent constituer la base d'une confrontation fructueuse et d'un développement de leur propre travail artistique.
Outre le développement et la mise en évidence des positions individuelles par le biais de discussions individuelles et de groupe régulières, il convient également de veiller à l'élaboration des differeenetes concepts des publications et de conditions de différents formats de présentation (Display). Une attention est également accordée à l'examen des pratiques collectives qui favorisent l'élargissement de la notion d'auteur et qui peuvent finalement être mises en œuvre dans des projets d'exposition communs.

- approfondir les connaissances sur la «peinture comme médium» dans le champ de l'art contemporain
- comprendre l'ancrage de la peinture dans son contexte historique (de l'art) en regardant des autres disciplines / médiums
- developpement d'une capacité à parler et défendre leur pratique personnelle de travail (discours) sur une base individuelle, mais aussi apprendre à débattre / discuter / défendre leurs points de vue au sein d'un groupe plus large.
- élargir les connaissances sur les structures existantes dans le domaine de l'art contemporain (institutionnel et à but non lucratif ainsi que les structures à base marquée / galerie)

Contenu :
- Discussions en studio le vendredi (sur une base hebdomadaire)
- Proposition des mini-lectures avec des artistes internationaux invités (via zoom) et discussion
- Proposition de la réalisation d'un projet collaboratif pendant le semestre/année
- Entretiens individuels avec des étudiants sur leur pratique de travail en studio
- Discussion et propositions de solutions pour des questions techniques au sein d'une pratique picturale
- Visites d'expositions (si possible)

Mode d'évaluation :
- Implication et participation

Bibliographie :
- des références et une bibliographie spécifiques seront remises dans le cadre du cours

Objectifs pédagogiques :
Ce studio a pour objectif principal de se familiariser avec et/ou d'approfondir la pratique de la performance, entendu comme l'effectuation d’interventions circonscrites dans le temps et pensées pour des espaces spécifiques.
A travers des exercices pratiques mettant en jeu leur parcours individuels et collectifs, il s'agira de sensibiliser les étudiant.e.s au fait que même si ce que l'on appelle performance n'a vocation qu'a être activé qu'une seule fois (à la différence des représentations théâtrales par ex.) Cela n'empêche pas le fait que ces œuvres doivent être précisément pensées, et parfois même répétées, adaptées, voire consignées.

Contenu :
Le programme de ce semestre a été conçu comme un « laboratoire permanent ».
Bien que le terme Laboratoire ne soit pas nouveau dans le champ de la performance et des arts de la scène, il est ici fait plus spécifiquement référence au projet développé par Gwenaël Morin (entre le 1er janvier et le 31 décembre 2009) lorsqu’il a transformé, en compagnie d’un collectif d’artistes, le théâtre d’Aubervilliers en un lieu où à chaque moment de la journée, toute personne était invitée à venir assister au travail en cours et à participer à des ateliers. De la même manière, et bien qu’il ne s’agisse pas d’un cours de pratique théâtrale, le studio de performance de ce premier semestre sera un lieu d’expérimentation permanente autour de pratiques d’expressions du corps, c-a-d. où le geste et l’action seront mis en jeu à chaque fois.

Chaque séance est dirigée par une question mise en 'chantier' :
LE TEMPS : Penser la temporalité, et notamment comment commencer et finir une action, déterminer sa durée ?
L'ESPACE qu’est-ce que cela change de performer dans des espaces de nature différentes (dans un musée ou un espace d’exposition, sur une scène, ou dans l’espace public ?
LE PUBLIC comment mettre en place un dialogue avec les spectateurs ou interagir autrement avec eux ? etc.
LE DOCUMENT : comment performer à partir d’archives, produire un reenactement ?
LA NOTATION : Comment bâtir et donc noter des protocoles ? comment engager des actions spontanées et/ou improvisées et les retenir ? ou au contraire chorégraphier une suite de mouvements ?

Pour arpenter différentes voies possibles pour tracer les contours d’une action éphémère, chaque séance comprendra un temps d’échauffement, de mobilisation concrète du corps, puis les « chantiers à performer » seront étayés par la découverte de documents divers – œuvres, partitions, pièces, pédagogies forgées par des artistes permettant de nourrir la question mise au travail.

Mode d'évaluation :
Les étudiant.e.s seront évaluées sur leur capacité à construire des propositions performatives liées à leurs intérêts propres et à les faire évoluer au gré des notions mobilisées dans le séminaire mais aussi à penser et mettre en jeu des performances collectives.

Bibliographie :
• Roselee Goldberg, Performance, L’art en action, Thames et Hudson, 1999.
• Roselee Goldberg, La Performance du futurisme à nos jours, Thames et Hudson, Arts et essais, 2012 (édition revue et augmentée).
• Hors limites – L’art et la vie 1952-1994. Exposition au Centre Pompidou, du 9 novembre 1994 au 23 janvier 1995. Commissaire : Jean de Loisy.
• Stéphanie Lemoine, Samira Ouardi, Artivisme – Art militant et activisme depuis les années 60. Éditions Alternatives, 2010.
• Paul Ardenne, L’implication de l’artiste dans l’espace public, revue L'Observatoire 2010/1 (N° 36).
• Fluxus, Révolution, éditions‎ L'Esprit du Temps, 2009.
• ALTERNATIVES théâtrales n°138 Arts de la Scène et Arts Plastiques.
• Augusto Boal, Le théâtre de l'opprimé, La Découverte, 2007.

Objectifs pédagogiques :
Conjunto Folklórico Experimental Lyones (CFEL) est un espace de réflexion sur ce qui constitue une pratique artistique, ses possibilités et limites dans la sphère sociale.

L'objectif principal du CFEL est de développer une prise de conscience de ce qui nous entoure et nourrit notre travail artistique. En d'autres termes, le contexte social et politique dans lequel nous développons notre pratique artistique.

Contenu :
Le CFEL concerne principalement la réciprocité et l'échange d'idées, d'opinions et de références qui peuvent (ou non) aider à la construction d'un moi-artiste et de son imaginaire en constante expansion.
Le CFEL n’a pas de but spécifique autre que la circulation des connaissances (le cas échéant). Pour être impliqué dans le CFEL, il faut d'abord répondre à un questionnaire spécialement conçu pour le studio.

Mode d'évaluation :
Le questionnaire et la participation active sont les seules modalités d’évaluation du studio.

Bibliographie :
The Garden as Theatre as Museum, Dan Graham
Le topofil de Boa Vista-A Montage Photo-Philosophique, Bruno Latour
Le feu la prochaine fois, James Baldwin
Sinon l'hiver, Fragments de Sappho, Anne Carson
Jay DeFeo et The Rose, Martha Sherrill
Marisa Merz: Geometrie Sconnesse Palipiti Geometrici

Objectifs pédagogiques :
Expérimentation dans le domaine du son, de la musique et de la mise en situation des réalisations.

Contenu :
Usages du son au croisement des champs de la musique, des arts visuels et de l'ingénierie sonore ; acquisition des connaissances et compétences liées à la production et à la diffusion des sons ; études particulières liées à l'écoute de la voix parlée ou chantée, dans le cadre de l'interprétation en direct et de la radiophonie. L'essentiel est articulé autour de la production sonore des étudiants. Toutes les propositions sonores sont acceptées (vidéos, installations, improvisations, scène, etc.).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
http://michelchion.com/
http://firstsounds.org/
http://filmsound.org/
http://www.radiofrance.fr/

Support de cours :
http://gillesgrand.free.fr/
http://art45.ensba-lyon.fr/art/art.html

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
- confronter l'étudiant à la réalité de parcours professionnels spécifiques dans une logique de désintimidation
- montrer la diversité et la multiplicité des économies et des modèles
- dresser une cartographie des acteurs du monde de l'art, mais aussi de positions idéologiques et culturelles marquées

Contenu :
Une journée avec un.e invité.e : écrivain.e, architecte, galeriste, collectionneur.euse, éditeur-rice, artiste, commissaire, journaliste, producteur.rice, etc. en privilégiant des profils indéterminés et des parcours singuliers dans le champ de l'art et en dehors. L'idée est de proposer une rencontre informelle qui provoque questions et débat, puis, en fonction de l'invité, un mini workshop spécifique ou des rencontres en public avec des travaux d'étudiants.
Organisé en partenariat avec le postdiplôme.

Mode d'évaluation :
Présence et participation

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- L. Clandsfield, « Global English (Upper Intermediate, Advanced) », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- J. Berger, « About Looking », Vintage International

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
A la jonction de l’anthropologie du visuel, de la sociologie et de la biologie, HA22 (92-2022) prospecte les bases et les intrications des formes du vivant, des productions humaines et des correspondances polymorphes (géo-spatio-temporelles). Pour une écologie de l’esprit, une science nouvelle. A partir de fondamentaux et de textes clefs, il s’agira de relire et relier des champs entrelacés par les pratiques artistiques du 21è siècle.
En 2022-23 la trame sera celle des nouveaux matérialismes, d'une histoire de l'art en strates, non linéaire et critique.

Contenu :
Cours magistral, textes de références, à partir de comparaison et de présentation d’artistes et d'œuvres.
En partant de l'actualité contemporaine et de figures clefs de celles-ci, qui en sont les acteurs, on s'interrogera sur des notions de style, d'image, de production et de formes. Métahistorique, l'histoire de l'art est un outil vivant qui évolue et se situe par rapport aux contextes. Au-delà des chronologies linéaires, et des listes on fera appel à la pluralité des approches , afin d'envisager des histoires des arts.

Mode d'évaluation :
Présence régulière

Bibliographie :
Une bibliographie sera donnée dans le cours. Textes fondamentaux et écrits d'artistes.

Support de cours :
Projections images, films, textes. Visites d'expositions et d'ateliers encouragées.

Objectifs pédagogiques :
Accompagner de jeunes artistes dans la construction de leur espace de recherche et dans la fabrication de leurs outils conceptuels et esthétiques dans un monde en mutation.
Apprendre à penser ensemble les questions artistiques et les enjeux économiques, technologiques et sociaux.
Apprendre à questionner les imaginaires contemporains dans la perspective de mettre à jour les impensés issus de la fabrication des représentations coloniales.
Apprendre à se décentrer sans s'approprier.
Construire des relations d’instruction réciproque, évolutives et dynamiques autour d’un objet de recherche et des formes singulières émanant de la proposition artistique.

Contenu :
A partir de la lecture approfondie des ouvrages clés des études décoloniales, il s’agit d’analyser la fabrication des représentations qui impactent encore de nos jours les imaginaires collectifs et de questionner les héritages respectifs à travers le concept de 'non innocence'. Une attention particulière est portée sur la recherche décoloniale sud-américaine concernant les questions de pouvoir, de genre et écologiques.
Cette démarche est nourrie et mise en regard des travaux d'artistes qui développent des démarches transversales croisant art contemporain, technologies numériques, économie et mobilisations afin de déconstruire les représentations médiatiquement dominantes et imaginent des reconfigurations inédites. Une large part est faite aux propositions spéculatives et aux travaux d’artistes qui proposent de reprendre les filiations antécoloniales pour imaginer et adresser des questions contemporaines : comment rendre compte de la matérialité des technologies qui se sont largement construites sur le mythe de leur immatérialité ? Est-il possible de se réaproprier le vocabulaire scientifique et technologique confisqué par l'imaginaire de la silicon valley pour en re-ouvrir les sens et les potentialités ?

Contenu :
Puisant chaque deux semaines dans l’actualité du moment, celle des expositions mais également l’actualité éditoriale sous toutes ses formes (essais, littérature, publications online, podcasts, etc.), le cours « Nouveaux Modèles » n’a pas pour autant l’ambition d’expliquer le présent, mais plutôt d’aider à identifier la pluralité des directions nouvelles qui s’y esquissent. Le cours porte une attention particulière à la manière dont le vocabulaire, ou le lexique de l’art et de la pensée contemporaines se renouvelle : quels sont les mots, les notions, les concepts, qui résonnent, surgissent, renaissent, s’actualisent et que l’on prendra comme autant d’indices, ou de pistes à suivre dans ce cours qui se pense davantage comme une enquête collective que comme un agrégateur de nouvelles.

Mode d'évaluation :
Assiduité - Participation à la discussion

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Créer un lieu et un temps, d'effervescence du savoir et des technologies spécifiques, de veille, de questionnement et d'accompagnement du travail de création à l'ère de la réalité numérique. En particulier étudier et s'emparer des incidences cognitives, esthétiques voir politiques, des accidents, des prolongements, des élargissements qui s'opèrent et aussi des rapports qui s'établissent entre digital et analogique dans l'art et le design.
Autrement dit, il sera question d'analyser et questionner les transformations que ces outils imposent à notre manière de vivre, de penser, de comprendre, de voir, de créer et de produire, et examiner comment ce nouveau paradigme est la source de formes qui en découlent et qui ouvrent de nouveaux champs d'expériences et de production.
Il sera aussi question de trouver des interlocuteurs/collaborateurs/prestataires/diffuseurs pour élaborer et accompagner les projets.

Contenu :
L’ARC sera l’occasion d’aborder ces questions transversales liés à l’utilisation des TICs.- Le travail, intellectuel et opérationnel, engagé, portera en particulier sur les nouvelles narrations, les transformations des modes d’accès au savoir, la “technomagie”, l'interactivité et ses enjeux, la désynchronisation, la convergence, l'Internet des objets, la réalité augmentée voire d'autres champs d'expérimentation déjà apparus et actifs ailleurs en art et en design. Certains projets développés dans ce cadre seront évalués dans les options avec les enseignants responsables.
- L’ARC a pour mode pédagogique la mise en commun et le partage des connaissances, des ressources et des réseaux ainsi que l'autonomie. Quel que soit leur statut (étudiants, enseignants, techniciens, collaborateurs extérieurs… ), chaque participant à l'ARC peut être acteur de cette mutualisation.
- Une fois par mois, les participants du Commons’Lab se réuniront pour une conférence avec des personnalités extérieures le matin et un atelier pratique l'après-midi. Cette série d’invitations permettra de questionner les pratiques actuelles, d’approfondir la veille des outils ou des champs opératoires et de rencontrer des partenaires potentiels. La partie pratique permettra l'expérimentation des outils et la mise en œuvre des projets.
La participation à l'ARC implique une contribution active aux enjeux du Commons’Lab, à la réflexion menée et à l'élaboration de ce qui en découle (activités, communication, actes, etc.).
Le Commons'Lab est un lieu associé où se mettent en œuvre les recherches, les expérimentations et les projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
Bibliographie indicative, d’autres ressources disponibles en ligne :

- Dieter Daniels, Barbara U. Schmidt (dir.), « Artists as Inventors », Ostfildern, Hatje Cantz, 2008
- Zygmunt Bauman, « Le présent liquide », Paris, Seuil, 2007 *
- Peter Lunefeld, « Snap to Grid, « A User's Guide to Digital Arts, Media, and Cultures », Cambridge, MIT Press, 2001*
- Olia Lialina et Dragan Espenschied ( dir.), « Digital Folklore », Stuttgart, Merz Akademie, 2009 *
- Mathieu Triclot; « Philosophie des jeux vidéos », Zones, 2011
- Karen O'Rourke, « Walking and Mapping Artists as Cartographers », The MIT Press, 2013
- Jacob von Uexkûll, « Mondes animaux et monde humain », Pocket 2004
- Anthony Dunne, Hertzian Tales, « Electronic products, aesthetic experience, and critical design », Cambridge, MIT Press, 2005
- Bruce Sterling, « Objets bavards », FYP, 2009
- Frédéric Kaplan, « La métamorphose des objets », FYP, 2009
- Clarisse Herrenschmidt, « Les trois écritures », Gallimard, 2007

- Exposition « Design and the elastic mind », MoMA, NY, 2008
http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2008/elasticmind/index.html
- Exposition « Talk to me », 2011, MoMA, NY
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1080

- Revue OPEN, n° 11, « Hybrid Space, how wireless media mobilize public space », Rotterdam, NAi Publishers, 2006 *
- Revue POLI, n° 3, « Le spectacle de l'écologie », Paris, 2010

http://www.internetactu.net/tag/internet-des-objets/
http://www.pachube.com/
http://www.arduino.cc/

Objectifs pédagogiques :
Prélude à la musique privilégiant l'écoute et le dialogue

Contenu :
Ecoute d'oeuvres musicales historiques ou récentes. Les œuvres sont diffusées dans leur entièreté (elles sont brèves, moins d'un quart d'heure) et de manière répétée (deux ou trois fois). Après chaque écoute, une discussion ouverte permet un échange sur cette audition, le partage des savoirs et la mise en perspective avec les champs de la création et des arts visuels. Aucune connaissance musicale préalable n'est requise.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
http://www.inagrm.com/accueil/collections/portraits-polychromes
http://www.ircam.fr/270.html? et tx_ircamboutique_pi1%5BshowUid%5D=41 et cHash=af12f57aef940c21ace7dd55a07388f2

Support de cours :
http://art45.ensba-lyon.fr/0_art/GG/

Objectifs pédagogiques :
Les journées d'étude sont organisées en forme de séminaire à partir des travaux menés par l'unité de recherche Art Contemporain et Temps de l'Histoire. Des artistes et théoricien.es invité.es portent un regard singulier sur les thématiques développées par l'unité de recherche autour des relations entre de productions d’art contemporain et les « régimes d’historicité » qu’ils mobilisent.

Contenu :
Le contenu des journées d'études est fixé par la personnalité invitée et envoyé aux participants.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
La bibliographie est fixé par la personnalité invitée et envoyé aux participants.

Objectifs pédagogiques :
Les journées d’études sont organisées en forme de séminaire dont une partie peut-être ouvert (à d’autres étudiants, à un public). Les huit axes de la recherche sont abordés selon le sujet de l’année.
1/ Body Politic
2/ On stage/On line:
3/ Re-enactement, restaging, remake?
4/ Archives spéculatives/Archives prospectives/Archives pensées à lʼorigine.
5/ Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
6/ Le public comme forme.
7/ Performer le film/filmer la performance.
8/Dessins/Scripts/Pop up: the world as a script.

Pour 2022-2023, on poursuivra la question de théâtralité/performance « White Cube/Black Box » ainsi que le film de performance « Performer le film, filmer la performance ». Une journée d'étude transversale sur Jack Spicer en cours d'élaboration, à partir de la notion d'hantologie.

Contenu :
Les contenus sont fixés en accord avec les personnalités invitées et partagés avec les participants.

Mode d'évaluation :
contrôle continu.

Bibliographie :
Des textes ou extraits d’ouvrage sont adressés en amont aux participants.

Objectifs pédagogiques :
Station d'arts poétiques

La Station d’arts poétiques est un programme de recherche et de création dirigé vers l’écriture et l'oralité poétiques, dans la diversité des formes.
Après une collaboration de plusieurs années avec l'ENS Lyon qui débuta en 2006, puis avec le Département Écriture de l'ENSATT, ce programme se caractérise par trois journées d'études abordant en profondeur la pratique et l'approche théorique d'auteur*es invité*es, et par un workshop.
La confrontation des pratiques d'étudiant*es avec celle d'auteur*es confirmé*es, est déterminante et stimulante.
Il peut s'agir tout aussi bien du vers, de la prose, du récit, de la poésie visuelle, du «docu-poème», du montage, de la performance poétique et sonore, ou encore des rapports texte/image/son : photo, vidéo, film, chant, hypertexte, et cela dans la diversité des langues et de leurs usages sociaux, du multilinguisme, et des langages vernaculaires.
Une attention particulière est donnée à l’oralisation des pratiques textuelles. En cela, il s’agit de faire interagir les pratiques poétiques et les réflexions qui en découlent, avec celles des arts plastiques contemporains et celles du son. La journée d'études s'achève par une lecture ou une performance par l'auteur*e dans le grand-amphithéâtre.
L’objectif à moyen terme — inspiré des écoles scandinaves, allemandes (Leipzig) et suisses (Biel/Bern), ou jadis du Black Mountain College — serait d’accompagner des créateurs dans une réflexion et une connaissance des réseaux d’activité littéraire, où la langue et les modes narratifs constituent des lieux d’investigation.
L’accent est mis sur les processus d’émergence individuels et collectifs qui ont trait au travail d’écriture, ainsi que connaissance du champ littéraire et éditorial en France comme à l’étranger.
Des lectures et performances poétiques ont lieu régulièrement lors des D.N.S.E.P. Des scènes et plateformes en public ont été régulièrement proposées aux étudiant*es ou ancien*es étudiant*es (ENS Lyon ; Maison de la Poésie Paris ; Périphéries du Marché de la Poésie ; projets à venir avec le C.I.P.Marseille).
Un projet piloté par Patrick Beurard-Valdoye et Agnès Gayraud, accompagné par Derek Byrne (pour les années 3 design d'espace et design graphique)

Contenu :
Programme 2021 - 2022
Journées d'études :
mercredi 17 novembre : Élodie Petit (en sa présence)
mercredi 15 décembre : Vincent Barras (en sa présence)
mercredi 23 février : David Christoffel (en sa présence)
Workshop : 21-23 mars

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Ouvrages des auteures invitées

Support de cours :
Journée d'études en présence de l'auteur, approche des textes de l'auteur, dialogue, confrontation avec les textes des étudiants et la ou le poète

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.
Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche Art Contemporain et Temps de l'Histoire. Il se propose de développer chez l’étudiant un point de vue d'artiste fondé sur une méthodologie théorique spécifique. Le séminaire s’organise autour de l’étude d’une œuvre particulière en convoquant les différents « régimes d’historicité » que cet objet met au travail.

Contenu :
Le problème de la forme en art 5


Le parcours de ces dernières années

Le séminaire a traité les années précédentes de la relation entre art et violence et a porté son attention sur ces moments particuliers où le langage et la perception sont suspendus. L'expérience cognitive du langage et des images est un travail d'élaboration, au sens de la transformation que se produit en nous quand nous formulons ou nous écoutons un récit, quand nous produisons ou nous observons une image. Dans ce moment de trans-laboration, de mise en œuvre complexe d'autres domaines — notamment ceux de la mémoire et de l'expérience antérieure — le langage se construit selon de schémas que nous maitrisons. Or la violence, comme aussi le rire, sont le lieu de l'écart, de la différence et de la singularité, ils produisent une dynamique réflexive d'une nature différente. Dans un moment d'absence de ce qu'est à narrer et de ce qui est visible, la dynamique réflexive se construit par une oscillation extrême entre aveuglement et contemplation. Le rire plus particulièrement nous a permis d'aborder le langage produit dans cette situation de suspension par la notion freudienne de 'forme régressive' grâce à l'étude de la figure de Pulcinella et sa position paradoxale face à son public. Ce masque de la tradition du théâtre de rue napolitaine est en même temps comique et sérieux, tellurique et infernal, innocent et savant, il est le lieu ou le point d'oscillation. Il est toujours aux bords de ce qui peut faire langage, mais qui échappe à toute formulation. Polichinelle est porteur de nouvelles possibilités du langage, car il est le masque de la 'régression' du langage inédit et non dit.
Nous avons exploré un aspect essentiel de l'élaboration et de la régression créative à l'œuvre dans tout invention expressive, portant notre attention à cet écart entre absence du langage et ce que les artistes ont appelé le problème de la forme.
On est revenus sur ce que dans la langue allemande on appelle 'die Gestalt', la chose qui se donne à voir pour ce qu’elle est, dans le sens où elle est régie par un ordre, une règle interne qui la rende organique pour celui qui l'observe. Quand est-ce que cet ordre est perçu comme créatif, c'est-a-dire, quand est-ce qu'il est nouveau, inédit? Quel est le rôle d'une culture et de son langage sédimenté dans la production d'une forme inédite? Comment se manifeste l'écart, que-est ce que c'est sa singularité, quel rôle accorder à son incompréhension?
L'horizon de la culture, le biotope à partir duquel nous apercevons les choses a été essentiel dans l'histoire de l'art et a permis à tout artiste de penser les objets et les idées comme des choses organisées selon un ordre nouveau, selon une logique qui est reconnaissable comme différente de nous et tout ce que nous connaissons. Comment produire une forme en art, comment inventer si elle ne se réfère plus à une culture donnée, s'il elle ne travaille plus comme le pensaient les artiste du vingtième siècle, Klee ou Malevich par exemple, à partir de sa propre histoire?
L'élaboration semblerait perdre d'importance dans notre société mondialisée et nous avons pu l'observer dans beaucoup d'évolutions artistiques qui ne s'occupent plus du problème de la forme, qui ne travaillent pas à ce qui est inédit et ont souvent abandonné la dimension de travail de la perception du spectateur. Qu'est-ce que c'est le problème de la forme si on ne peut plus penser l'écart? Est-ce que le rôle de l'art a déjà changé ?


Les enjeux théoriques du séminaire

'La critique comme principe de sélection, de discernement et distribution ou redistribution nécessite un critère et une faculté capable de discerner. Si la critique présuppose une résolution et une forme d’ordre, elle présuppose aussi des conditions et limites susceptibles d’un débordement, écrit Jean-Luc Nancy dans Critique, crise, cri (revue en ligne Diacritik voir bibliographie).
La critique, dans le sens développé par philosophie moderne allemande (celle d'après la Révolution française) présuppose l'idée de sujet pensant et agissant et est en art à l'origine de l'idée moderne de spectateur. Un individu qui est capable de ressentir ce que transmet une œuvre et qui justement par son expérience esthétique du monde peut aussi prendre position, agir et réagir de façon singulière. C'est l'idée développée par Schiller à propos du rôle de l'éducation esthétique pour qu'un individu puisse développer une conscience éthique et politique du monde.
Nous sommes entrées aujourd'hui dans une nouvelle ère, où la pensée critique ne semble plus nécessaire pour faire expérience du monde. Assignés à un rôle, une position sociale et topographique dans le monde, à un genre et à une condition politique, nous sommes en condition de 'criticabilité', non pas à partir de ce que nous expérimentons du monde développant une attitude de jugement, mais à partir d'une condition donnée qui n'est pas à interroger car assigné. Ce débat public est présent dans toutes les sphères de notre société. Qu'elle est l'influence de ce changement radicale sur ce qu'on appelle art? Qu'est ce qu'est une forme si le sujet n'est plus en condition d'expérience et de jugement?
On essaiera d'aborder cette vaste problématique à partir de quelques œuvres symptomatiques récentes et de la fin du siècle dernier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- Jean-Luc Nancy, Critique, crise, cri (unser Zeitalter ist nicht mehr das eigentliche Zeitalter der Kritik) https://diacritik.com/2016/05/13/jean-luc-nancy-critique-crise-cri-unser-zeitalter-ist-nicht-mehr-das-eigentliche-zeitalter-der-kritik/
- Michel Foucault, QU’EST-CE QUE LA CRITIQUE ? [CRITIQUE ET AUFKLÄRUNG] Bulletin de la Société française de Philosophie. Compte rendu de la séance du 27 mai 1978 https://docs.google.com/viewer?a=v et pid=forums et srcid=MDU5MTc5ODQ1NDc2NTQ4MTI0MzkBMTgzNjk4NDg1MzkxNDI4MTA0OTQBZUdrMGZlRVlOWlVKATAuMQEBdjI
- Friedrich von Schiller, Lettres sur l’éducation esthétique de l’homme(1795-1796), http://classiques.uqac.ca/classiques/schiller_friedrich_von/lettres_sur_education/schiller_lettres_sur_education.pdf
- AAVV, “Découper le temps en son lieu. Parcours expérimental / Cutting out Time in its Place. Experimental journey,” B.Rüdiger (dir.), éd. ENSBA Lyon, avec Y.Annicchiarico, A.Bonnard, J.Lauro‐Mariani.
- AAVV, “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, G. Careri et B.Rüdiger (dir.)éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016.
- Bernhard Rüdiger, “PPP paradoxe” et “L’œil de Sodome”, in Initiales PPP, Pier Paolo Pasolini N.7, éd. ENSBA Lyon, 2016.
- Bernhard Rüdiger, Natura abhorret a vacuo” Initiales N.1 GM dédié à la figure de George Maciunas ; éd. ENSBA Lyon, 2012.

Objectifs pédagogiques :
La Post-Performance Future considère 'héritage et les impacts de la performance sur les arts visuels au XXIè siècle. Depuis 2012, la recherche se développe autour de 8 axes.


Acquérir une meilleure connaissance d'un contexte, capacité à nommer et situer ce qu'on produit, élaborer les outils théoriques et factuels pour structurer une pensée. Situer le travail et la recherche à partir des objets de performances, les outils (scripts, déroulé, {set} ) considérés comme des extensions des actes. La trame de l'année, à partir de la théâtralité: Versus Theater, Towards Theatricality, engagera un dialogue avec les arts visuels.
Post Performance Painting, Post Peformance Video.

Deux exercices , une action commune pratique:

Semestre 1: La 4è table: Sessions pratiques communes: construire un outil en commun, qui soit à la fois un espace de partage, de faire et d'énonciation. La table, symbole du plan de travail, de la 'tabula rasa' au bureau, objet de négociation, de discussion. Cela provient de PERFOURNIR: Une des étymologies longtemps ignorée de la performance, que la post-performance retrouve, est celle du per-fournir: donner forme. Cela découle de la problématique liée aux objets scéniques.

Semestre 2: Filmer la performance/performer le film: construire un scénario commun à partir de la notion de ré-enactement, faire un film en 16mm en groupe.

Contenu :
Que vaudrait la théorie si elle ne servait aussi à inventer la pratique ?'
Pris au sens d’un projet inachevé, celui de la modernité, la post-performance questionne l’âge du « post-médium » en ce début de 21e siècle, entre succession chronologique, postérité ou filiation historique, réemploi (de formes abstraites de leurs contenus) et rupture (comme changement de paradigme ou d’époque). Le re-enactement, l'oralité, l'exformation et l'extrudation en réonse au 'sans contact'.
Apparue à la croisée de la philosophie analytique anglo-saxonne du langage et des champs de l’art et du spectacle, liée à des pratiques de langage, à des actions et à une rupture par rapport à un certain mode de représentation opérée au milieu des années 50, la notion de performance est polysémique. Il s’agira de questionner ce nom, ce qu’il recouvre, et l’évolution de pratiques liées à son usage.
Comment cet art de la performance évolue-t-il et comment évoluera-t-il dans les prochaines années, notamment avec les technologies numériques ? En quoi sommes-nous passés de sa dématérialisation à son « re-enactment »? Que se joue-t-il ici ?


Le cours se déroulera de façon polysémique et polyforme à partir de séquences. Un cours théorique, à partir du chapitrage en 8 axes, des exercices pratiques (voix, marche, déplacements, écoute, placements, travail de groupe...) toujours en lien avec l'objet du cours, un texte de référence philosophique ou critique, ou littéraire.



La Post-Performance Future considère 'héritage et les impacts de la performance sur les arts visuels au XXIè siècle. Depuis 2012, la recherche se déveoppe autour de 8 axes.


1 - Body Politic: les nouveaux genres de la performance.
2 - Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
3 - Le public comme forme: audiomat et soap opéra: nouveaux scripts?
4 - Documenter/recréer: le même mais un autre.
5 - On stage /on line: HIc sed Nunc?
6 - Anarchives: spéculer sur le reste.
7 - Cineperformance.
8 - Espace public, question du commun.


A partir de 8 axes de réflexion, le séminaire alternera les cours théoriques et les exercices pratiques.

Les Ana-Chroniques de la Post Performance : une autre histoire de la performance à l’âge du post médium. Une histoire souvent non écrite, ponctuée de récits d'artistes accompagne un cours articulé à partir de lectures d'oeuvres.

Cours et exposés, présentations de travaux: Off Crit: comment formuler des paroles à partir des objets en acte: la question du comment et de l'expérience à l'oeuvre. De la fabrication à l'implémentation.

Les expériences pratiques en lien avec le programme de recherche Post Performance Future :
- workshop possibles: Bûto , corps et animalité avec Yoko Higashi, Versus Theatrality: Tyler Coburn ,Than Hussein Clark, Asher Hartmann (à confirmer)


Lectures devisées:
lectures en groupe inspirées des dispositifs de partage.

Utilisation des studio son et vidéo, avec la participation d’invités extérieurs, conduisant à une réflexion sur les processus de monstration, de réception et de transmission.

Mode d'évaluation :
Fiche de présence et lectures, présentation de travaux, travail en binômes ponctuels, Instagram ralenti.

Bibliographie :
Bibliographie qui sera complétée en cours :

- Andrea Fraser, Museum Highlights, 2002, MIT Press
- Anne Bénichou (dir.), « Ouvrir le document », Les presses du Réel, 2010
- Krauss Rosalind, « Under Blue Cup », 2011
- Five Sisters, Blog Log case study, If I Can't Dance I won't be Parto f Your Revolution, 2013
- Claire Bishop, « Artificial Hells », Verso, 2012
- Articles Post Performance Future « Mousse Magazine », 2014-2019
- Cally Spooner, Scripts, 2014
-David Maroto: Book Lovers
-Tyler Coburn: Personna, Stenberg Press


Catalogues :
- Hors Limites « L'art et la vie », 1994, Mnam/Centre Pompidou,
- Out of Action, 1998 , MOCA Los Angeles
« The World as a stage », Tate Modern, 2007, « Ne pas jouer avec les choses mortes », Villa Arson, 2008, « Un théâtre sans théâtre », MACBA, 2009, « I was a male Yvonne De Carlo », Musac, Léon, 2011, « A Bigger Splash », Tate Modern, 2012...

Support de cours :
cours avec images et films, objets et discussions.

Objectifs pédagogiques :
Par un travail de réflexion commun, approfondir les questions liées au numérique en art et élaborer des projets en cohérence avec les enjeux contemporains d'une telle pratique.
Pour les étudiants en cycle recherche, l'objectif sera de poursuivre et d'approfondir leurs travaux en cours tout en s'inscrivant dans la dynamique commune de l'atelier.

Ce séminaire se déroulera dans les locaux du labo NRV de l'ENSBA Lyon.

Contenu :
Après un rappel historique des différents moments qui ont balisé les dernières décennies, il s'agira de :
- Connaître les artistes actuels qui privilégient le médium numérique sous toutes ses formes ou ceux qui font appel au numérique de manière singulière, conceptuellement ou techniquement.
- Repérer les œuvres ou les productions numériques signifiantes.
- Répertorier les lieux (institutions, galeries, festivals, site internet, etc.) qui présentent un intérêt pour le numérique ou qui affichent une spécialisation dans le domaine.
- Comprendre les réflexions contemporaines (théoriques, critiques, esthétiques...) liées aux pratiques et à la société numérique.
- S'inscrire par un projet dans ce contexte général en soulevant une problématique originale.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et présentation d'un projet élaboré durant l'année dans le cadre du séminaire.

Bibliographie :
BROWN (Paul), GERE (Charlie), LAMBERT (Nicholas) et MASON (Catherine) (Sous la dir. de), White Heat Cold Logic: British Computer Art 1960-1980, The MIT Press, coll. « Leonardo », Cambridge (MA)/Londres, 2008.
COX (Geoff), Antithesis : The Dialectics of Software Art, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University, Danemark, 2010, http://www.anti-thesis.net/contents/thesis/antithesis.pdf
CRAMER (Florian), Words Made Flesh: Code, Culture, Imagination, Media Design Research, Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy Hogeschool Rotterdam, Rotterdam, 2005, http://www.netzliteratur.net/cramer/wordsmadefleshpdf.pdf
FULLER (Matthew) (Sous la dir. de), Software Studies: A Lexicon, The MIT Press, Cambridge (MA)/Londres, 2008, http://dm.ncl.ac.uk/courseblog/files/2010/02/softwarestudies.pdf
GORIUNOVA (Olga) et SHULGIN (Alexei) (Sous la dir. de), Read_Me. Software Art and Cultures, catalogue Read_Me 2004, University of Aarhus, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus, 2004.
HIMANEN (Pekka), L’éthique du hacker, Exils, Paris, 2001.
KITTLER (Friedrich ), Gramophone, Film, Typewriter, Les Presses du Réel, Dijon/Paris, 2018.
LIALINA (Olia) et ESPENSCHIED (Dragan) (Sous la dir. de), Digital Folklore, Merz et Solitude, Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung, Stuttgart, 2009.
MAIGRET (Nicolas) et ROSZKOWSKA (Maria), The Pirate Book, Aksioma, Ljubljana, 2015.
MANSOUX (Aymeric) et VALK (Marloes de) (Sous la dir. de), FLOSS + ART, GOTO10, Poitiers, 2008.
STERLING (Bruce), 'An Essay on the New Aesthetic', Wired, 2 avril 2012, https://www.wired.com/2012/04/an-essay-on-the-new-aesthetic/
VIERKANT (Artie), The Image Object Post-Internet, http://jstchillin.org/artie/pdf/The_Image_Object_Post-Internet_us.pdf

(Bibliographie en cours)

Objectifs pédagogiques :
L’exercice d’accrochage se veut un moment d’échange qui vise à exposer le travail dans l’espace et dans la parole pour que son autonomie de pensée et sa singularité puissent émerger.

Contenu :
Coordonné par un ou une professeure l’exercice d’accrochage est un moment de travail collégiale entre plusieurs étudiant.es et différents professeur.es et intervenant.es.
Il s’agit « d’accrocher » le travail en cours. Par accrochage on entend la mise en exposition du travail et de son auteur.e. Il s’agit de mettre en œuvre l’organisation spatiale et collégiale du travail, de préciser les intentions et les raisons. Cet exercice collégiale se construit en amont, se projette et se discute en étroite collaboration entre étudiant.es. Il s’expose au regard, à l’écoute et à la discussion d’un auditoire composé de toutes et tous les étudiant.es et d’un nombre de professeur.es et intervenant.es.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Permettre à l'étudiant de concrétiser et finaliser les éléments issus de la recherche et du développement du projet ou du travail.

Contenu :
Le terme de production vient ici qualifier le travail d'atelier en phase projet et, dans un registre un peu différent, en phase préparatoire du diplôme DNAT.
On peut raisonnablement considérer que dans le cadre d'un projet personnel pleinement orienté du côté d'une activité de recherche, la finesse de la réflexion sur l'économie générale du travail et sa faisabilité d'une part, et, d'autre part,
l'ajustement du niveau de 'l'agir' dans la complémentarité au 'faire', pour la concrétisation des travaux, pièces et objets, conduisent l'étudiant à 'produire' les signes tangibles et manifestes de son projet.
Production donc, tant dans son acception de 'production de l'esprit', au double sens littéral et ici très adapté de 'génération' et de 'formation', que dans son acception de 'production d'objet' tel que tableau, film, etc.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Entretiens individuels et semi-collectifs en atelier.

Contenu :
Studio Arpentage est pensé comme une structure ouverte aux propositions et nécessités des étudiant.es.

Il propose un temps pour l’esprit critique durant lequel l’on questionne les contextes dans lesquels l'artiste intervient, où l’on envisage « l’après-école », où l’on remet en jeu la valeur des formes de production. Il se constitue comme un studio abordant de nombreuses questions liées à la professionnalisation de façon assez large: réalité du monde de l'art et ses alternatives.


Descriptions des séances:

Lundis: Séances Reality:

Une séance sur deux sera dédiée à l’échange autour de la réalité du paysage artistique français et international, temps pendant lequel, entre autres, les questions du droit et de l’économie de l’artiste seront abordées. Il s’agit d’un format de discussion informel, ou tout sujet peut être discuté, marché de l’art, prix des œuvres, salaires des artistes … Des formats différents pourront être mis en place, arpentage de livres, études de contrats, jeux de rôle, analyses de cas pratiques, invitations de personnalités extérieures, etc. Certaines invitations se poursuivront également dans le contexte la Masterclasses les vendredi des mêmes semaines.

Mardis: Séances Alternatives:

Cette séance sera consacrée aux recherches d’alternatives au monde de l’art tel qu’il existe aujourd’hui et cela au travers de différentes invitations.

Dans cette séance nous continuerons à discuter du statut des artistes, en analysant les diverses postures du refus évoquées l'année passée, et en poursuivant les recherches sur les possibilités d'autonomie des travailleur-euses de l'art (création de coopérative par exemple).

A confirmer:

Johana Blanc: Artiste en résidence à la bf15.
Sabrina Soyer: retour sur la mutuelle des artistes, 2 an après.
Octopus: coopérative de régisseur-euse.
Mathieu Clainchart: Artiste, enseignnt à Annecy : création de syndicat.
Wage America.
Membres du post diplome.


Programmation à compléter avec les étudiant.es.



Infos pratiques:

Le studio aura lieu sur 2 sessions de 3h par mois (soit 6h réparties sur une semaine par mois) à 17h les lundi et mardi à partir de décembre.
Étant aux États-Unis en octobre et novembre, les sessions se feront en visio.

Rdv première session d'introduction le 10 Octobre à 19h En visio. Dates suivantes a confirmer.


Plus de la moitié des séances de l’année auront lieu à l’extérieur de l’école.

Toutes les pratiques sont les bienvenues, tout le monde peut venir pour assister aux sessions souhaitées.
Oulimata Gueye et les membres du post diplômes assisteront à certaines sessions durant l’année. Les diplomé.es sont comme toujours bienvenues.

Support de cours :
Voir description du contenu.
Les participant.es au workshop communiquent via what’s app ainsi que via l’application discord.

Objectifs pédagogiques :
Guider les étudiants dans la recherche d’œuvres qui, comme l’a dit le grand cinéaste et écrivain chilien Raul Ruiz, ne répondent pas à la question «de quoi parle ce film ?» mais sont, au contraire, des monstres uniques, chacun habitant des formes qui n’ont jamais existé auparavant, adaptées uniquement aux idées, aux sentiments et aux gestes proposés et définis par l’œuvre elle-même.
Mettre l’accent sur les pratiques qui permettent aux conditions dans lesquelles quelque chose est fait, et aux nombreux processus potentiels employés (la matérialité), de devenir des éléments formels essentiels de l’œuvre. Encourager les étudiants à rejeter l’idée que l’image en mouvement doit être plus didactique ou intellectuellement intelligible que les autres médias, en résistant à l’idée que la forme n’est qu’un simple réceptacle pour le contenu. Je mettrais donc l’accent, avant tout, sur le processus artistique.

Contenu :
Au cours de ma carrière de travail avec des étudiant.e.s artistes, j’ai développé de nombreuses méthodes pratiques pour décentrer ou défamiliariser des
modes de production artistique restrictifs et hérités, afin d’arriver à de nouveaux langages formels nécessaires à une œuvre donnée, nouvelle.
Il s’agit notamment de pratiques de prise de conscience radicale et d’écoute profonde (y compris
les exercices proposés par Pauline Oliveros, Simone Forti et Peter Hutton, entre autres), d’une praxis féministe centrée sur des domaines autrefois jugés peu sérieux ou frivoles par un ordre symbolique masculin (journaux intimes, bricolage, histoires pour enfants, désir), et de l’étude du goût et de la moralité esthétique dans le but de produire consciemment un « art autre, pour ainsi dire ‘mauvais’ ».

Mode d'évaluation :
Présence, engagement et respect des autres.

Bibliographie :
So Far November 2022- Janvier 2023 this has been the contents // Jusqu'à présent, de novembre 2022 à janvier 2023, le contenu a été le même ::
Tropical Malady, Apichatpong Weerasethakul, 2004
That Obscure Object of Desire, Luis Buñuel, 1977
Vivir para Vivir/Live to Live, Laida Lertxundi, 2015
Raúl Ruíz, Poetics of Cinema, 2006
The Emancipated Spectator, Jacques Rancière 2004
Polycephaly in D, Michael Robinson, 2021
Memorias del Subdesarrollo - Memories of Underdevelopment
Tomás Gutierrez Alea 1968
Vanalyne Green, Saddle Sores, 1999
Alex Bag Untitled Fall, 1995
I love Dick, Chris Kraus, 1997
SEI SHONOGON, PILLOW BOOK
Peggy Ahwesh- From Romance to Ritual
Sophie Calle, Double Blind
Sadie Benning - Compilation
My Best Thing, Frances Stark, 2011 excerpt
Notes on Gesture, Giorgio Agamben
Simone Weil, Gravity and Grace. 1947
How to do Nothing, Jenny Odell, 2019
Radical Attention, Julia Bell, 2020
Audre Lorde, Sister Outsider
Nostalgia, Hollis Frampton, 1971
Om, John Smith, 1986
Red Hollywood, Thom Andersen and Noel Burch, 1996
Bas Jan Ader Selected Works, 1971
MGM, Jack Goldstein, 1975
Official Welcome, Andrea Fraser, 2003
Collapse of the Expanded Field, 2007, Alex Hubbard
Heads in the Dark, 2009, Alex Hubbard
Me Broni Ba, Akosua, Adoma, Owusu, 2009
Mount Sond, Shambhavi Kaul, 2013
Onions, Angie Keefer- from here recommend:
All that Heaven Allows, Douglas Sirk (film)
Why Fred Sandback Makes me Cry, Andrea Fraser

Support de cours :
Film and video cameras and sound recorders. // Film and video cameras and sound recorders.

Objectifs pédagogiques :
Accompagner les étudiant.e.s dans leur réflexion sur la place du son, de la mise en son, de l'accrochage sonore ou de la performance vocale dans leurs travaux, au croisement entre pratiques savantes et populaires.

Contenu :
Le studio CANTOS (d’après le canto, qui signifie en poésie la partie principale d’un long poème, et vient étymologiquement de cantus en latin, le chant, la chanson) mettra en pratique des hypothèses de composition du texte et du son : voix proférées, field recordings, agencement de samples. Il fera la part belle à la technique de l’enregistrement et aux possibilités de transformation du signal qu’il offre, en pré ou en post-production. Sans jamais perdre de vue le jeu possible entre ce que se dit, à la marge ou au bord de ce que peuvent être une chanson ou un poème, CANTOS jouera sur ce qui résonne.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
A Voice and Nothing More, Mladen Dolar, trad. éd. Nous, 2011
Le son et la voix entretien avec Michel Chion, L’Harmattan
Dire/chanter : passages : Etudes musicologiques, ethnomusicologiques et poétiques (XXe et XXIe siècles) (Français), 2014
Tacet n° 03 – De l'espace sonore, Numéro dirigé par Yvan Etienne, Bertrand Gauguet et Matthieu Saladin, 2014
Une Histoire de la modernité sonore, Jonathan Sterne, La rue musicale / La Découverte
The Rest is noise :à l'écoute du XXe siècle, Alex Ross, Actes Sud, 2010
Unsound, Undead, éd. Steve Goodman, Tobi Heys, Eleni Ikoniadou, Urbanomic, 2019
L’expérience de l’expérimentation, dirigé par Matthieu Saladin, Les presses du réel
Avant-Gardes sonores en architecture, Carlotta Daro, Les presses du réel
Dialectique de la pop, Agnès Gayraud, La Découverte, 2018

Objectifs pédagogiques :
Conjunto Folklórico Experimental Lyones (CFEL) est un espace de réflexion sur ce qui constitue une pratique artistique, ses possibilités et limites dans la sphère sociale.

L'objectif principal du CFEL est de développer une prise de conscience de ce qui nous entoure et nourrit notre travail artistique. En d'autres termes, le contexte social et politique dans lequel nous développons notre pratique artistique.

Contenu :
Le CFEL concerne principalement la réciprocité et l'échange d'idées, d'opinions et de références qui peuvent (ou non) aider à la construction d'un moi-artiste et de son imaginaire en constante expansion.
Le CFEL n’a pas de but spécifique autre que la circulation des connaissances (le cas échéant). Pour être impliqué dans le CFEL, il faut d'abord répondre à un questionnaire spécialement conçu pour le studio.

Mode d'évaluation :
Le questionnaire et la participation active sont les seules modalités d’évaluation du studio.

Bibliographie :
The Garden as Theatre as Museum, Dan Graham
Le topofil de Boa Vista-A Montage Photo-Philosophique, Bruno Latour
Le feu la prochaine fois, James Baldwin
Sinon l'hiver, Fragments de Sappho, Anne Carson
Jay DeFeo et The Rose, Martha Sherrill
Marisa Merz: Geometrie Sconnesse Palipiti Geometrici

Objectifs pédagogiques :
Lens Art évoque l’invention de la lentille optique, de la camera obscura, prises comme point d'entrée de la photographie. Lens Art permet aussi, en un seul nom, de rassembler des pratiques très variées autour de la notion d' imageur,(caméra vidéo, caméra S8, scanner), ce qui ne nous empêche pas de parler d'images collectées, d'archives récupérées, de prise de vue automatisée, ou de photographie sans appareil.

Contenu :
Si l'actualité le justifie, le début du cours est consacré à l'actualité des expositions et des publications.
Le studio se construit, se nourrit des propositions des participants, de leur interaction. Les références se construisent autour des centres d'intérêt des participants et participantes. les projets éditoriaux, la « photographie horizontale », sont encouragés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- Ariella Azoulayla série des 'unlearning' (photographie, instant décisif, expertise), blog Wintertur Foto Museum
- Geoffrey Batchen, 'Suspending time', 'Snapshot, l'histoire de l'art et le tournant ethnographique'
- Nathalie Boulouch 'Histoire de la photographie couleur'
- Clément Chéroux 'Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique', 'Diplopie, l'image photographie à l'ère des medias globalisés'
'Snap + Share: Transmitting Photographs from Mail Art to Social Networks'
- Sylvain Dreyer 'URSS 1929, factographie, naissance d'un genre?'
- Michael Fried 'La place du spectateur', 'Why photography matters as art as never before'
- Jacqueline Guittard 'Roland Barthes: la photographie ou l'épreuve de l'écriture'
- André Gunthert 'La fabrique des images contemporaines'
- Julie Jones, Michel Poivert 'Histoires de la photographie'
- Rosalind Krauss 'Le photographique, pour une théorie des écarts'
- Luce Lebart 'Mold is Beautiful', 'Gold and Silver', 'CNRS'
- Olivier Lugon 'Le style documentaire', 'Avant la forme tableau' (le grand format dans l'exposition 'signs of life')
- Michel Poivert 'L'image au service de la révolution', 'La photographie contemporaine'
- Martin Parr 'Le documentaire conceptuel'
- Katrina Sluis 'Photography must be curated!' blog Wintertur Foto Museum
- Jeff Wall 'Essais et entretiens' 'liquid photography'

Roy Arden / Taysir Batniji / Iain Baxter /Valérie Belin / Laurence Bonvin / Mohamed Bourrouissa / Barbara Breitenfellner / Florence Chevalier / Gaëlle Cintré / Documentation Céline Duval / Sandrine Elberg / Roe Ethridge / Roni Horn / Harald Fernagu / Michel François / Paul Armand Gette / Lola Gonzales / Agnes Geoffray / Stephen Gill / Paul Graham / Andreas Gursky / Annette Kelm / Erik Kessells / Martin Kippenberger / Pierre Leguillon / Jochen Lempert / Thomas Mailaender /Jean-Charles Massera / Masaccio et Drowilal / Gustav Metzger / Gianni Motti / Boris Mikhailov / Jean-Luc Moulène / Luc Moulet / Peter Piller /Marco Poloni/ Paul Pouvreau / Julien Prévieux / Josephine Pryde / Walid Raad / Pablo Réol / Maya Rochat /Torbjorn Rodland / Thomas Ruff / Vivian Sassen / Joachim Schmid / Bruno Serralongue / Malik Sidibé / Roman Signer / Jules Spinatsch / John Stezaker / Hiroshi Sugimoto / Batia Sutter / Taroop et Glabel /Peter Tillessen / Patrick Tosani / Yves Trémorin / Anaëlle Vanel / Jeff Wall / and more

Objectifs pédagogiques :
En partant de connaissances fondamentales sur les lois spécifiques de la peinture et de son histoire, j'incite les étudiants à jeter un regard critique sur leur propre pratique : l'élargissement de la notion de peinture et la discussion qui s'ensuit, qui inclut également d'autres champs comme par exemple l'art conceptuel ou la critique institutionnelle, doivent constituer la base d'une confrontation fructueuse et d'un développement de leur propre travail artistique.
Outre le développement et la mise en évidence des positions individuelles par le biais de discussions individuelles et de groupe régulières, il convient également de veiller à l'élaboration des differeenetes concepts des publications et de conditions de différents formats de présentation (Display). Une attention est également accordée à l'examen des pratiques collectives qui favorisent l'élargissement de la notion d'auteur et qui peuvent finalement être mises en œuvre dans des projets d'exposition communs.

- approfondir les connaissances sur la «peinture comme médium» dans le champ de l'art contemporain
- comprendre l'ancrage de la peinture dans son contexte historique (de l'art) en regardant des autres disciplines / médiums
- developpement d'une capacité à parler et défendre leur pratique personnelle de travail (discours) sur une base individuelle, mais aussi apprendre à débattre / discuter / défendre leurs points de vue au sein d'un groupe plus large.
- élargir les connaissances sur les structures existantes dans le domaine de l'art contemporain (institutionnel et à but non lucratif ainsi que les structures à base marquée / galerie)

Contenu :
- Discussions en studio le vendredi (sur une base hebdomadaire)
- Proposition des mini-lectures avec des artistes internationaux invités (via zoom) et discussion
- Proposition de la réalisation d'un projet collaboratif pendant le semestre/année
- Entretiens individuels avec des étudiants sur leur pratique de travail en studio
- Discussion et propositions de solutions pour des questions techniques au sein d'une pratique picturale
- Visites d'expositions (si possible)

Mode d'évaluation :
- Implication et participation

Bibliographie :
- des références et une bibliographie spécifiques seront remises dans le cadre du cours

Objectifs pédagogiques :
Acquérir des connaissances et des compétences pratiques et théoriques relatives au champ de la performance plasticienne étendue aux questions scéniques et scénographiques. Maitriser les méthodologies d'activation du corps dans les espaces privés et publics, la relation à une audience, les paramètres qui définissent une œuvre performative, de sa conception à sa consignation visuelle, sonore et/ou à sa conservation documentaire (photographie, vidéo, document audio, texte, etc.). Acquérir ou consolider les apports théoriques en art de la performance: historiques, philosophiques, et ses liens avec les champs de recherches tels que la philosophie, l’esthétique, l'anthropologie, les sciences sociales, etc. Acquérir des compétences présentielles (corps, voix, présence) en vue du diplôme (DNSEP) et/ou pour les présentations publiques (relationnelles) du travail.

Contenu :
Pratique physique de la performance, à partir de méthodes constitutives de l'art des gestes, en lien d'une part avec les préoccupations des étudiant.e.s et d'autre part avec les paramètres incontournables du medium performance : conscience de soi et du public, rapport au(x) corps, aux espaces, au(x) public(s), analyse esthétique, prise de conscience du « métier » de performer (arts visuels et arts vivants). Histoire de l'art, apports théoriques denses et précis, adaptés, relatifs à l'histoire de l'art d'une part, à la contemporanéité de la pratique performative et sa mise en perspective d'autre part.

Mode d'évaluation :
Implication et participation.

Support de cours :
Diversifiés et spécifiques, contenus vidéo, audio, textuels, de très nombreux documents et textes disponibles en ligne et en bibliothèque notamment, qui seront adaptés aux orientations que prendront les étudiant.e.s dans leurs recherches et les questionnements collectifs soulevés et explorés lors des temps de studio.

Objectifs pédagogiques :
Expérimentation dans le domaine du son, de la musique et de la mise en situation des réalisations.

Contenu :
Usages du son au croisement des champs de la musique, des arts visuels et de l'ingénierie sonore ; acquisition des connaissances et compétences liées à la production et à la diffusion des sons ; études particulières liées à l'écoute de la voix parlée ou chantée, dans le cadre de l'interprétation en direct et de la radiophonie. L'essentiel est articulé autour de la production sonore des étudiants. Toutes les propositions sonores sont acceptées (vidéos, installations, improvisations, scène, etc.).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
http://michelchion.com/
http://firstsounds.org/
http://filmsound.org/
http://www.radiofrance.fr/

Support de cours :
http://gillesgrand.free.fr/
http://art45.ensba-lyon.fr/art/art.html

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
- confronter l'étudiant à la réalité de parcours professionnels spécifiques dans une logique de désintimidation
- montrer la diversité et la multiplicité des économies et des modèles
- dresser une cartographie des acteurs du monde de l'art, mais aussi de positions idéologiques et culturelles marquées

Contenu :
Une journée avec un.e invité.e : écrivain.e, architecte, galeriste, collectionneur.euse, éditeur-rice, artiste, commissaire, journaliste, producteur.rice, etc. en privilégiant des profils indéterminés et des parcours singuliers dans le champ de l'art et en dehors. L'idée est de proposer une rencontre informelle qui provoque questions et débat, puis, en fonction de l'invité, un mini workshop spécifique ou des rencontres en public avec des travaux d'étudiants.
Organisé en partenariat avec le postdiplôme.

Mode d'évaluation :
Présence et participation

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- L. Clandsfield, « Global English (Upper Intermediate, Advanced) », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- J. Berger, « About Looking », Vintage International

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
A la jonction de l’anthropologie du visuel, de la sociologie et de la biologie, HA22 (1992-2022) prospecte les bases et les intrications des formes du vivant, des productions humaines et des correspondances polymorphes (géo-spatio-temporelles). Pour une écologie de l’esprit, une science nouvelle. A partir de fondamentaux et de textes clefs, il s’agira de relire et relier des champs entrelacés par les pratiques artistiques du 21è siècle.

La trame de l'année portera sur les nouveaux matérialismes.

Contenu :
Cours magistral, textes de références, à partir de comparaison et de présentation d’artistes et d'oeuvres.
En partant de l'actualité contemporaine et de figures clefs de celles-ci, qui en sont les acteurs, on s'interrogera sur des notions de style, d'image, de production et de formes. Métahistorique, l'histoire de l'art est un outil vivant qui évolue et se situe par rapport aux contextes. Au-delà des chronologies linéaires, et des listes on fera appel à la pluralité des approches , afin d'envisager des histoires des arts.

Mode d'évaluation :
Présence régulière.

Bibliographie :
Une bibliographie sera donnée dans le cours. Textes fondamentaux et écrits d'artistes.

Support de cours :
Projections images, films, textes. Visites d'expositions et d'ateliers encouragées.

Objectifs pédagogiques :
Accompagner de jeunes artistes dans la construction de leur espace de recherche et dans la fabrication de leurs outils conceptuels et esthétiques dans un monde en mutation.
Apprendre à penser ensemble les questions artistiques et les enjeux économiques, technologiques et sociaux.
Apprendre à questionner les imaginaires contemporains dans la perspective de mettre à jour les impensés issus de la fabrication des représentations coloniales.
Apprendre à se décentrer sans s'approprier.
Construire des relations d’instruction réciproque, évolutives et dynamiques autour d’un objet de recherche et des formes singulières émanant de la proposition artistique.

Contenu :
A partir de la lecture approfondie des ouvrages clés des études décoloniales, il s’agit d’analyser la fabrication des représentations qui impactent encore de nos jours les imaginaires collectifs et de questionner les héritages respectifs à travers le concept de 'non innocence'. Une attention particulière est portée sur la recherche décoloniale sud-américaine concernant les questions de pouvoir, de genre et écologiques.
Cette démarche est nourrie et mise en regard des travaux d'artistes qui développent des démarches transversales croisant art contemporain, technologies numériques, économie et mobilisations afin de déconstruire les représentations médiatiquement dominantes et imaginent des reconfigurations inédites. Une large part est faite aux propositions spéculatives et aux travaux d’artistes qui proposent de reprendre les filiations antécoloniales pour imaginer et adresser des questions contemporaines : comment rendre compte de la matérialité des technologies qui se sont largement construites sur le mythe de leur immatérialité ? Est-il possible de se réaproprier le vocabulaire scientifique et technologique confisqué par l'imaginaire de la silicon valley pour en re-ouvrir les sens et les potentialités ?

Contenu :
Puisant chaque deux semaines dans l’actualité du moment, celle des expositions mais également l’actualité éditoriale sous toutes ses formes (essais, littérature, publications online, podcasts, etc.), le cours « Nouveaux Modèles » n’a pas pour autant l’ambition d’expliquer le présent, mais plutôt d’aider à identifier la pluralité des directions nouvelles qui s’y esquissent. Le cours porte une attention particulière à la manière dont le vocabulaire, ou le lexique de l’art et de la pensée contemporaines se renouvelle : quels sont les mots, les notions, les concepts, qui résonnent, surgissent, renaissent, s’actualisent et que l’on prendra comme autant d’indices, ou de pistes à suivre dans ce cours qui se pense davantage comme une enquête collective que comme un agrégateur de nouvelles.

Mode d'évaluation :
Assiduité - Participation à la discussion

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Créer un lieu et un temps, d'effervescence du savoir et des technologies spécifiques, de veille, de questionnement et d'accompagnement du travail de création à l'ère de la réalité numérique. En particulier étudier et s'emparer des incidences cognitives, esthétiques voir politiques, des accidents, des prolongements, des élargissements qui s'opèrent et aussi des rapports qui s'établissent entre digital et analogique dans l'art et le design.
Autrement dit, il sera question d'analyser et questionner les transformations que ces outils imposent à notre manière de vivre, de penser, de comprendre, de voir, de créer et de produire, et examiner comment ce nouveau paradigme est la source de formes qui en découlent et qui ouvrent de nouveaux champs d'expériences et de production.
Il sera aussi question de trouver des interlocuteurs/collaborateurs/prestataires/diffuseurs pour élaborer et accompagner les projets.

Contenu :
L’ARC sera l’occasion d’aborder ces questions transversales liés à l’utilisation des TICs.- Le travail, intellectuel et opérationnel, engagé, portera en particulier sur les nouvelles narrations, les transformations des modes d’accès au savoir, la “technomagie”, l'interactivité et ses enjeux, la désynchronisation, la convergence, l'Internet des objets, la réalité augmentée voire d'autres champs d'expérimentation déjà apparus et actifs ailleurs en art et en design. Certains projets développés dans ce cadre seront évalués dans les options avec les enseignants responsables.
- L’ARC a pour mode pédagogique la mise en commun et le partage des connaissances, des ressources et des réseaux ainsi que l'autonomie. Quel que soit leur statut (étudiants, enseignants, techniciens, collaborateurs extérieurs… ), chaque participant à l'ARC peut être acteur de cette mutualisation.
- Une fois par mois, les participants du Commons’Lab se réuniront pour une conférence avec des personnalités extérieures le matin et un atelier pratique l'après-midi. Cette série d’invitations permettra de questionner les pratiques actuelles, d’approfondir la veille des outils ou des champs opératoires et de rencontrer des partenaires potentiels. La partie pratique permettra l'expérimentation des outils et la mise en œuvre des projets.
La participation à l'ARC implique une contribution active aux enjeux du Commons’Lab, à la réflexion menée et à l'élaboration de ce qui en découle (activités, communication, actes, etc.).
Le Commons'Lab est un lieu associé où se mettent en œuvre les recherches, les expérimentations et les projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
Bibliographie indicative, d’autres ressources disponibles en ligne :

- Dieter Daniels, Barbara U. Schmidt (dir.), « Artists as Inventors », Ostfildern, Hatje Cantz, 2008
- Zygmunt Bauman, « Le présent liquide », Paris, Seuil, 2007 *
- Peter Lunefeld, « Snap to Grid, « A User's Guide to Digital Arts, Media, and Cultures », Cambridge, MIT Press, 2001*
- Olia Lialina et Dragan Espenschied ( dir.), « Digital Folklore », Stuttgart, Merz Akademie, 2009 *
- Mathieu Triclot; « Philosophie des jeux vidéos », Zones, 2011
- Karen O'Rourke, « Walking and Mapping Artists as Cartographers », The MIT Press, 2013
- Jacob von Uexkûll, « Mondes animaux et monde humain », Pocket 2004
- Anthony Dunne, Hertzian Tales, « Electronic products, aesthetic experience, and critical design », Cambridge, MIT Press, 2005
- Bruce Sterling, « Objets bavards », FYP, 2009
- Frédéric Kaplan, « La métamorphose des objets », FYP, 2009
- Clarisse Herrenschmidt, « Les trois écritures », Gallimard, 2007

- Exposition « Design and the elastic mind », MoMA, NY, 2008
http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2008/elasticmind/index.html
- Exposition « Talk to me », 2011, MoMA, NY
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1080

- Revue OPEN, n° 11, « Hybrid Space, how wireless media mobilize public space », Rotterdam, NAi Publishers, 2006 *
- Revue POLI, n° 3, « Le spectacle de l'écologie », Paris, 2010

Objectifs pédagogiques :
Prélude à la musique privilégiant l'écoute et le dialogue

Contenu :
Ecoute d'oeuvres musicales historiques ou récentes. Les œuvres sont diffusées dans leur entièreté (elles sont brèves, moins d'un quart d'heure) et de manière répétée (deux ou trois fois). Après chaque écoute, une discussion ouverte permet un échange sur cette audition, le partage des savoirs et la mise en perspective avec les champs de la création et des arts visuels. Aucune connaissance musicale préalable n'est requise.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
http://www.inagrm.com/accueil/collections/portraits-polychromes
http://www.ircam.fr/270.html? et tx_ircamboutique_pi1%5BshowUid%5D=41 et cHash=af12f57aef940c21ace7dd55a07388f2

Support de cours :
http://art45.ensba-lyon.fr/0_art/GG/

Objectifs pédagogiques :
Les journées d'études sont organisées en forme de séminaire à partir des travaux menés par l'unité de recherche Art Contemporain et Temps de l'Histoire, formé par des jeunes artistes diplômés et des doctorants en théorie de l’histoire des arts. Il se propose de développer d'un point de vue d'artiste un travail autour des relations entre certains aspects de l’art contemporain et les « régimes d’historicité » qu’ils mobilisent.

Contenu :
Le contenu des journées d'études est fixé par la personnalité invitée et envoyé aux participants.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
La bibliographie est fixé par la personnalité invitée et envoyé aux participants.

Objectifs pédagogiques :
Les journées d’études sont organisées en forme de séminaire dont une partie peut-être ouvert (à d’autres étudiants, à un public). Les huit axes de la recherche sont abordés selon le sujet de l’année.
1/ Body Politic
2/ On stage/On line:
3/ Re-enactement, restaging, remake?
4/ Archives spéculatives/Archives prospectives/Archives pensées à lʼorigine.
5/ Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
6/ Le public comme forme.
7/ Performer le film/filmer la performance.
8/Dessins/Scripts/Pop up: the world as a script.

Pour 2022-2023, on poursuivra la question de théâtralité/performance « White Cube/Black Box » ainsi que le film de performance « Performer le film, filmer la performance ». Une journée d'étude transversale sur Jack Spicer en cours d'élaboration, à partir de la notion d'hantologie.

Contenu :
Les contenus sont fixés en accord avec les personnalités invitées et partagés avec les participants.

Mode d'évaluation :
contrôle continu.

Bibliographie :
Des textes ou extraits d’ouvrage sont adressés en amont aux participants.

Objectifs pédagogiques :
Station d'arts poétiques

La Station d’arts poétiques est un programme de recherche et de création dirigé vers l’écriture et l'oralité poétiques, dans la diversité des formes.
Après une collaboration de plusieurs années avec l'ENS Lyon qui débuta en 2006, puis avec le Département Écriture de l'ENSATT, ce programme se caractérise par trois journées d'études abordant en profondeur la pratique et l'approche théorique d'auteur*es invité*es, et par un workshop.
La confrontation des pratiques d'étudiant*es avec celle d'auteur*es confirmé*es, est déterminante et stimulante.
Il peut s'agir tout aussi bien du vers, de la prose, du récit, de la poésie visuelle, du «docu-poème», du montage, de la performance poétique et sonore, ou encore des rapports texte/image/son : photo, vidéo, film, chant, hypertexte, et cela dans la diversité des langues et de leurs usages sociaux, du multilinguisme, et des langages vernaculaires.
Une attention particulière est donnée à l’oralisation des pratiques textuelles. En cela, il s’agit de faire interagir les pratiques poétiques et les réflexions qui en découlent, avec celles des arts plastiques contemporains et celles du son. La journée d'études s'achève par une lecture ou une performance par l'auteur*e dans le grand-amphithéâtre.
L’objectif à moyen terme — inspiré des écoles scandinaves, allemandes (Leipzig) et suisses (Biel/Bern), ou jadis du Black Mountain College — serait d’accompagner des créateurs dans une réflexion et une connaissance des réseaux d’activité littéraire, où la langue et les modes narratifs constituent des lieux d’investigation.
L’accent est mis sur les processus d’émergence individuels et collectifs qui ont trait au travail d’écriture, ainsi que connaissance du champ littéraire et éditorial en France comme à l’étranger.
Des lectures et performances poétiques ont lieu régulièrement lors des D.N.S.E.P. Des scènes et plateformes en public ont été régulièrement proposées aux étudiant*es ou ancien*es étudiant*es (ENS Lyon ; Maison de la Poésie Paris ; Périphéries du Marché de la Poésie ; projets à venir avec le C.I.P.Marseille).
Un projet piloté par Patrick Beurard-Valdoye et Agnès Gayraud, accompagné par Derek Byrne (pour les années 3 design d'espace et design graphique)

Contenu :
Programme 2021 - 2022
Journées d'études :
mercredi 17 novembre : Élodie Petit (en sa présence)
mercredi 15 décembre : Vincent Barras (en sa présence)
mercredi 23 février : David Christoffel (en sa présence)
Workshop : 21-23 mars
conduit par mars 2021

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Ouvrages des auteures invitées

Support de cours :
Journée d'études en présence de l'auteur, approche des textes de l'auteur, dialogue, confrontation avec les textes des étudiants et la ou le poète